Tribute to.....

梁伟诗的文本世界

2011-12-20T10:16:00.000+08:00

晶報 | B08 | 2011年12月18日

梁伟诗与高高在上的学者不同，可能因为学院对流行文本的不重视，令她谦逊有加，真心想还词坛一个公道。有说歌词不能登大雅之堂，她就细意疏理出词人的文学性以及社会批判性；又说香港只有词坛没有乐坛，她就积极回应粤语作为古汉语传承以及其在大中华区的流行文化构成。但她从没有大夸自己的看法或评价，反而默默坚守采集及整理的位置，做好向导及收藏者的本份。

梁伟诗现为浸会大学研究員，但最为人熟悉的还是其词评人身份。上月开始在电台开咪，节目题为《文明单位》，旨在介绍书籍，她第一晚却定题为林忆莲，她解释道：“书，除了实体，也包括各类文本。”

像她的歌词研究，由流行而起。流行及大众文本，不是所有学者都关心的，梁伟诗却十分钟情。

“我本科是读中文系，做过老庄和晚清小说的研究，一直都没有想过自己会做流行研究。端赖朱耀伟教授（《香港流行歌词研究》的另一作者）的启蒙！”她自己一向对流行文化很有兴趣，结果走上这条路可谓一石二鸟。“在学院里，虽然流行研究都不受尊重，但我们都相信‘今日的林夕、明日的诗经’的道理。很多人觉得流行词作不登大雅之堂，但我认为流行歌词是如今最大众的文学。歌迷没有责任去弄懂，但我们做学者的，就有责任去呈现这块文化宝藏，因为是文化的一大部份。”

而可以在电台开咪，为文化节目主持，也是因为去年接受过《思潮作动：文明单位》的访问，说词谈书。后来电台要找新主持，监制也立刻想起了她。十月开始，便真成“多媒体人”了。

这些电台的机会，就是由去年她跟朱耀伟合著的《词家有道：香港16词人访谈录》而起。那次访问谈词人，现在则当起主持，邀请不同人谈香港文明面面观。而访谈录的延伸《后九七香港粤语流行歌词研究》则于今年正式出版。

“《词家有道》是作为《后九七》的基础。我们是认真做研究的，一定要做好真实的整理，才开始分析，不能只是闭门研究。故便促成《词家有道》的访谈，先有词人们的创作理念作基拙，我和朱教授才做整理及分析。今年完成《后九七》，亦一并和朱教授的前编《香港流行歌词研究》（1998）再版，推出一套三册的年代词研。”

梁伟诗在中负责较新的词人部分，原因当然与朱耀伟更熟悉老一辈创作人有关。而她作为新晋词评人，与九十年代后的词人一样，接捧担起推广后九七的流行词作的抱负。“我觉得自己很幸运，可以有这个机会研究词作。不管大家认不认同，我都会用心去做。至少做到导航作用。就像香港地质公园的指南，告诉你那儿有火山岩、地质岩，我们就是想做到这类的指标作用，把香港的好词全都铺陈出来。”

梁伟诗的坚持是做好资料整理及歌词分析，她本身的文学训练就更派得上场。“我们在撰写研究时，也希望用到文学史的方法。这点在《后九七》尤甚，如文学评论家夏志清的方法，只是小说家都变为词人了，从风格及发展去分类，谱出既以人亦以团体去划分的分类。有三大词人林夕、黄伟文、周耀辉。再有上一个年代的、唱作的、嘻哈的等自成章节，逐一评论。”

除了以词人的访谈为基础，以及一直狂吞流行音乐，梁伟诗自言也不放过任何词人的另类作品。“香港的词人都很厉害，大多都是跨媒体的。所以除了研究他们的词作，我也不会放过林夕的文集、黄伟文的专栏、小克的漫画、周耀辉的散文、周博贤的时事节目配乐…….这都花去我全部时间了！但为了得到词人的全貌，都是值得的。”

歌词，就是非物质遗产，她如是说。“现在很多东西都一闪即逝，我们一消费掉了，那样东西也被迫消失了。歌词和很多东西都是，但我就希望一反这个常态，还歌词一个位置。我想我做研究最大的成就，大概是可以出书指出什么是好的，它们为什么珍贵，这是学者的责任。”

而歌词以外，她抱着同一个态度。“香港是一个充满可能性的地方。但太多东西一闪即逝，我既然有幸有研究及发表的平台，就更应该呈现这些东西。这也是我在电台除了谈书，也谈时事的原因。因为就算是一件事，又或是一套电影，也是一个文本。”

研究的对象不同，但心态和方法是一样的。她喜欢观察，再分析，于词评及书评也是一样。而其实在词评之前，她在公共媒体放最多精力的其实是舞台剧评。“写了差不多十年，还不如写了一年多的词评，大家现在都视我作词评人，但大众都不知道我是写剧评的。写剧评就是劳多功少吧。”

舞台剧还算是小众，对比歌词，更是次文化。“但无论是哪个范畴的评论，都来自我本行。批评来源都是文学研究，只是兴趣的不同面向。两者还是会继续做下去。”

http://jb.sznews.com/html/2011-12/18/content_1870038.htm

怎去再復尋Swing　男子組靠誰

2011-12-06T10:11:00.006+08:00

特意留起送T-shirt的上小角，與Swing一起也是絕版咯～

香港經濟日報 C02 | 眾樂樂 | 2011-12-05

　　早前 Swing 的告別演唱會，最深刻是 Eric Kwok 的結婚，其次必是 Jerald 台上 4 次流下的淚水。一向最怕「樂壇如今太不景氣」之論調：歌手埋怨樂迷不買碟、香港冇樂壇、唱片公司冇機會，音樂人與樂迷互相責怪「今非昔比」，是何等消極。但若出自今年正式解散的 Swing 之口，相信歌迷會額外同情。

　　這次紅館告別演唱會，令人不斷想起 Swing 的酸溜溜。Jerald 說做不到巨星，唯一演唱會只有一個贊助商；Eric 則笑說他們不止一次疾呼得不到別人關注。雖以曾得過的獎項和上榜率來說，成績當然算是不賴，但現實卻是即使搜尋 YouTube，也不會找到大量 Swing 的作品。唱片公司不力捧、形象不夠突出，連帶樂壇不景氣的天時地利人和，都令 Swing 無法達到他們的目標。
對悲觀的 Jerald 來說，感受最為明顯。演唱會上，陳子聰笑他抄歌，立時憶起 Jerald 曾說故意向大熱流行曲發洩，抄陳輝陽的《終身美麗》成《小流星》（為「森美小儀歌劇團」而作，收錄於專輯《Swing Swang Swung》），寧願被人罵也想有多點 noise。結果，還是零反應。演唱會當晚位位嘉賓說不捨，相信不止是因為告別，也是為他們得不到應有回響而不值。
Swing 的目標落差，與他們的高標準有關。他們曾希望首首作品都能派台，在如今樂壇可謂癡心妄想，但亦反映出他們對每一首歌的信心。首張專輯《Snowman》，音樂上有電子、ballad，歌詞涉及打工仔百態、口語、耍花槍。Swing 時期，加入舞曲、R & B、modern jazz；Jerald 唱功上的 beat box 及 ad-lib，Eric 則偏向英語抒情。歌詞從一而終非常道地，講食魚、打風、睇相、港男，可惜廣為流傳的還只得早年的《1984》。

最後的叩問
黃偉文說過，Eric 是少數要求主題方向的作曲人，可想而知他在 Swing 會更以心思入曲。由首次瀕臨拆夥時期的《大大公司》，自嘲執笠但還有誠意；到《帝國大廈》的鬱鬱不得志，均訴說他們的心結。7 年後這趟復出，歌曲繼續寄意，Jerald 以娛人先娛己的方式輕鬆回歸。第一張《武當》調好內功；《Let It Go》說明真的放下；接著的《電》再玩概念大碟，無聊男怒吼變成無奈男悟性，道出中佬心聲。新碟《Swing 到盡》終極顛覆自己，以《無限》作最後的叩問，質問歌詞為何物：「請小心解拆與重視 / 或者當中廢話一遍」，Swing 壯烈奔走，從此也一去冇回頭。
Swing 的第三成員一向被指是填詞的林寶，那份難耐壓迫，偶爾作樂、發洩，更是 Swing 的主題態度。然而黃偉文同是另一關鍵詞人，Swing 的過癮、深情主題都出自其手筆。早年有《打者愛也》及《大大公司》，近年有講生活層次的《麵包生命》及告別遺書《那邊見》。黃偉文獨有抵死但濃郁的寓意，在當今三大詞人中，最適合為男子組撰詞。

男子組的宿命？
有趣的是，黃偉文與 boy duo group 向來有不解之緣，比 Swing 遲兩年出道的 Shine 就依靠黃偉文的詞，營造出一系列富文藝關懷氣息的非情歌。細膩觸覺與 Swing 的強烈吶喊形成對比，但外形及包裝縱好，卻仍難逃解散的命運。
男子組最繁盛的時候，還有 Boy'z 接力。Boy'z 走偶像路線，據說因 Steven 紀律不好而令發展受阻，跟 Shine 同於 08 年解散。今年復合，Steven 長大了，Kenny 亦成熟了。音樂上多了要求，找來張敬軒為他們打造 R & B，明顯是要加入實力元素，成功與否就看他們能維持多久。
男子組樂壇求存像一種魔咒，最成功似乎是軟硬天師，跟 Swing 同是「玩」類型。可是今天，打破規則、抵死嘲諷的風格，連元祖林海峰也繼承不了。Swing 演唱會上，嘉賓林海峰唱出唯一的非 Swing 作品，正是兩個單位所寫的《流行曲》：「煽情 / 必兩粒眼淚情緒高漲 / 去到 chorus chorus 要易記易唱」。一拍即合，無非因是同路人，而且彼此都深明流行曲必贏道理，卻不甘心去做，另闢蹊徑，注定只能為小眾注電。
Swing 或許真的不能顛覆樂壇，可幸是他們臨別前依然有迴光。如陳奕迅當晚所說，他們的歌曲首首動聽，在音樂隨手可得的年代裏卻被忽視。所以，我們要的不該是 Swing 的回歸，而是對 Swing 過去作品的重視。歌神把責任由音樂人轉移到樂迷身上，這大概不止為 Swing 作出的呼籲。愛樂的、評樂的，我們都聽得到麼？

青春的總結曲

2011-11-04T09:26:00.006+08:00

信報財經新聞 C04 | 影音地帶 | 影話 | 2011-11-03

電影未上畫，已感受到胡夏的《那些年》多麼動人，電台裏熱播的熱播，面書上轉載的轉載。進戲院看《那些年，我們一起追的女孩》，才知道其真正威力還是在於身處電影文本之中，可以獨立於電影，但也是救了電影。

或許不該說是救，電影大賣，何須需救焉？但若你略嫌它所說的青春避重就輕、設計堆砌，大概會因為這首歌而為電影加分。

《那》不是不好看，也不是不動人，而是屬於一種想像的青春，能令觀眾以為那是他們錯過了的青春，於是以無比的羡慕心情，去懷緬其實從沒有這樣發生過的戀曲。那其實與易上腦的流行曲無異，也就是動了販賣感動方程式而已。

不過，也就是不過，幸好還有最後回帶一段，有人甚至說那是全片唯一最不多不少的部分。末段的音樂錄像總結，配以歌曲及加回吵架全貌，才呈現了青春真相。這個flashback不僅有過度耀眼的青蔥片段，重點是包含了之前未曝光的細節——原來在吵架後，二人分別在兩個不同的地方痛哭，無疾而終的感情才頓添真實，心水清的觀眾方才得到答案。二人沒有再找對方，之前可是經歷一場痛哭和掙扎。片末的零碎剪輯拼出青春最完全和真實的痛——快樂和幼稚以外，對感情修補及昂步前進的無力，也正是成長中最大的課堂。於是，歌曲《那些年》譜出的總結音樂錄像，就成為不偏不避、真正的青春奏鳴曲。

說初戀，近年最深刻之作不得不提日本動畫《秒速五厘米》。此片同樣以一結尾曲《One more time,one more chance 》來做回帶。

愛情對白的潮流
如《那》的高中、大學、結婚三重奏，《秒》也是用三段結構描述初戀的始終，一是年少，然後是高中，最後是畢業之後。在最後兩段，初戀的女主角都缺席，剩下茫然的男主角 —— 快樂、孤獨與缺失隨三段時光流逝滲出淡然的哀痛，回帶重複的場景甚至只是空鏡，仍令人感受到初戀無處不在、失戀無孔不入的境況。歌曲《One》與《那些年》都耐聽，那不是旋律上，而是情感上。但因為《秒》令揮之不去的寂寞更真實地存在，所以是更高一層次，與《那》不同，它不用定格於青春作為細味愛情的手段，而是讓每個人無論任何年紀，還能切身地在當下感受到愛情長久的魔咒。

青春的總結音樂快鏡都成潮流，是幫補，也是升華。不少戀愛電影更擅於以對白或獨白作配樂，在《秒》裡亦有二人交叉對白才接到MV。近期台灣導演林書宇的初戀電影《星空》亦以主角小美的獨白去一併總結初戀、成長及渴望。另外印象中最深刻是《戀愛起義》，三段戀愛故事以一段林海峰DJ 式獨白作結，卻成最具影響力之部分: 「最近，我很喜歡一個人，自己一個人..」把三段的愛情片段歸一，那也是一種魔力。

以上是正宗電影Ending MV，先有交叉獨白，再放音樂加回帶及空鏡，雙重處理擊中心臟和淚腺.....

非典型词集

2011-10-17T11:34:00.002+08:00

晶報 | B07 | 深港書評 | 海外 | 十月十六日

《雷词》...　梁柏坚著　　
香港天行者出版公司...2011年7月版

● 林纶诗（媒体人，香港）

歌词，本身就是非典型文类，就是当代新词，总觉得它们太被忽略，明明街知巷闻的，又或牵动人生的，都只如过客般掠过，是为文学及文化研究中的遗珠。我一向认为歌词研究实在可以走得更远，那些琅琅上口的丶铭记于心的，真的值得去反覆讨论。

“粤词”近年在香港掀起小小风云，得以名正言顺让人细味，始作俑者仍然是靠歌带挚——环球唱片率先为词人林振强等已逝者辑起作品，推出音乐合辑，引发市场上的振奋，继歌手之後，词人能在庞大的音乐产业中独当一面。接着连带之後一辈的词作人，2006年开始一个接一个推出作品结集，还加以自我剖析或邀人眉批，排名不分先後左右忠奸：林夕丶林敏聪丶周耀辉丶潘源良丶黄伟文，歌曲以外赋以文字，为歌词加入更多背景及诠释。当中林夕及周耀辉更乘势推出多本散文集，为他们的片断絮语换个平台发表。

除了这一波词集潮流，一向做学术式的学词研究者朱耀伟丶梁伟诗及黄志华，都在近几年推出著作，亦访亦谈新旧词人及作品，今年朱教授及梁博士更承接1998年的《香港流行歌词研究：七拾年代中期至九拾年代中期》，今年推出《後九七香港粤语流行歌词研究》，加上去年的与黄志华合著的《词家有道——香港十六词人访谈录》，词界更显热闹。

不过无论自我表析以至他人解读，范围都难以达至宏观境界，一人作品自然是冰山一角，属个人回顾；众人分析的话，黄志华偏向传统方法，无论是分析或选作，都依从旧式框架如文法丶典故去诠释，少与歌曲背景时空并尽，工整但限制了词评；而朱教授与梁博士则偏以采集丶归类的现象分析去总括歌词，而且评价不够，有赞少弹，挑好弃坏，更像以社会学方法去代替文学评论，过程自然有所缺失。

当然，这种词析在记录及梳理词史中自有价值，只是难以呈现全貌或观点强的作者论分析。不过，若循这个方向要求的话，词人梁柏坚的新作《雷词》在针对现象归纳及资料增补上，就做到富过人之处。

梁柏坚是70後词人，除了林若宁曾在《林夕字传》中眉批夕爷作品，或者小克出漫畵时插科打诨改编歌词外，他是近年唯一一个在位词人，出书谈他人的词。梁柏坚在微博一曏鬼马多变，令其一炮而红的也不是正统作品，而是改编陈奕迅《富士山下》的《富士康下》：“人肉像企业物流/穷人为生活断头/谁人求秒杀到富士康即有/何不把悲哀感觉假设是来自你虚构/你想跳楼请跳一切都照旧”，足见他粤语改编词的乾净利落。

不过，梁柏坚在此书中是不谈自己，只谈“风月”，由自己的成长到进入词坛後遇上关于歌词的光怪陆离，都一一记录。第一部份“词尊”是描述对林振强丶郑国江丶林敏聪等的粉丝心得，如提郑国江为警匪剧及动畵填的主题曲，足以振奋人心至人人要投考警察。今天他以词人技巧再去看这些“警察”作品，更明了黄沾所言写词是“一剑要入魂，一插要入心”。

这个篇章里他亦不忘透露写词的行规以至幕後花絮，令乐迷一窥词人的私密写作世界。他加插与前辈何秀萍的访谈，谈起“避用词”，即每个词人竭力避开的用字用词——他们列出“何解”丶“窝心”丶“爱火”等等。他在後篇亦有正视自己对“爱火”的死穴，整理出一堆含有“爱火”成份的歌词，爱与恨衕列出来——当中亦有例外，他最欣赏只有张国荣的《爱火》，而此词竟也是出自张国荣手笔。大概唱和写也一样，张国荣也是能贯彻地化老土为风格的少数。

无论是作为词人还是乐迷，梁柏坚的归纳不单呈现歌词本身，还涉及对歌词文本背景的互涉，而描绘与创作环境的相关，一直伸延至现实新闻。本书另一紧扣社会之处是辑录了不少另类作品：地下Rapper创作的“新闻词”《屋村女》描述香港问题少女，比新闻头条更深入全面；还有MastaMic一年一度的新闻总结，《10 HK Rap Up》（亦有08及09年版），尤如香港新闻年报。相信梁柏坚是希望指出不分主流红黑，只要贴近现实，就算佳作，绝不该被忘。

这种力擒漏网之鱼的表现，看得出梁柏坚如斯爱词。书中他还辑选了几个分类的歌词，读来犹如香港通识：写的士司机的丶写街边区份的丶写科幻新纪元的丶写末日2013的……绝对是香港文化面面观，涵盖地理丶社会丶科学，甚至宗教，全成富条理的教材。我就最喜欢电影课“周星词”——这一篇足足收录了41首出现过在周星驰电影的歌曲，由星爷及演员唱出。呈现全首丶词词不漏，他还专业地作词人技术微批，就如《Only You》：“Only you 莫怪师父暗沉/戴番个箍莫怕死咪发ti腾/碰到钉咪惊/I understand/要全力地去do/要惊就两份惊/ 喃呒阿弥陀佛”，梁指这词绝对是高难度填词的典范，最後的“佛”音变为“苦”，拗音来成全与“do”押韵，相当苦心。

从梁对歌词的普遍认知及欣赏，可看出他对歌词本身的钟爱，及他累积而来的填词心经。在最後一节，他完全退居幕後资料整理，不评价不批判，列出黄伟文Wyman于1997年商台叱咤903《系咪玩野》56首恶搞“歪词”，却是以行动说明了最佳的词人皆是反叛，山寨训练是最好的填词练习。

这种无拘无束的漏网搜罗及秘密披露，令《雷词》一书鹤立鸡群，虽然还有资料多丶观点少的问题，但有血有肉的分类令粤词的前世今生，以至梁柏坚作为作者的形象立体起来。词集不单宏观地表达了歌词与流行文化，乃至社会面貌的地图，还令过耳即忘或个别孤单自赏的歌词，能倚赖另一书写框架继续生存——那是我认为歌词整埋的最大价值。

http://jb.sznews.com/html/2011-10/16/content_1783157.htm

林憶蓮 MMXI的音樂新世界

2011-10-06T15:19:00.000+08:00

林憶蓮MMXI演唱會，從好的方面去說，及從壞的方面去說，都只因它是一個歌迷會。台下化得兩鬓斑白去說明愛到老的歌迷，又或突然現身的胡楓及劉美君，不單讓我們見證細水長流的人緣，亦是她們難得的富人情味聚會。可是也正因為要和歌迷狂歡，令是晚的編排倚重亢奮氣氛，失去了慢工的動人音樂，叫人有點失望。

我看的是第三場，不計encore的話－－因為壓軸一晚encore特長，30首裡只有9.5首歌是慢板，搖滾部份還好，較忠於原著，其餘的用上使其面目模糊的八十年代舞曲編法，歌迷跳得興奮，我也跳得興奮，但一直下去，便明白這都會讓大家錯過憶蓮的另一面。到第三個快歌環節，我們便知道慢歌就如那個高質hand-held 咪般又要遠去了（hand-free咪全晚也不太收到憶蓮的聲音，而全部快歌都用上hand-free咪的!），後來憶蓮更邀大家上台，搖滾區（應該也是歌迷會區，最貼近舞台）的觀眾得到湧到台上的機會，一破紅館風格，台下、山上看過去卻是一片凌亂，也正好是是次演唱會的縮影──搖滾的都樂透了，但旁觀者都看不清憶蓮身在何方了。

這個演唱會不只是懷舊重溫夜，更是叫人期待的復出預告。新碟將於十一月底推出，聽過〈枯榮〉及〈杮子〉也知道是實驗性強，製作更是林憶蓮自資，以往的都市小女人嘗試的不只是常石磊的新音樂世界，還有如薩頂頂或王菲或Bjork的新唱腔，而現場演唱〈杮子〉更比MV的灌錄版本出色，示範了現場及真實的憶蓮是擁有如斯寛廣之聲域。但無論是新形象還是環保主題，都被快板rundown掩蓋，很多經典如〈聽說愛情回來過〉、〈微涼〉（這個對一峰祖堯迷更是特別限定！──歌出《馴情記》），甚至新曲〈兩心花〉也都被搶去位置，三晚缺席。

沒有偏重都市小女人形象，又或五年來的音樂蛻變、又或如自借用National Geographic片段做MV的宏大世界觀，只盡顯富爆炸力的火辣形象，叫人頓覺失去了林憶蓮的一塊。在這晚斑爛的單一野性下，與恭碩良合唱的〈下雨天〉更顯珍貴，青峰作的新曲〈寂寞擁擠〉更一閃過iconic的細膩，那悵然若失的感覺大概不只從歌詞而來，也代表了是晚的缺憾美。
要讚的還有致敬環節，這樣沒有突出主題或結構下，有利這唯一鮮明的主題──以張國榮的旁白去帶出〈赤裸的秘密〉，默默的再到陳百強〈我和你〉，及〈海闊天空〉，沒有大灑淚水說掛念誰掛念誰，暗暗的致敬更留白。

MC Jin 的回流傳

2011-09-16T17:31:00.001+08:00

From MC Jin HK facebook - homecoming photos

當年認識到《今天應該很高興》(達明一派) 一曲，也是歌曲發佈許多年後，但因為1997，這首歌曲再度興起，如此應景。若干年後，移民的孩子都長大了，紛紛回流，尋根也好，尋工作也好，卻等不到一首「回流」之歌，總不能借來《飄零燕》過度渲染。幸好2008年，MC Jin回港，唱作了《1997》一曲。

第一張專輯【ABC】番書仔MC Jin講「回港情」，與陳冠希的《香港地》一樣，浸完咸水回來嘆珍惜，可能比生如斯談「獅子山下」更出師有名。回港情到「回香靖」，香港人聽得舒服，不只因為ABC　(American Born Chinese)　選擇回香港，而是這種由外回來的認同，聽上去更舉足輕重。

與陳奐仁合作完【買一送一】，MC Jin回歸自己的拿手好戲。ABC標籤還是貼得牢牢，《回香靖》延續《ABC》、《1997》等自己回流及家人作為華僑的心態，《人氣急升》亦是《香港SUPERSTAR》及《識講唔識睇》的巨星錯位延伸，由自身的大明星身份，去玩對廣東話的不明不解。但他聰明在於點到即止，Rapper容易墮入不斷重覆的特定主題，把自己狹隘的觀點或圈子曝露人前，例如農夫不停講「歌唱夢」，一首兩首還算是Underdog的幽默表達，第三首已如像怨婦，所以一定要另找主題，尤其紅得起，就更要放得低。MC Jin寧可把ABC精神轉化為ABC仔的坦率，唱幾首華僑回流之聲，便轉回其他觀點感受，不怕得罪人，不怕唱自己私癮。

碟中最嚇我一驚是《師奶殺手》。這個差不多是TVB獨家出品的藝男名稱，受其力捧的MC Jin當然當之無愧，(他現在食正視星的形象，如視帝黎耀祥般，什麼show也撈，什麼廣告也接，沒什麼包袱–電影明星那類較picky的形象還是留給朋友Hanjin) 他卻以此之名坦認所有歌手殺手都不敢提的歌迷市場論：「小朋友…唔係消費者…最肯洗錢既中學生／佢地既生意真係難做／通常都三分鐘熱度…搵fans 要搵成熟D／十八至廿幾無乜意思／起碼四字頭我先至啱key」。把一個個粉絲變成一個個 $ sign，唱片公司都沒有這麼坦白。背後除了是歌頌師奶，不忘把三分鐘熱度及只download歌曲的年青人打入冷宮。

反而《立立亂》道盡社會問題，但不夠立場，可能我都太期望他可以旁觀者清，有那句唱那句，繼續有驚喜。其中青少年問題點到即止，觀點缺乏，稍嫌可惜。把九十後吸毒、八十後抗爭的無力感只是略略帶過，以娛樂版打個圓場結尾，沒有示範到敢言，卻示範到香港人緊張C1多過A1的特性。

《世紀婚禮》、《仔大仔世界》及《女大十八變》都是婚後報告及預告，溫馨窩心之餘，也用盡香港俚語，一再證明他除了是廣告寫手 (連幫曾蔭權或財務公司都可以RAP得琅琅上口)，寫非ABC題材還是有他的吸引力。這或許亦宣示著這才是真正的他。

笑笑自己好好先生

2011-08-22T10:22:00.004+08:00

明報 P15 | 歌舞昇平 | 殘響音墻 | 2011-08-21

無論是獨立還是主流，台灣的音樂男生總帶脫俗之風。音樂主題以至生活觸覺，都如我們愛台灣的原因——愈簡單，愈動人。好好先生的姚國禎與葛凡，同樣有著台灣的傻勁，音樂輕快，題材可人，卻暗暗帶著黑色幽默。去一個日本的療傷假期，投訴空姐，歌頌香蕉，寫出一碟曲詞，受黑市音樂品牌賞識，去年年底推出首張專輯《年輕的心》。

「我們的特色是歌詞很直接，而且大部分的時候，都帶有自嘲的成分，敘述我們所感受到的人事物。」葛凡的回答叫人想起他們的歌《賺錢來買UNIQLO》，唱快樂消費，卻在挖苦過度消費。

國禎坦言生活確實是他們創作上最大來源。「可能不同於大多數人寫歌時，對象是世界，但我們將對象轉換成自己，用『自嘲方式』消化生活裏面太多的狀況。」

親港台灣幫

他們的風格大概可以用伯樂Oliver（黑市音樂創辦人）的描述：「他說我們兩個人的聲音搭起來很怪，但是是有趣的怪。」處女作《年輕的心》除了是二人「搭起來」，更搭來魏如萱及一眾香港獨立單位——Marshmallow Kisses、MyLittle Airport、Pixel Toy，以行動來支持及推薦。

「製作人Oliver 聽完專輯demo 後，認為應該保留好好先生創作時的繽紛與熱鬧，所以找來好多好多人一起編曲，我們要藉此機會再度感謝我們的製作團隊——也可稱香港幫！」國幀說。

他自己對港樂亦別有體驗。「我小時候就愛跟媽媽看港劇，農曆年一定要到戲院看黃百鳴的賀歲片，流行音樂當然不能少，當時正逢港星大舉來台的旺季，所以我覺得那裏好多大明星！」

至於對香港獨立圈子，國幀亦有觀察。「據我所知與認識，環境與資源很少很少，但喜歡音樂或者有才華的人很多，所以在高競爭力之下，反而刺激每組人的作品都必須更成熟精緻，有點像日本，隨便一組都很好聽。」

葛凡則對粵語情有獨鍾：「我對香港樂壇最大的感覺是同樣一首歌，粵語歌聽起來比較有感覺。從我聽過的一些團裏面，我覺得他們曲風很多元，風格明顯，各有特色。」

最愛莫文蔚

他們選喜歡的歌手，也選了來自香港、剛拿下台灣金曲獎最佳國語女歌手的莫文蔚。葛凡說：「我最近非常喜歡聽莫文蔚的歌。不論是她的發音，她的轉音，她的嗓音，都好迷人。」

而姚國禎的原因更直接：「真正喜歡的歌手，真的就得回歸他本身的個性。莫文蔚是我從頭到尾都很喜歡的藝人，她知道自己能做什麼、要做什麼、然後樂在其中，真的好棒！」

伙港台獨立單位推合輯

由原本為作個紀念，到現在希望用心經營，好好先生都經歷很大變化，之前葛凡甚至想過離開。「我對組合的看法是當兩人能溝通、有共識的狀下是天堂，意見不合、無法溝通時，是地獄。在好好先生裏，如果不是我們兩個人一起創作的話，不可能會有這些歌曲跑出來。我們需要兩個人一起去發展。可能先有旋律或主題，經過兩個人的設計、討論、爭吵、不爽、找出共識、互相滿意後，才算完成。」

最後，他們還是決定一起走下去。「葛凡想要繼續做的一天，我就會全力配合，因為我知道這些作品單憑我們其中一人，都無法獨力完成，而我深深喜歡這些作品。我們在製作的第二張專輯《愛的小舟》，視覺創作、專輯封面等都會自己包辦。雖然辛苦，但我們始終相信好好先生的歌能藉由影像搭配產生更完整的共鳴。未來我希望好好先生的創意除了發揮在詞曲上，我們會專心找尋兩個男生聲音的可能性，在這樣的默契下嘗試更多的發展，如主持、導演、甚至把葛凡帶進設計的領域（國禎本身讀舞台設計），這樣我就不用一個人工作的這麼累了，哈哈！」

在《愛的小舟》前，好好先生已經聯同魏如萱、陳珊妮、Ketchup、MLA 等的港台獨立單位推出《黑市音樂合輯2011》（好好先生一曲為〈星期一吃素不吃醋〉，論盡伴侶的呷醋），其他台灣單位如TizzyBac、旺褔則會加入9 月的《呼叫音樂節TaiwanCalling2011》，讓香港樂迷盡情樂在台灣樂中。

呼叫音樂節Taiwan Calling 2011
日期：9 月17 及18 日
時間：下午3 時開始
地點：九龍灣國際展貿中心（KITEC）宴會廳Rotunda 3
單日門票：$380 兩日套票：$680

如果Mr.是太極

2011-06-28T16:51:00.000+08:00

信報財經新聞 P40 | 文化演藝 | 心水推介 | 2011-06-28

記得Mr. 的第二張大碟《If Iam...》推出後，業內人士告知他們是行內實際銷量最高的歌手。說的是沒有內部認購的數量。

如今受歡迎度大概是有增無減，新碟《People Sing for People》上月推出，看見他們在旺角小小的唱片店舉行簽名會，實在是徹頭徹尾的平凡，符合踏入主流樂壇時起名「Mr.」的原意。作為當代香港樂壇最火紅的樂隊，簡直是「地上」最強，原因如他們的音樂般易懂：

一、由曲到詞皆可以一手由成員包辦，而且兩方面都貫徹簡單直接，旋律編曲容易預計，迅速入腦；歌詞主題大眾化，不轉彎抹角，共鳴易生。

二、香港如今是沒有純玩節拍pop rock 的樂隊，這種少年極度需要及容易消化的宣洩及亢奮音樂，Mr.全包起。在這個什麼都講求crossover 的時代，他們大概可以一直專心做流行搖滾，已能穩佔一席。

三、主音Alan 的聲線高音佳、中音準、低音冧，出道靠似陳奕迅一人，當紅靠〈如果我是陳奕迅〉一曲，如今大家聽得出分別，卻仍會喜歡「Eason」唱搖滾的完美快感。

除了這三點外，一直覺得Mr.很有八十年代氣息（說不定也是伯樂譚校長力捧的原因）。Mr. 則在訪問及歌曲中，流露出對Beyond 的鍾愛，可是，就詞曲而言，他們的發展其實更似太極的公式。

這樣比較，或許都是來自一份對八九十年代Band Sound 盛世的情意結。太極出道至解散，除歌詞外，演及唱一手包辦。比較大熱的歌曲都由因葵及潘偉源包辦。朱耀偉在《光輝歲月--香港流行樂隊組合研究84-90》一書裏曾形容太極的詞為「典型控訴」，對城市的不公吶喊。可把重點放在「典型」二字，的確，他們沒有Beyond 的強烈個性或宏大的價值觀，亦沒有達明一派滿溢的詩意或隱喻。

這種普遍性強、容易代入的特性，放諸Mr.亦然。〈2030〉及〈戰禍〉的亂世惡夢、〈禁區〉及〈搖擺〉的音樂青春解脫、〈Crystal〉和〈遇上了〉的簡單愛情故事、〈全人類高歌〉及〈零時起哄〉的熱血嘉年華等等，都是直接及普遍的青春代言。只是Mr.有更殺食的形象，一隻腳在偶像派的範圍，令他們大概比太極更站得住腳。

其次，太極如Mr.在音樂上都是技術型：原創度不高，但演繹能力強。兩者無論是玩自已的歌曲還是別人的歌曲，在live 的空間都是脫穎而出，太極作為他人的打手自然毋庸置疑（Joey Tang、雷有暉等剛剛就在林子祥的演唱會擔任樂手及和音，依舊精準出色），而Mr.的話，就算過他們在芸芸翻唱作品的樂隊中（林敏聰好歌好友音樂會，2009 ），編排及演繹都先聲奪人。

Mr.在耳界大開的年代，或許會被看成重複—不止會出現別人的曲風，連自己的編曲組合也免不了熟口熟面。但一隊樂隊的價值大概也不只在於create，也在於perform。而我們不單需要Mr.，還需要更多Mr.。

《功夫熊貓2》顯Hans Zimmer 功夫

2011-06-24T14:22:00.001+08:00

信報財經新聞 P54 | 文化演藝 | 電影原聲 | 2011-06-21

有說只要你過去二十年都愛看電影，那麼你一定聽過Hans Zimmer 的作品。由早年的Lion King 到Batman 系列，到近年的Inception、Pirates of theC aribbean、Sherlock Holmes 等等，都是他的配樂之作（香港上畫中的荷里活電影，大多都是Zimmer 手筆）。將在香港上映的《功夫熊貓2》亦如是，《功夫熊貓》2008 年上映，算是尊重傳統得來，沒有過度渲染成東方主義色彩。中西觀眾都拍手叫絕，個人成長、可愛動物、奇情功夫、忠於自己等，都是對小孩或大人有益又有趣的主題。音樂方面亦著重中國風，用上大量笛子、古箏等，但效果還是非常「樂團」，編排上仍然西化。今次同樣是Hans Zimmer 及John Powell （Zimmer Studio 的主幹之一，有大量動畫經驗，包括Ice Age、Shre k、How to TrainYour Dragon 及Happy Feet 等）操刀，似乎拿捏得更正宗。

原聲專輯裏，開首的兩曲相映成趣： AncientChina/Story of Shen 是中國傳統樂，初段氣氛神秘，後來轉為〈龍的傳人〉式的精神奕奕，第二曲DumplingWa rrior 則唱反調，兼來個真相揭發，曲風活潑俏皮，非傳統英雄形象的熊貓阿寶出場（還十分適合上武當山的麥兜！）。這張專輯有趣是每一首歌都有包含兩或三種風格，頭半分鐘可以靜態淡淡，後一分鐘可以激蕩沸騰，甚有驚喜。

專輯音域多樣，Chinese 又Funky，時而宏大，時而冷靜。當年Zimmer 為The Last Samurai 配樂，被人以為是出自日本傳統樂人之手，上次的《功》大概只像《花木蘭》的西式中樂曲式，今次就真的徹底地中國化，其中Stealth Mode 最耳目一新，絃樂及敲擊都是徹頭徹尾的中式，不像一般「老外」手筆，與西樂部分亦融匯得順暢。「Stealth」解隱形，甚有忍者或大俠的秘技味道。

不過以Zimmer 這樣的電影歷練，他始終不能擺脫自己的「荷里活」風格（例如友欄月鳥去年寫Inception 的原聲時，便指出其作品免不了充斥罐頭音樂，那大概都是多產人士的通病）。Daddy Issues 就很有Batman 的暗黑神秘感； Ricksha w Chase 似Pirates of Caribbean 的瘋瘋狂狂；Inner Peace 有The Last Samura i 的東方音樂感； Po finds the Truth 中段的刺激就似The Thin Red Line 等任務片種的激蕩。

你可能會嫌某段落熟口熟面，但換個角度看，也能欣賞Zimmer 的廣闊功力，及對不同情節和片種的音樂配選能力（此段提的所有電影都是他的作品，不得不服），這也實是商業創作的極致。

PS 其實我最愛他無心插柳的Simpsons的"Spider Pig" (只是自己在哼的時候, 被監製聽到, 便放進去了.....) .
http://player.youku.com/player.php/sid/XMTQwMDEzMDU2/v.swf

成功男人背後的音樂

2011-06-21T11:17:00.002+08:00

明報 P15 | 歌舞昇平 | 流行館 | 2011-06-19
音樂品味與財力的掛勾，往往在器材上最見明顯。聽Hi-Fi，當然論資格。不用說到《無間道》裏的音響喇叭那麼遠，耳筒都有由幾千蚊到花園街三十蚊貨色，一定有分別——也界定了你的音樂品味。總不會有人通屋Hi-Fi，晚晚用來播Twins 人人彈起。

幾年前，到一個中產才俊的家，音響漂亮得未開聲也發著閃黑光芒。看看架上的CD、DVD，大部分都是李克勤及其演唱會，品味傾向一目了然。立即想推薦黃凱芹的《港樂x 黃凱芹一夜情弦》，卻想起黃凱芹在這方面未夠包裝或經營，這位主人家可能略嫌未足classy。

Class 這方面，要培養。很難一出道就做到一個實力優雅兼備的形象，也不是說摒棄紅館只去文化中心音樂廳開show，就能得到所謂classy 男人的認同。這樣去計算崇尚高格調流行曲分層，不是來自階級白鴿眼，而是來自更實際的市場考慮——中產都會男士對音樂的要求，絕對是值得鑽掘的一片天。

借爵士樂轉型

什麼流行歌手能盛載這種格調？林子祥？張學友？前者於去年推出lamusique，滿足了當年年輕追隨其靚聲、如今榮升都市品味之族的一輩。「George」的英文傳統地好，聲底傳統地靚，老早已登大雅之堂，加上這張專輯的國際級mastering 及名副其實的錄音技術，絕對不是下載或翻版程度能複製出來，有尊貴之味。今年他將這品質進一步深化，不單會推出Lamusique Vintage，remix 另一批自家經典的舊歌，亦追加中樂古箏等典雅器聲，務求以形式擊到一切。他在本周末（18、19 日）也正舉行同名演唱會。至於張學友，也是去年錄製了Private Corner，是其爵士音樂會錄音，因為銷量極佳，唱片公司特意再推出黑膠唱片版本，西裝骨骨的張學友在閃黑的背景下，成為了近年粵語流行樂中爵士樂的歌手代表。

蘇永康改走都會男士形象

說起流行曲爵士，不得不提2000 年出Soul Jazz 一碟的蘇永康。他以爵士曲風玩了自己的著作，別說是真jazz還是假jazz，他更因這一張專輯而得到日本音響品牌ONKYO 的廣告代言。

雖然2002 年有吸毒風波，復出後他更小心地走著都會男士的形象，近年的《擁抱》、So I Say（點題作：《黑色禮服》）等的唱片封套都是西裝骨骨，貼近時代感。今年換了唱片公司後首作《那誰》一曲，出自寫過男士五部曲的黃偉文手筆，傷心都傷得富優雅之風，以男士安慰著另一男士，絕對能想像是摸酒杯吐苦水的Men'sTalk（MV 則用上蘇永康為獨白，梁祖堯飾演，照樣有眼鏡、有紅酒、有西裝，是男士符號還是蘇永康符號？）。可惜音樂上只算易入腦的流行曲風，未算高手。近期還追加卓韻芝典雅女聲旁白版——《那誰沒有下次》，聲音形式玩到毛管直豎。有沒有over 了？那永遠是過度包裝路線要遇的風險。

唱出Hi-Fi 靚聲最重要

去年他與張衞健、梁漢文、許志安合組的The Big Four（四人也正好示範中年男人如何「升呢」，由黃毛頭小子冧倒o靚妹，嘗試轉戰格調男人市場，不過起名就起得太陽春。）發片The Big Hits，封面也同是華麗地「黑裝」骨骨，據說形象設計亦是蘇永康負責，效果未必人人受落，但至少是鮮明形象。其實無論林子祥的Vintage（酒釀之意）及蘇永康的雅仕（禮服西裝）——還有（又來）香港小交響樂團演奏廳2011 的李克勤，到頭來或許都是裝飾，都市男人符徵背後，最重要還是高唱《鴉烏婆》、《失眠》或《紅日》時已達Hi-Fi 質素的靚聲。

追加:
竟然紅左《那誰沒有下次》....其實《那誰》很像粗口...

情歌及情感泛濫的《不再讓你孤單》

2011-06-08T15:26:00.001+08:00

信報財經新聞 P42 | 文化演藝 | 電影原聲 | 2011-06-07

《不再讓你孤單》舊歌不單成為配樂，還能升格做戲名，且帶挈一眾歌手（連導演劉偉強都找余文樂來jam 了，還有何韻詩和陳冠希，詳情可看YouTube）趁機重唱此曲。原唱者陳昇向來都是最佳苦男自傷代言人，在這個要愛情電影重整的潮流，他的歌要成為主要主題曲是必然的事。

此曲在電影中不只是伴奏，還深入帶動劇情。方鎮東（劉燁飾）與前妻因為這曲而一起—女的喜歡男的唱這歌時情深款款，這更顯得後來的分開更悲情。這曲亦成為後來迷倒李佩如（舒淇飾）的關鍵—佩如最後亦因為發現鎮東曾寫下這六個字的便條給她，回到大陸尋愛，決定與他廝守到老。

這兩年中港合拍電影以歌描情的傾向，都甚有八十年代港產片之風格—歌曲多且長，甚至會用上music video 的效果，差不多播完整整一首歌來配合關鍵情節。

《不再讓你孤單》就是近期的極致，除了主題曲如是，另外的插曲《錯過了地址》（王菀之）及《無聲的結他》（張學友，原曲為FantasiaBulan Madu，由馬來西亞樂隊Search 演繹，現版是馮曦妤的新詞，夏韶聲亦唱過另一版本《結他低泣時》）都十分搶耳，絕不單單是配樂。後者在方鎮東被警局辭退離開時，播上足本描繪他與同僚的離別，仿如音樂錄像。

無論是《不再讓你孤單》還是《無聲的吉他》，都以不同的形式充斥著電影，和男主角形影不離。音樂人周博賢曾把配樂分為三類，一是填滿類，二是襯托類，三是強化類。此電影用配樂本為第二類，但因為播放長度以及對劇情深入之程度，變為第一類。當然，這也可以說成呼應劇情情感的需要—因為劇情同是感情泛濫，反映其情之歌曲當然也要吻合。好男人方鎮東的無私奉獻、他和親人╱同事的濃厚人情、佩如的摒棄香港擁抱中華、她的香港親人在映襯下的冷酷，全是誇大的感情體現，不用泛濫歌曲來幫觀眾脫離真實，就叫人難看下去了。

撇開歌曲的用法，歌曲本身選材及質素是值得一讚。陳昇系的歌自然不容置疑。張學友在電影中獻唱亦頗驚艷。另一插曲《錯過了地址》更差點認不出是王菀之—沒有了雞仔聲，只有溫柔的靚聲演繹，這個配合電影的改變，反令王菀之更上一層樓。適逢她也推出專輯Cinema of Love，除收錄此曲，還有廣告歌及兩首英文戲劇主題曲，那又是另一張「原聲」了。

延伸: Youku上有一百萬個〈不再讓你孤單〉版本，最喜歡馮曦妤 x 陳光榮

由吹波糖說起 –Indie的語言定義

2011-06-01T18:00:00.002+08:00

Guardian有個樂迷說: I define an indie band as anyone who sings about "my town", "your town" or "this town". 獨立音樂的一個看法是由小出發，小鎮風情以地域為喻，就是偏離中心或主流。吹波糖是廣州獨立樂隊，歌詞全是廣東話，第一張專輯《青春殘酷物語》是在香港發片。去年推出了《All you need is..》，繼續粵語夾點英文去玩搖滾，甚是港式，他們也與香港較多交流，例如07年就和穗港獨立樂隊合出了《雙城樂記》一碟。

當有樂評人以為新晉樂人創作英文歌是「知其不可而為之」，作為內地樂隊摒起國語擁抱粵語，其實才算是知難而進吧。撇開廣東話歌詞難唱難填 (相比英文及國語應該至少困難一倍，國語四音，粵語九音，英文則隨手都能執廿個押韻)，就是如今神馬也北望神州，唱國語大概能汲納不知多少個歌迷。粵語就是只得一個廣東省及香港，(不用說很多業餘樂隊其實寧願填較易的英文歌詞) 紛紛轉唱國語的香港歌手太概會覺得你太傻。上星期他們又來香港，在蒲吧開了《ALL YOU NEED IS...尋歡作樂》音樂會，看到香港樂迷舉著一或二或三隻手指，舞台前狂呼叫，竟突然想起以後還有多少band 能讓粵語band迷徹底投入。

吹波糖在現場比在專輯更發揮流行搖滾功力，迅速把氣氛抄高，編曲簡、節拍勁。除了玩了兩張專輯的歌，還有新歌〈盛夏〉，呼籲大家在暑假來臨時把握時機拍拖。我第一次聽live版本，尤其喜歡〈愛麗斯夢遊〉、〈陽光燦爛的日子〉及〈秋語〉，有點文學互涉但又是熱血搖滾，內外動人。當然，廣東話是香港樂迷如此投入的一個要素，不單是唱，還有間場的說話，都額外親切。

看內地樂評說「流行搖滾」是在大眾與小眾的邊界，皆因好流行者會嫌嘈吵，好搖滾者又嫌你黏著流行無性格。其實吹波糖有令我想起Mr.，只不過後者找穩了後台，又有形象迷倒眼睛，兩者牽動歌迷都靠簡單及節拍出發，有天或許都成少數粵語流行樂隊之二。流行搖滾是否有天會捨粵語而去，希望我真是想得太多。

Photo: iamjam

新樂配新情《倩女幽魂》

2011-05-24T14:07:00.002+08:00

信報財經新聞 P46 | 文化演藝 | 電影原聲 | 2011-05-24

近年，鮮見港產片如此注重配樂，《倩女幽魂》（2011）上畫之始，不單看到配樂伍樂城隨導演葉偉信的訪問，也有不少關於電影公司向舊版（程小東導演的1987年版本）買回音樂版權的新聞，這大概是因為當年的《倩女幽魂》系列太過銷魂，而音樂的功勞很大。除了張國榮的主題曲〈倩女幽魂〉，還有叫人難以忘懷的插曲〈黎明不要來〉（葉倩文），以及古箏蕭聲並用的伴奏，與電影同樣深刻，叫人墮進鬼魅的空間，亦為古裝鬼片定下了風格。

當年的電影配樂由黃霑及戴樂民負責，與美術指導一樣，為《倩女幽魂》染上別樹一幟的風韻。新的《倩女幽魂》配樂由伍樂城操刀，葉導演甚至指出要求伍樂城在未看電影前寫下歌曲，他再根據歌曲拍戲、剪片。結果新版有沿用舊旋律，如寧采臣及聶小倩相遇及相對的幾場，也是幽幽的舊配樂。至於伍樂城寫的新曲，最明顯是〈還淚〉及〈葉海〉，前者為飾演蛇妖的林鵬所演唱，是電影主題曲，由林夕填詞，用上國語歌詞反映2011 年的港產特性，必須以國內出發，與劇情鬼變妖的改動同出一徹。〈還淚〉在結尾出現，是小倩灰飛煙滅的主題曲，她放棄跟寧采臣遠去，選擇和曾經愛上自己的燕赤霞及老妖的軀殼消滅。若〈還淚〉是女方獲解脫之歌，那麼〈葉海〉就是「男版」的解放曲──歌曲出現在燕赤霞中妖咒之時，他被困在葉海中，同時亦正是小倩與寧采臣纏綿時。鏡頭放映著他逍遙地躺在葉海中，音樂與另一場境的二人呼吸氣促聲重疊（甚有Jane Birkin 和Serge Gainsbourg 的〈Je T'aime...Moi Non Plus〉性感激情）。燕享受著一人的浮沉跌宕，這一幕來自他從掙扎到接受小倩再愛他人，他須獨自承擔二人的記憶，但亦不會因為妒忌而弄醒小倩，這是體悟亦是解脫。這一幕除了音樂貼題，畫面亦非常華麗。

女版的〈還淚〉是失憶新版小倩的伴奏曲，〈葉海〉亦是新燕赤霞的代表。回憶不單教懂小倩燕赤霞的無私犧牲，亦讓她明白人妖殊途的道理，放棄跟寧采臣糾纏下去，此乃新版的主旨。兩首主題曲其實都圍繞燕赤霞與聶小倩，是新版最大的改動，新音樂都刻意用來配新橋段，就是這個意思。最後，〈還淚〉引退，張國榮的〈倩女幽魂〉響起，伴隨字幕「永遠懷念張國榮」徐徐揚聲，舊版回來，新故事依然，哥哥唱的已成為兩個男人一個女人的故事，也竟同是他自己的故事。紅塵裏，美夢有幾多方向；找癡癡夢幻中心愛，路隨人茫茫……新的舊的，同是動人。

我愛《雀斑》盧凱彤

2011-05-11T11:09:00.005+08:00

信報財經新聞 P36 | 文化演藝 | 心水推介 | 2011-05-10

繼首支廣東歌翻唱王菲的〈Summer of Love〉，At 17 的盧凱彤推出首張個人國語EP《雀斑》，也叫人想起王菲重唱過的〈我愛雀斑〉，當時由林敏聰填詞，俏皮但情深，盧凱彤的「雀斑」則是談自己的。整首歌詞委婉地由煩躁轉向平靜，希望隨歌曲懶懶地出現，直到最後浮現：「也許有一天/我不再徬徨也不去計算╱以後的樂觀到底要怎樣去承擔╱風吹雨散剩下我的不安╱你們的太陽照亮我的雀斑」。以最詩意的方式去開始她的個人發展之路，比預期中更具書香氣息。

記得她和二汶在At 17 的第一張大碟，已有一填詞作品〈我愛班房〉，及後由她唱出會考範文作品〈正教育〉（來自Kiss kisskiss，At 17 第二張專輯），足以感受到其「在學」魅力，她當年還是會考學生，學園味濃。對比已大學畢業的二汶，更覺得後來捨棄學業的她不凡──會考後她決定專注音樂，便暫停學業。那時候的她音樂造詣毋庸置疑，大家卻有點擔心她的語文能力。事隔八年，一手包辦詞曲的她，讓樂迷都一洗疑慮──她渾身的才女特質，只有愈來愈成熟。

盧凱彤（Ellen）與林二汶暫時分開發展，At 17 亦與人山人海約滿。林二汶與哥哥一峰合作推出《林一歌林二唱》，演唱會回到一峰的LYFE 旗下，而Ellen 則繼續沿用人山人海的監製班底。《雀斑》是台灣版，香港樂迷要付貴一點的價錢，〈雀斑〉是弦樂和結他和回音並疊的作品，樂器與人聲融合，和歌詞中的「淡」呼應著，在聽者的腦海繾綣不休。

第二曲Thank you 是英文歌，加上童話式的英文歌詞，甚有其一向擅長的英倫感覺。反而第三曲〈等等〉太重台式guitar pop，是EP 裏最平凡的一首。

不熟At 17 的，都記起她是陳奕迅演唱會的結他手，但看來她要走的路除了專業，還是比預計中更富才華氣息。在At 17 裏她多負責和音及樂器，我們除了慶幸她揚棄學業選了At 17，今天還能慶幸她選了獨立發展──她的聲線她的音樂力，實在可以為她走得更前。

別人的歌，誰人風光? 《不是明星N.A.S.》

2011-05-11T10:22:00.001+08:00

信報財經新聞 P42 | 文化演藝 | 心水推介 | 2011-05-03

不翻看資料或許會忘記，余文樂自2002 年差不多年年出碟，但到2005 年便停產，專注電影。事隔六年，他推出《不是明星N.A.S.》，找來近期很hit 的陳奐仁監製，更包辦大部分曲詞。此外，還有兩位實力音樂人──主打〈不是明星〉及歌曲〈默背妳的心碎〉是唯一兩首非陳奐仁手筆的作品。一聽即能分辨——前者是張震嶽的歌詞，除了唱者，一聽就知道是張氏的地痞搖滾。而作為主打，全碟基本上是承接那份地痞小男人心聲的主題去做，除了不是明星，還是男人小情小感：不傷大雅的埋怨、溝女的輕度糾纏、投訴被無理分手等等，陳奐仁為余文樂填詞，都填出苦男的小小心聲。

〈默背妳的心碎〉則完全是周杰倫標誌，包括填詞的方文山作為周董signature 的一部分。相信周杰倫隨手拈來就寫得出，曲風是一般流行曲式，不用聽下句也知道旋律。另外，還有〈給我一杯〉，歇後語當然是「忘情水」，這正是向劉德華〈忘情水〉致敬的作品。意念有趣，在懷舊翻唱潮中較突出，但效果仍是不太相襯，只叫人不斷想起舊曲，新曲難造成深刻印象。

整張專輯於是變為其他人的show room。余文樂今次誠意有嘉，可是怎樣把唱Ｋ化為唱歌，入耳為入心，是他下一步要面對的問題。他要掌握如何唱歌，才能真正由偶像明星變為稱職歌手，〈不是明星〉也要下點工夫。〈男人愛麻煩〉一曲與陳奐仁合唱，很容易就被比下去，反而〈快瘋了〉一曲怪怪雞雞，歌詞刻意走調；以及〈其實我們很熟〉用重結他及和聲，與主音重疊，兩首掩蓋了余文樂本身唱功的不足，都令人留下較深刻的印象。

扮layman 的確不適合余文樂，我們當然佩服他想撕下閃閃明星的衣冠，但當電台訪問談及其專輯，他仍只是說和周杰倫如何熟，如何好朋友，卻難談到音樂的認真或熱誠，顯得力不從心。陳奐仁為他打造的不是明星形象不是不好，而是地痞的余文樂實在不對題。

《單身男女》的超級浪漫主義

2011-04-19T10:31:00.002+08:00

信報財經新聞 P48 | 文化演藝 | 電影原聲 | 2011-04-19

大家看電影後，女的都會想像自己是高圓圓，會如何選擇? 男士則覺得虛假得離譜，像要滿足港女幻想－不，那甚至不是港女，是內地女生，究竟杜琪峰和韋家輝在做什麼了?

浪漫太真太假也好，都不會妨礙女觀眾想像自己的選擇。風流不羈的古天樂，還是細心專一的吳彥祖? 抑或隔空仍傳情的古天樂，還是誤撞但深情的吳彥祖? 喜歡音樂又身為白日夢女的我則想，選唱〈愛很簡單〉的古天樂，還是要走音的〈我願意〉吳彥祖?

沒錯，這兩首流行曲，是二人角力的一重大武器。古天樂隔空錄了高圓圓唱歌跳舞玩辦公室椅，一人單思，看著錄像千多次，才猜得到她在唱〈愛很簡單〉（原唱：陶喆），之後自己在辦公室試一次，不小心給高圓圓撞破。至於吳彥祖，則是隔空自發功唱出〈我願意〉（原唱：王菲），五音不全卻透過電話傳聲，站在三年前古天樂的辦公室，唱給同一位置的高圓圓聽。而兩者對決在求婚的晚上，古天樂以為自己搶先一步，讓餐廳小提琴師奏起〈愛很簡單〉的旋律，怎料黃雀在後，高圓圓含著淚徬徨時，小提琴樂手已把音樂轉回〈我願意〉，原來吳彥祖一早準備求婚。結果，她選了王菲。〈我願意〉。兩首歌同樣情深，那句「忘了是怎麼開始也許就是對你有一種感覺╱忽然間發現自己已深深愛上你」真的很適合劇情，而「哦想你到無法呼吸╱恨不能立即朝你狂奔去╱大聲的告訴你╱我願意為你X3 忘記我姓名」也很適合吳彥祖的心情。歌曲選擇國語，更證明了是博取內地觀眾歡心的嘗試。

同樣是杜韋配，為何沒有了《孤男寡女》的真實詼諧、《瘦身男女》的生動別趣、《我左眼見到鬼》的奇情窩心? 正因為他們執著為內地市場試水。他們不搬字過紙，放棄地道的香港點子，轉加一些新元素。港產片甚至港產文化品向來都較現實，相比內地的更是毫不煽情，於是首先要改變的就是寫實。寫出二男追一女，不，應是超級正之男追求異常平凡之女，用超級浪漫之術鋪天蓋地地充斥故事，而流行曲也正是板斧之一。不要香港細眉細眼的實感，換來如夢如戲的童話，不怕你假，只怕你不夠煽情。用到的歌曲不是畫外音，而是在故事裏實在出現的浪漫工具之一。流行曲有沒有如斯威力，就得看內地票房了。

轉載: jetty专栏:春暖花开亦晴亦雨

2011-04-17T22:13:00.000+08:00

http://gcontent.oeeee.com/a/6f/a6f6b649715373a5/Blog/132/6465b7.html

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版次:GB22 版名:娱乐品鉴乐评稿源:南方都市报 2011-04-16
作者:jetty 原创

(南方都市报 www.nddaily.com SouthernMetropolisDailyMark 南都网)

■ 兼听则明之jetty专栏(南方都市报 www.nddaily.com SouthernMetropolisDailyMark 南都网)

没赶上去年夏天黄韵玲的内地首演，等到今年春暖花开，终于在香港补了回来。

《蓝色啤酒海》开场，串起一首首收音机年代的歌：《有时候懒一点反而好》、《星期六的音乐会》……轻快的暖色调曾经是黄韵玲的招牌，然而，用细腻的室内乐格局玩现场，演唱则成了最薄弱的环节。至于《乐园》、《魔力ESP》这些带有“冒险色彩”的作品，更显得力不从心——— 推开乐园的大门，只见小猫三两只。演唱会间中穿插了和音歌手以及A t17的表演，最叫人惊喜的是梁世韵，她唱出黄韵玲写给蓝又时的《曾经太年轻》，吐字带着韧性，尾音留出余味，一曲听罢，恨不得马上抓她去棚里录音。也有人模仿刘德华和费玉清，或者用生疏的粤语合唱《天龙八部》。本该出现在电视里的近场表演，放到可容三千人的汇星，想搞气氛却来不及响应，反倒落得几分飘零。正如林纶诗 (http://3cmusic.com/home/?p=8080) 所言，更像是一晚歌迷会。

下半场是新歌时间，《关于爱的两三事》还是吃力，然而，当《素描》的M V投射到大屏幕，气氛却陡然一转：“都会过去，慢慢忘记”，八个字，八个音，拓宽了怀念的视野。《岸边》原本是钢琴与大提琴的对话，才唱了一段，大提琴就失了声。黄韵玲索性把双手从琴键移开，任由延音低鸣。《Arthur》带着一点舞步，却不必迈得太方正，屏幕上当然也要投射出爱子的照片。唱到《出发》，画面切换到香港的浮光掠影，和盘托出曲目编排的意图：“真的要把过去放在角落”。

安可之后，黄韵玲走到台下，这里已经布置出一个小舞台，观众并不急着赶路，纷纷聚到跟前。黄韵玲笑言，这才像是在客厅唱歌给朋友听。1-2-3-4-5，几个音阶顺势弹出，就引发了一阵欢呼——— 要唱的正是代表作《喜欢你现在的样子》。

黄韵玲不无感动地说，新唱片《美好岁月》在香港卖得比别的地方都好。可她未必知道，其中究竟有多少是内地乐迷曲线购入。在钟兴民的引导下，黄韵玲用饱满的音符摊开积压多时的情绪，在唱片的制作过程中找到“活过来的感觉”。每次现场演唱都是重新审视的机会，正如嘉宾杨千女华翻唱的《心动》，不带一丝遗憾，是一种理直气壮的回望。

黃韻玲和香港的二三事

2011-04-17T10:37:00.003+08:00

明報 P15 | 歌舞昇平 | By 林綸詩 2011-04-17

《黃韻玲春暖花開在香港》唯一的小小宣傳，就是吹風說陳奕迅或楊千嬅，甚至林憶蓮會來當嘉賓。結果只有笑說來報恩兼宣傳的楊千嬅出現。楊千嬅第一張國語專輯《微笑》（1999）黃韻玲有份參與製作，如今私下送上的新國語專輯《Ready or Not》（2011）同樣大部分在台製作，雖然黃韻玲這趟沒有監製，卻仍是千嬅心中的金牌製作人。台灣從來都不只是音樂深造本營，也是製作「升呢」基地，香港歌手渡個小洋，回來就捎著不一樣的專輯海歸。

作為創作人
千嬅唱了心動到不能的《心動》，水準比平時還好，可參看YouTube，關鍵詞：「心動/ 楊千嬅」。《心動》相信亦是黃韻玲作品中，最深得香港人心的歌曲，原唱為林曉培。黃韻玲一向多為人寫曲，其中不乏香港歌手：林憶蓮有《飛的理由》、古巨基有《我是你的》等等。此創作人如假包換，例如她在演唱會中可以用四首歌的時間，安坐鋼琴後，讓和音站出來做主角，演繹她作予他人的歌曲。當然，這些和音也不是泛泛之輩，金牌和唱團其中也多是音樂人：將為蘇永康創作新曲的古皓唱《咖啡》（張學友），阿達唱《我很醜可是我很溫柔》（趙傳），美樂蒂唱了《曾經太年輕》（藍又時），以及林俊逸唱《你是我唯一的執著》（言承旭），是黃的作品巡禮。四位和唱渾聲是勁，個個都有做幕前的功架，要聽其風格可選黃2009 年推出的《在我們之間的事》EP，三首都是和以上三位男士合唱的歌曲。

作為唱作人
《在我們之間的事》中的《你是唯一》，本由阿達演繹，今次演出換來女聲At 17 合唱，調皮得很，像女生派對（YouTube 關鍵詞：「你是唯一/at 17/黃韻玲」）。緊接EP 的一年，她去年推出《美好歲月》專輯，這次在香港的演唱會，她說多謝樂迷，原來此專輯在兩岸三地中，香港銷售竟是最高。不知是否與主打《樂園》和陳奕迅合唱有關，多多少少也拉高專輯的吸引力。而我們也別再看不起咱們的音樂消費動力。《樂園》是快歌，有別這位BossaNova 天后一貫的風格，可惜打做得太搶太似廣告曲，突顯不了陳奕迅與黃韻玲的聲線，二人唱慢歌該會擦出更微亮動人的火花。

新專輯的曲目放在演唱會中後段，富北歐風情的《關於愛的二三事》、最體現到黃韻玲近年韻味的《素描》、充滿音樂符號的自白曲《憧憬》、鋼琴與大提琴絕配的《岸邊》及主題作《美好歲月》，如專輯般一樣盡用樂器，在大碟裏亦已有標明四位皇玲玲牌和音的身影。演場效果更是大開耳界，團隊力深厚。

作為愛港人
有一種演唱會或歌手，聽完後會加分，回家再聽其專輯，又會再加分。黃韻玲2011 在香港，有這樣的效果。她真人盞鬼，與四位和音稔熟，五個人自得其樂，不只唱還跳，還要跳得整齊，還有五位專業樂手，音樂和氣氛皆出色，為歌曲錦上添花。五人玩《萬水千山縱橫》，出聲效，出不鹹不淡的廣東話，看得香港人樂透。她說該劇《天龍八部》劇集在台灣大紅，八時正連馬路的車都停下來，全民一起唱一起迷。歡笑歌聲中香港與台灣如此親近。

音樂上，我們一向媚台，因為實力從來懸殊，如今內地音樂類型及質素，更足以讓我們甚至「媚內」。但當黃韻玲眼濕濕地多謝香港對她新唱片《美好歲月》的支持，然後「萬水千山」總是情之後，還選播出與羅文及鍾鎮濤等香港樂人的合照，以及香港舊城新城的照片，壓軸更以Beyond 的《海闊天空》作結，她可是何等真心和我們拉上關係！這大概也是一晚過後，令大家更喜歡她的原因。她站在香港台上，表達了對香港的真摯和信任——從寄願At 17音樂仕途亦可見。面對香港樂壇或文化產業，或許我們也應該如此。

林一峰樹上開花

2011-04-12T15:59:00.002+08:00

信報財經新聞 P52 | 文化演藝 | 心水推介 | 2011-04-12

自Travelogue系列之後，一直覺得林一峰是「專案人」。有概念、有主題之作品，都更完整及出色。今次香港藝術節的《花訣》專案，更證明了這一點─黃馨在訪問中也說，這次最吸引她的是，因為做的不是一堆歌，而是一個project 。這正正也是一峰的特技。

早前電台訪問他，DJ 們艷羨地說，林一峰成藝術家了，又獲委約在藝術節演出。雖然一峰立刻澄清其實也只是第二次（上一次為2004 年和thepancakes 及ke tchup 的《1.2.3 到你！音樂會》），但聽眾何不同有此感覺？由出道至今，林一峰雖然獨立味濃─不僅是音樂取態上，還有是個人一腳踢詞曲包辦的能力─但他與人合拍開花綻放的能量，卻從來鮮明。出道是和茜利妹及少爺占合組3P，音樂劇上則與W 創作社每兩年一次，固定籌劃音樂劇，其中《一期一會》（2007）是近年翻唱的經典，裏面的〈櫻花訣〉更是《花訣》的靈感來源。

是次專輯比舞台好讀，手執歌詞反覆翻聽，會更易領悟到林一峰的心思。《花訣》是夥拍藝術家黃馨之作，有點老歌味，正襯一峰專長的民歌感。黃馨曾多次推專輯，近年則埋頭視覺藝術及其畫廊，去年發行了EP《犬之歌》，今次獲一峰邀請，一起製作專輯及演出。專輯最突出是歌詞，全部三字起名，典故為基，古詩作詞，且極富舞台感，每一朵出現的花都代表著不同的歷史或情感意義。〈桂花釀〉的細意交融、〈春花祭〉的華麗出軌、〈風信子〉（春、秋）的重複歷史……字字都是致敬，想看註解網上有詳細研究，可見一峰今次的文學藝術性做得成功。而黃馨的聲線更把一峰間歇性老土的味道過濾，比一峰的獨唱更出色，亦更能盛載古典詩詞。

去年的《林一歌林二唱》，同樣有此驚喜。一峰夥拍妹妹二妹重玩自己的作品─不單是自己的，也有自己寫給別人的，像找他人重整自傳一樣，和《花訣》般同是噱頭及新意並重之作，亦另一證明反映一峰的專案能力。

One man band 是很難的，林一峰由出道開始，最吸引的是城市旅人的主題。他賣的不只是音樂人，而是城市旅人的態度，對扎根香港的小生活，或是旅居外地的小發現，是每個香港人珍惜且渴望的。但一人的城市故事總有盡頭，當所有trav el 都「log」畢，便要尋找別的可能性，不只在音樂上，還在策劃上。例如他自創的LYFE 品牌（LamYat Fung Entertainment Ltd）就由2006 年起，多次舉辦音樂會：野仔，還有農夫、My LittleAirport、陳奐仁等，還有最令人興奮該數去年8 月的《張懸．城市．Live》。一峰，可以做的還有更多城市專案吧。

潘源良與林憶蓮的花田配

2011-04-06T11:08:00.001+08:00

繼1986 年的《戀愛季節》，潘源良再度導演電影，拍了《出軌的女人》。雖然是發生在二十一世紀，但仍無減其八十年代氣息—夏文汐與吳家麗、的士高般的夜總會，用著那個懷舊般的港產片形式，可惜卻少了神韻，故事像其中的女人般，有著外殼卻沒有神韻。幸好，有第五個女人出場。

當觀眾都在等閉幕時，伴奏響起久別重逢林憶蓮的歌聲──新歌〈兩心花〉，令人精神一振。歌詞由潘源良所填，貫徹其八十年代味，「如流水歸滄海從雲端再下來╱循環中添姿彩花萎花再開╱這心雖死竟有他心的愛」，是只有林憶蓮才能化娘味為韻味。一首歌，卻能為平平無奇的結局添上女人的細膩，為全戲平庸的對白加碼成為深情的女人獨白，都是林憶蓮之功勞。

記得《戀愛季節》裏， Kiss me goodbye（黃耀明）一曲亦有此壓尾效果。故事平淡但動人，純情的一對愛侶，配上淡淡的Kiss megoodbye，卻成為心動的印證，令重燃愛火來得自然真情。此曲同為潘源良填詞，與〈兩心花〉一樣，都是潘源良給自己電影的最好禮物。

近年港產片除了喜劇外，大多穿插其中的歌曲都像為演員plug 歌，前者多為鄭中基包辦，後者多是愛情片，但均沒有八九十年代那種「港產片歌合一」的感覺，（去年廿四味的〈人多勢眾〉為《飛砂風中轉》則是例外，堪算近代奇葩，但也是傳承至九十年代蠱惑仔風潮）。我們多懷念及〈天若有情〉（袁鳳英，《天若有情》1990）、〈追〉（張國榮，《金枝玉葉》1994）的效果！

除了〈兩心花〉之外，《出軌的女人》還有另一讓人會心微笑的懷舊位─全班女人在鴨店唱林憶蓮的〈放縱〉。是的，也是林憶蓮。〈放縱〉不但讓電影裏的女人樂透，也令觀眾喜極而唱，一同哼著。

不知是林憶蓮幫了潘源良，還是潘源良幫了林憶蓮，林憶蓮在今年內會推出大碟，曲目已經公布。於是，電影是除了為她打響頭炮，也收錄了另一曲〈閉上了流淚眼〉作插曲。加上主題曲〈兩心花〉，和兩首歌分別的國粵兩個版本，已構成林憶蓮新專輯中的四首，粵語版都是出自潘源良的手筆。他們二人的相輔相成，就如電影和歌曲般，而論八十年代氣息，我們亦更期待林憶蓮的專輯了。

張震嶽《兩手空空》年輕的矛盾

2011-03-30T13:56:00.006+08:00

張震嶽，總是能把矛盾融和得出神入化的樂人。搖滾的音樂用說話的方式來唱，型格旋律卻是配上溫柔的歌詞，粗獷的他也總是做著愛情裏的小男人角色經過四年，自【OK】一專輯及和縱貫線穿州過省的巡迴（還有他們的創作），張雲嶽回來了，推出《兩手空空》EP，依然還是那年輕十足的小伙子。

在縱貫線裏，他一向是年輕代表─作用不只是出於市場考慮，以擴闊觀眾層，甚至在歌詞表達以至四人對話，也是作為年青聲音。記得在第二場的香港巡迴演唱會裏，他和老一輩的老滄桑歌曲裏，就唱了自己的作品《喝酒》來安慰這班大叔，形成青春有力的證明，而這份傻勁在回到個人單位時，依然鮮明。

〈OK 2010〉與2007 年的〈OK〉是完全不同的，只是歌名與他一向的作風一樣貫徹陽春直接。張震嶽在這張EP 裏雖然只有五首歌，但風格分配得很平均。〈OK 2010〉就是他的喜劇細胞的代表，以考試比喻愛情，卻毫不刻板，「做人就誠實很基本但是我看那女孩╱臉上油漆一層層╱男生也好不到哪裏去╱尿尿就是要滴出馬桶外」，絕不讓開過同樣玩笑的黃子華比下去（相信熱愛音樂的黃生更會為此而羡慕）。主題曲〈兩手空空〉是撒野，埋怨得來卻是面對現實，用了upbeat 的電音處理效果，又成另一矛盾之作─節拍音樂卻是配最頹廢的歌詞。接著三首歌調子轉慢：〈我想要的感覺〉充滿個人無力獨白，最後化為大合唱；〈有一天〉更慢更靜，樂器愈來愈少，講身處兩方兩面的戀人（絕對是現代戀愛形式的貼切配樂，可為新海誠的短篇動畫《星之聲》的專題曲--相隔8.7 光年的戀人如何用短訊維繫），是張震嶽的拿手情深之作；〈Blues〉是張震嶽一向鍾情、偶爾嘗試的淡淡藍調風格。他就在演唱場合中試過演繹自己作版的藍調版（例如〈再見〉），〈Blues〉則用力一點，音樂上不是慣常的他，但歌詞依然是那頑皮的男生，「脆弱的靈魂╱我們是人學不乖的人」。我們期待他更圓滿的專輯，今年內也會推出。

轉: 詞話詩說：囍宴樂隊

2011-03-29T09:50:00.009+08:00

http://paper.wenweipo.com/2011/03/29/OT1103290009.htm
梁偉詩文匯報 29/03/2011 　

RubberBand在2011年1月1日，商業電台的叱咤樂壇流行榜頒獎台上大豐收，獲得樂隊獎項並憑〈Simple Love Song〉奪「至尊歌曲」大獎。RubberBand在台上不忘感激為他們填詞的女詞人呂甜（Tim Lui），認為她才是「全男班」樂隊的靈魂人物。與RubberBand一同於2008年出道的呂甜，是香港詞壇中的「稀有動物」──樂隊女詞人。林綸詩在〈○九年度歌詞廿一世紀詞人〉一文中，曾謂呂甜的詞往往在悲劇中滲有簡單的快樂，有著一種「灰中帶光」的人生觀。

的確如此，硬朗中觸覺細緻的呂甜，不但激發RubberBand溫柔爽朗並置的男子樂隊風格，同時亦為「女詞人」的隊伍加入多元詞風。2008年9月，RubberBand發表第一張大碟《Apollo 18》，呂甜包辦了大部分填詞工作，作品包括〈零度聖誕〉、〈小涼伴〉、〈一早地下鐵〉、〈遊車河〉、〈夜不眠〉、〈潛〉、〈Secret〉、〈Tears〉。其中〈小涼伴〉書寫了探索溫室效應全球暖化的獨特題材。2009年，呂甜與6號填詞的〈天台飛人〉，更由一個人跳樓輕生的場面和跳樓的種種原因談起，並寫出如何努力生存下去的共勉之歌。

2010年《Connected》大碟的〈Simple Love Song〉平白如話，相對來說，我倒以為同一大碟的〈囍宴樂隊〉才是呂甜的「本色之作」，當中描繪了婚宴的種種排場，也思考了婚姻的本質。〈囍宴樂隊〉可謂是繼林海峰〈經典〉後，另一首反思「婚宴」的歌曲── 「場地侍應生努力打掃鮮花佈置傳來幸福味道純熟地奏木結他拆下鼓套剛綵排完嘉賓也趕到新婚的臉帶笑擁緊了邊訴說著各樣美的夢台上吻父母台下醉酒失控伴奏的畫面有過無數種我早都懂每一次合上眼放聲唱著的歌讓氣氛美滿浪漫到想起你我送花數萬千朵發光鑽石一顆誰或花得起高級貨能貧賤共享麼」

呂甜善於用正面寫負面。〈囍宴樂隊〉藉在婚宴演出的樂隊之眼，冷眼旁觀了婚宴的細節、乏味慣例和種種怪現狀，包括雅緻場地、悠揚樂韻、新人致辭、親吻父母、播放片段、賓客醉酒失控等等都照顧周到。可是呂甜的思考更深刻，從看盡千帆的囍宴樂隊眼中，由於唱過了無數囍宴，反而撥開迷霧，想到「誰或花得起高級貨能貧賤共享麼」的核心問題。令人不禁想起，世上最轟動的婚禮，莫過於上世紀八十年代全球衛星轉播英國查理斯王子和戴安娜王妃的童話婚禮，然而，王子和公主的結局大家都再清楚不過。那麼，〈囍宴樂隊〉的暗示其實相當合理，新人們要的究竟是一場婚宴抑或一段婚姻？　「有天我合上眼放聲唱著這歌讓我請每個在坐見證祝福你我有星宿萬千顆哪需放著煙火常夢想海邊某個夜等一刻聽你說願屬我唱過幾多的晚上見證幾多愛分享逐日聲嘶都儲起成就你我所想每一次合上眼放聲唱著的歌讓氣氛美滿浪漫到想起你我送花數萬千朵發光鑽石一顆誰或花得起高級貨能貧賤共享麼……」

〈囍宴樂隊〉從冷眼看世情歸結到自身的感情世界，尖刻又不失有趣。呂甜寫〈囍宴樂隊〉的聰明之處，恰恰在於找到了最佳角度談論婚宴怪現狀。試想職業性婚退樂隊，究竟會對世俗婚宴有哪種程度的審美疲勞。在不斷重複、流水作業的職業的生涯中，麻木之餘會否也暗羨別人得到「幸福」？〈囍宴樂隊〉最後回到囍宴樂隊隊員渴望與愛侶長相廝守的心意，溫暖窩心。因此，〈囍宴樂隊〉還是延續呂甜的詞風──「灰中有光」。在香港流行歌詞史上，八十年的香港樂隊潮流，曾經造就了林夕、劉卓輝、陳少琪、周耀輝等重量級詞人。時至今日，出身於八十年代的樂隊詞人依然綻放光芒。近年，香港樂隊似有復興重來之勢，詞人作為樂隊的靈魂，自然成為受注目的對象。在眾多新樂隊新詞人中，呂甜挾「樂隊女詞人」的罕有位置，為剛陽味濃重的RubberBand帶來輕靈清爽的氣息，又不忘思考社會種種，成就了「剛柔並濟」的獨特男子樂隊風格，也為「女詞人」帶來更多可能性。

〈囍宴樂隊〉
作曲：藝琛@RubberBand
填詞：Tim Lui
主唱： RubberBand

場地侍應生努力打掃
鮮花佈置傳來幸福味道
純熟地奏木結他拆下鼓套
剛綵排完嘉賓也趕到
新婚的臉帶笑擁緊了
邊訴說著各樣美的夢
台上吻父母台下醉酒失控
伴奏的畫面有過無數種我早都懂
每一次合上眼放聲唱著的歌
讓氣氛美滿浪漫到想起你我
送花數萬千朵發光鑽石一顆
誰或花得起高級貨能貧賤共享麼
有天我合上眼放聲唱著的歌
讓我請每個在坐見證祝福你我
有星數萬千顆哪需放著煙火
常夢想海邊某個夜等一刻聽你說願屬我
誰還未照相吃甚麼菜
相識這片段能看到未來
看從外地到訪貴賓繼續發呆
聽不明但歌聲帶出愛
每一次合上眼放聲唱著的歌
讓氣氛美滿浪漫到想起你我
送花數萬千朵發光鑽石一顆
誰或花得起高級貨能貧賤共享麼
有天我合上眼放聲唱著這歌
讓我請每個在坐見證祝福你我
有星宿萬千顆哪需放著煙火
常夢想海邊某個夜等一刻聽你說願屬我
唱過幾多的晚上見證幾多愛分享
逐日聲嘶都儲起成就你我所想

麥浚龍作為音樂實驗

2011-03-02T16:08:00.002+08:00

實驗的假設是，有資源，無壓力，是否好音樂的泉源？打從〈雌雄同體〉起，麥浚龍在好壞參半的評價中實驗著。歌、詞、設計、MV，無一不是精英操刀。由歌曲至大小碟，再至作為歌手角色的主題，《無念》一碟正是麥浚龍實驗的另一個「驚蟄」。
不好看其實比有財勢大罪。只要把麥浚龍和陳冠希相比就一清二楚。二人一樣出身富裕，有音樂理想，有潮流品牌，但從頭到尾，大家對二人的焦點都不一樣。

在香港，大家對「明星」的看法是，先生，請照照鏡。

沒有明星料子（即靚仔），有什麼搭夠? 看不起廣東歌的人，常執著一條大罪—大部分歌手都不是自己作曲的，創作與演繹理念割裂，不聽也罷。這是偏激，卻提供一個有趣的角度。放諸麥浚龍身上，是若他請來最好的創作人，自己做好本分，能否得到普遍認同？要怎樣的歌手才配得起某程度的歌曲？這是他作為歌手最具意義的實驗。就如他一擲千金地在HMV 買碟，能否也買來音樂素養一樣。答案呼之欲出，因為我們身為樂迷，品味何不也是從「買」得來的？流行文化，就是透過金錢交易支持的事情。

實驗1：Canto-pop X Cult
事實上，無論大家眼紅還是欣賞，我們也不得不承認，香港樂壇愈來愈需要他。作為實驗載體，他的存在更顯得其餘地方的窘迫、市場的狹隘。你敢說，陳奕迅會不羡慕他嗎？
今年1 月，麥浚龍的《無念》搶閘出世。這張EP 歌詞和態度依舊出眾，但更重要是音樂的的確確更上一層樓。壓尾曲〈無念〉找來人山人海的蔡德才，更讓人聽出近似黃耀明的味道。此也歸功於作曲人陳珊妮的神來之筆，把麥浚龍推向另一境界。那像不屬於華語樂壇的旋律和編曲，對香港而言更像太空音樂。

若那偏鋒的電音，加上禪味的唱腔，合成為宇宙新音樂的話，那太空就是所謂的天國或者化境了。先不談歌詞，只去說音樂的話，追溯到初期的麥浚龍，雖說標榜學過唱歌跳舞，但作品不是舞曲還要是k 情歌，平平穩穩只是偶有佳作。試了三隻碟，2005 年的Otherside開始有意識要走有特色的路，〈雌雄同體〉叫好叫座，說回頭那種沉厚的聲音，甚有陳珊妮的影子。
開始不用流行樂，注入的是trip pop、爵士、ballad，又或是無以名狀的類型，旋律穩陣，編曲大膽，是麥浚龍歌曲的感覺。另外，就是和聲或合唱的應用，低沉卻重疊的人聲教人毛骨悚然，這當然亦來自其闊綽的邀請－不限製作人士，還有幕前獻唱的軟硬（林民龍）、林海峰（成魔之路）、何韻詩（第三身）、倫永亮（寫得太多）等等（還有今次Jerald 也來和唱的〈彳亍〉），尤其是男聲二三重唱，豐富了整體音樂感。

近年麥浚龍更多時候放在拍戲，《復仇者之死》盡顯其cult 感，與他潮流及音樂的形象一脈相承。其中mv 及封套設計一向也有邪典味，這條路他是要更貫徹地走下去。

實驗2：主題歌手
現在一聽Juno，都離不開他的暗黑感。之前說他近乎黃耀明的感覺，除了是音樂突破的代形容詞，也是來自其對黑暗面及曖昧性的繼承。當黃耀明逐漸撇脫末世感覺，轉為多元關懷，麥浚龍則把自己定位為貫徹陰暗主題的歌手。無論是成魔還是成仙，他反覆誦唱的是對陰暗及化境的追逐，摸索著人生價值的緩衝地帶。

曖昧性由〈雌雄同體〉開始，三年後處心積慮推出《Chapel Of Dawn》專輯，把陰陽二元雙角色放大來玩。之後無論是型格情歌較重的《Words of Silence》，還是比喻意象密集的《Why》，出世俗世對立的《天生地夢》，至前世今世連貫性極強的《無念》，不知是麥浚龍自己，還是大家要集體把主題套在他身上，看來是輪迴多少張專輯也不會再改變的事情。

實驗3：詞人的實驗室
把麥浚龍塑造成如此鮮明的，除了是暗流般的編曲、聲線外，最明顯的功勞當然是詞人。而看麥浚龍把正邪玩味的Chapel of Dawn全碟交予黃偉文，以《天生地夢》的內頁大大兩個名字向林夕和周耀輝致敬，足知麥浚龍也明白自己的血路是何人殺出來。

坊間常說這三大香港詞人對麥浚龍太好，或曰為他寫太有墨水，但換過角度看，麥浚龍何不是三人的實驗遊樂園？《Chapel of Dawn》肯定寫得黃偉文自己也拍手叫絕，頑皮手法寫正邪，任他遊走於九首；另外，林夕走火入魔地寫放低執著，亦是何人也受不到的曖昧。

這方面，周耀輝更是明顯。他把對漢字的玩味盡地一鋪，每次必試在麥氏專輯，《Words of Silence》的〈也〉、Why 的〈歪〉、《無念》的〈也〉，將中文字詞配對（把也放在不同詞語的前後）、戲耍食音（why、歪、乖……）、拆卸重建（彳亍，音「斥速」，卻解慢行），毫無保留在麥浚龍身上反覆試驗。

也就是大家有了御用實驗場地，令他們愈玩愈火。有時候當然過火。不說歌詞難明難背，就說重複，不同人都會有重複的傾向，重複其他麥浚龍作品，以至重複自己為他填的作品都有，以問題句式或詞彙（超生、靈魂、病態、熄燈……）重覆，以金剛圈把他和抽離「無」身份的角色與麥死綁。

詞人亦自知是把價值觀喃喃誦予聽者，超脫抽離卻洗濯人腦。然而，這一切卻合乎實驗精神，測試著樂迷的底線。不過對這一團隊來說，最大的挑戰不在於樂迷的接受能力，而是反複的主題能否繼續鑽下去？畢竟麥浚龍也是人，唱過滿天神佛，做過魔鬼怪物，去過樂土，浸過塵世，還是有極限，出世入世後，奇人還可走到何處，是樂迷下一步最關心及期待的。

轉: 搜狐音乐独家对话香港资深乐评人：有乱亦有变

2011-02-22T22:15:00.000+08:00

http://music.yule.sohu.com/20110216/n279371626.shtml
搜狐音乐讯农历新年过去之后，又迎来了新的一轮歌手发片潮。历经去年四台颁奖的混乱之举，港乐越发食之无味，本土歌手纷纷北上发展，香港乐坛是否将走上一条不归路？搜狐音乐独家对话香港资深乐评人，就港乐的发展提出了不同的看法。

　　林纶诗　　文化研究人，专栏作家，于香港多家报章撰写乐评，近期代表作有《聚散有时-2010香港乐坛重整及重现》

　　搜狐音乐：从09年的版权争论到10年的四台颁奖礼缩水、金牌大风易主，香港乐坛进入一个无比混乱的局面。您认为导致这钟混乱的主要原因是什么？

林纶诗：09年的版权争议其实是很好的抗命，艺人中带头的谢安琪一向是保育/社会关注先驱。她们一方的由杯葛无线到bma开卡拉ok，看得乐迷挺爽。10年乐坛的凌乱或闷气或缩水，是预期内的事，也是复活前必经的。香港乐坛旺了那么多年，十年前开始越来越干涸，业界的人被迫得紧，有些人会造反，有些人会累而退下，也属自然循环。

　　搜狐音乐：今年的这些变动，您认为将会给香港乐坛带来哪些影响？如何才能结束混乱的局面？

林纶诗：其实我挺乐观，搞乱档口才能立新世界。年初Red MR（bma旗下卡拉ok) 又公布会旧歌新唱，走法律罅，越窘迫的空间才越挤得出创意。横竖之前也说不上是景气，变动中还反而可以看出不同音乐人的骨风 - 那是音乐人很重要的素质! 且混乱不停，歌手就要多靠自己，自然会衍生出更多机会及佳绩。

林纶诗：只要能平衡到两方势力，即使没有妥协，各有各做，混乱也会有天停止。没有一个郑东汉，还有罗杰承。香港乐坛不会死的，始终会有人为其冒险，因为依旧在听或倚赖广东歌的乐迷还大有人在，广东歌的特色还是很难被取代。

　　搜狐音乐：如果现在算做香港音乐的“冰冻时期”，那么您在这个时期看到港乐“最好的事情”有什么？

林纶诗：改革带动新意，不论是歌曲主题 (歌词)，或是歌手单位组成，都有更多新意。在冰冻时期，自然有更多出位的演绎，这令音乐创作和表演者都踏前多一步。陈奕迅在2010里就很鬼马，恶搞的歌曲不少；Rubberband、Kolor、C All Star组合的歌词也是清泉，有望能及得上八十年代乐队风潮的另类词风；希望其它人受濡染也会求变改进。

轉: 香港乐坛这十年

2011-02-22T16:35:00.005+08:00

http://music.yule.sohu.com/20110216/n279368835_1.shtml

文/邮差

01-05年：承前启后、继往开来
　　香港乐坛自进入新世纪以来一直都被诟病为青黄不接，市道萎靡，每年都在嚷着要救市。尤其是到了SARS肆虐，巨星陨落，甚至多位创作人离开的03-04年，更一度坠至谷底。
2005年何韵诗《梁祝下世传奇》，成为本世纪香港主流乐坛在性政治题材上的最大突破
幸亏，以陈奕迅复出的《U87》为标记，一个短暂复兴的阶段到来了。转会环球的EASON重获新生,以成熟男人形象出现的这张大碟同时赢尽口碑和销量,更入选《时代》周刊亚洲五大。而他的成功也使业内深受鼓舞——原来一张做非情歌和成人情歌题材，不做K歌做内涵的专辑也是可以有市场的！更令人鼓舞的是这年的新人辈出：从主流大众的新宠侧田、卫兰、邓丽欣到个性分明的唱作人王菀之、方大同、冯颕琪、应昌佑……香港乐坛一时间不仅一扫偶像当道的颓气，甚至连音乐类型及题材也开始多元起来了，这年的新人里出现了玩电子的Pixel Toy、玩摇滚的Soler，还有矢志“歌以咏时”的谢安琪！
香港乐评人冯礼慈认为，港乐从2005年开始就出现反弹，这“反弹”并非指市场，而是音乐的质素。但市场本身也从这年开始转往多元化的取向，这一年在粤语唱片里除了《U87》，还出现了方大同的《Soul Boy》，香港音乐史上第一张完整纯种骚灵碟；卢巧音的《天演论》，一张题材宏大思想深度超前的经典；李克勤的《演奏厅》，首张把HIFI和LIVE结合到主流原创流行曲里的大碟；甚至还有像林忆莲、林海峰、达明一派这些老而弥坚的宿将新砖……此外还不能不提何韵诗，一年内出了《艳光四射》和《梁祝下世传奇》两张给力大碟，尤其是后者，和同名音乐剧一起，成为这世纪以来香港主流乐坛在性政治题材上的最大突破。

06-08年：持续上升，改朝换代
　　2005年成为了粤语乐坛在本世纪的一大拐点。也是从那时开始，各大唱片公司，包括最商业化的英皇与EMI-金牌，也都注重起唱片质素与歌手实力等因素。唱片概念化、题材成熟化及歌手现场化，也都成为了此后几年的趋势。及至2006年，主流歌手如刘德华、古巨基、李克勤、许志安、杨千嬅、梁咏琪都在出人生碟唱社会歌，此前提及的05出道那一代新人如今更是心口挂个勇字越唱越强，继一年内光速杀入红馆的侧田及卫兰率先晋身年终颁奖礼男女歌手三甲后，05一代中更出现了方大同和谢安琪两位新天王、天后。前者在06-08年这段时间里先后创作了《爱爱爱》《未来》《橙月》三张足以傲视金曲奖的高质量大碟，最终加冕最年轻的叱咤男歌手金奖得主；而后者先是在06年凭植根社会民生题材的的《KSUS2》赢下“全城唱好谢安琪”赞誉及华语音乐传媒大奖的最佳女歌手头衔，产子复出后再以一首《喜帖街》唱遍整个2008年，成为有史以来最快拿下“四台联颁传媒大奖”最高荣誉的歌手之一。而与他们一起差不多时期出道，当年同被誉为“唱作六小强”的王菀之、张敬轩、农夫等也先后成为四大颁奖礼上的得奖常客——可以说，这一时期，05后新生代由“小众”逐渐走向主流，08年横扫四台颁奖礼，完成香港乐坛的改朝换代已成趋势；并且该时期的粤语作品分众化愈加明确，既注重歌以载道及成人情歌、非K歌的传播，而“非情歌”“哲理歌”也开始渐受大众追捧。

谢安琪凭借《喜帖街》拿下“四台联颁传媒大奖”最高荣誉
　　对于前一方面，一个可资参考的实证是，在05年-09年这段时间里，港乐最HIT的年度歌曲，从05年EASON的《浮夸》、06年基仔的《爱得太迟》、06-07EASON的《富士山下》，到07年轩仔的《酷爱》、08年KAY的《喜帖街》、09年MR.的《如果我是陈奕迅》……基本完成换代。而对于后一方面，唱SOUL/R&B的方大同、张敬轩、GEM，唱HIP-HOP的陈冠希、农夫，从文艺范一直玩到爵士范的王菀之，从爵士玩到非洲音乐的RUBBER BAND，玩POP ROCK的MR.甚至还有尝试暗黑TRIP-POP的麦浚龙，在曲风上已经抛离了本世纪前五年的那些传统K歌一大截身位；而谢安琪的《喜帖街》则把林夕黄伟文周博贤等诸位粤语词人一直致力于的“非情歌”运动推至高潮。用香港乐评人李重言的话来说，就是“他們的方向，正是香港歌壇“從狹隘拐回多元”、製作“精致化”的代表。”

09-10年：逐渐回落、混乱升级
　　“高峰的快感，霎那失陷”正当新一代歌手逐渐上位同时，剧变开始在09年降临。先是四大国际唱片脱离IFPI另组的HKRIA，因为和全港最大电视台TVB的版税谈判陷入僵局，演变成“四大”歌手无缘出镜TVB甚至连环球旗下陈奕迅、李克勤、张学友、谭咏麟等一干天王也“被杯葛”TVB主办的十大劲歌金曲颁奖。接下来更因此出现TVB、港台、商台、新城等四大电子传媒机构在“四大”歌手缺席情况下的“四台联颁传媒大奖”统计及举办上萌生分歧，各自为政，终在2010年令到有14年历史的四台联颁传媒大奖暂行中止。而此前一直于潜规则下暗涌的各唱片公司之间矛盾也在这一时期爆发，英皇、东亚为首的本地公司与以环球为首的国际四大唱片从暗斗变为明争，因奖失义，而他们中更隐伏着与某一传媒机构之间的矛盾，同样是因为奖项上的分配问题。
对于这一“乱象”，其实香港乐评人林纶诗与CHIKIN的分析不无道理：“反正唱片市道越来越缩水，业界也是被逼急了。本身既已干塘，为何还不抗争”事关像TVB这样的传媒机构，这个世纪以来口味保守且对本地原创音乐推动越来越少，甚至还出现过”舞影行动“那样的裙带关系负面。如今已是YOUTOBE\FACEBOOK乃至微博当道的互联网时代了,忍了许久的业界也自觉无须再事事看其脸色做人.
并且,"驶离K歌传统，歌曲风格愈来愈新派、西化和广泛"的新一代,口味也根本与仍然盯着师奶市场的TVB们不对胃口,买碟的人喜欢听的是有质素有内涵的歌,而电视台和电台整天播的却只是低龄化K歌,不幸的是他们又不会去买碟.市道继续萎缩,蛋糕越做越小之下,唱片公司还来跟传媒搞内讧，在外人看来自然港乐形象再度一落千丈，尚能在内地和台湾得而立足的歌手仅得陈奕迅、方大同和脱离香港市场多年的莫文蔚等寥寥几人，而他们中有大部分却上不了全港最大的电视台！
如华语音乐传媒大奖评委慕容小虫所言，这两年下来“陈奕迅、容祖儿、古巨基、杨千嬅等老面孔一再成为颁奖礼上的大赢家、焦点所在，就不能不令人感到陈旧乏味。新人上位难度重重，论资排辈的实际操作仍然严重得令人窒息。歌好倒成为一个其次，够辈分才是首要硬道理，当然唱片公司与颁奖的传媒机构有关系无交恶同样不可或缺在版税风波及杯葛行动的冲击下，连带这两年香港乐队潮的回勇等等香港乐坛亮点都通通被选择性地忽视。”
“这秒针转个弯繁华极短暂，一切善或恶　聚或散，也定了早晚”，如去年走红的《有时》歌词所言，“历史的恩怨时代迫使”虽然盛有时，衰有时，祸福未必无所倚，林纶诗说“越窘迫的空間才越擠得出創意”，当下四台颁奖礼已经不很能反映民意反映市场甚至反映业界和媒体的声音时，音乐人像容祖儿何韵诗他们自己对网上乐评的重视，倒很能看出真正的公道到底在谁人心。而就跟这两年先后红火起来的MR.、RUBBER BAND等乐队一样，2010年在网上红起来的C ALL STARS，这些八零后、八五后音乐人身上隐伏的音乐与情怀，其实才是被传媒选择性忽视但却是体现当下及未来香港乐坛希望的真实亮点。有了这些亮点在，香港乐坛才不会只靠一个陈奕迅，或只靠一个电视台来支撑将来。

Source: 搜狐策劃: 香港流行乐坛的慢性自杀路

《迷失某地》何謂真正迷失？

2011-02-16T16:58:00.004+08:00

網上雜誌Nerve如此評價蘇菲亞哥普拉的電影： All of Sofia Coppola' s films are essentially the same thing: depressed,well-off white people wandering around looking, well, depressed.（所有蘇菲亞哥普拉的電影都是一樣：富裕的白人沮喪地蕩來蕩去。）在這個評價出現以前，《迷失某地》還未上畫，觀影以後，導演又真的墮進同一問題。

《迷失某地》跟《迷失東京》一樣，都關於一個「富裕的白人沮喪地蕩來蕩去」。我不厭其煩地再說一次，只因若你計劃到戲院看這部電影，也必須有面對重複又重複的心理準備。徬徨不缺錢的白人、一個相對年輕的少女、富裕社會的虛空、易地而處細閱人生等，都是重複著《迷失東京》的無奈失措。但在另一程度上，《某地》與《東京》並不相似─它更納悶，因為大家早已心知公式，所以一切都在預計之內。

膚淺行貨的比喻語言
首先，編導都是用最浮面的手段帶出要談的問題。開首的跑車行圈，女兒在小泳池來回游泳，困局的象徵呼之欲出，及後爸爸認不清鋼管孖女郎，又或是女兒對父母輪流缺席產生恐懼等，同樣一脈相承。男主角到異地出差，聽不明白當地語言，這種陌生化和《迷失東京》完全一樣，統統淪為男主角對人生態度最膚淺的比喻。電影不斷以太過明顯的行貨的比喻去反映心境，觀眾不是竊笑，就是全都睡著了。

事業起飛、好朋友、周全的經理、可愛的女兒、換不完的女人，沒一樣是人生強迫主角擁有的，為何過度的物質富庶，反而一定是心靈空虛？就算女兒存在與否，或者二人相處的前後，他依然是死狗一條。他的多愁善感全都來自自身問題。主角感到失敗，卻從沒想過如何改變自己─就算和女兒相處短短的幾夜裏，他也禁不住要和別人一夜纏綿，第二朝女兒醒來，還要尷尬地跟那陌生女人共晉早餐─這樣的男人，哪會得到觀眾的同情？

用同一個外在環境，可以拍一套明星風光兼親子溫情片，只須換了那位頹廢的主角就可以了。那麼，單單是他個人如何面對人生的問題，又不涉普遍人性探討，我們又何必要看庸人自擾？

何必要看庸人自擾
蘇菲亞在訪問中曾說過，這套電影多多少少來自其童年經歷─跟著爸爸法蘭西斯哥普拉不斷轉換城市、明星酒店等，過著電影人飄泊的日子。我不知道這樣的童年經歷會勾起多少電影人的共鳴。（也可能是電影得到威尼斯電影節評審歡心的原因？）但唯一肯定的是，她印證童年時爸爸拍《現代啟示錄》的那句話：「While you Americans...are fighting forthe biggest nothing in history.（同時你們美國人……則為最大的虛無去打仗。）」現在，蘇菲亞證實，美國人不打仗的話，就是為那虛無而惶恐不安（fearing for the biggestnothing in history）。

如果《在哪裏》是齣愛情片

2011-02-16T16:53:00.004+08:00

去年《優雅的刺蝟》是驚心動魄的好聽，這張EP《在哪裏》則是毛骨悚然的心動。魏如萱說《優》是濃妝，《在哪裏》則是素顏。

清純的音樂和慢板的唱法的確令《在哪裏》回歸她在「自然捲」的感覺。台灣獨立音樂強且眾，有過耳不忘的，也有過耳即忘的，位位出色，卻難成獨門一家。

這方面魏如萱很成功，無論是自然捲時代，還是獨立發展，甚至輔助性質出現在其他人的專輯（如協助好好先生推出《年輕的心》，一時玩伴唱，一時扮音效，十分抵死），實力和親和力同樣無可替代。

她的聲線及多元演繹能力會令人想起香港的有耳非文，可惜香港和台灣的音樂環境迥異，前者就更受歡迎了。

與有耳非文這類表演性強的表演家般，魏如萱曾是DJ，也做過演員。《在哪裏》就有很強的戲劇感，音樂一奏起，正是揭幕時。第一曲〈香格里拉〉，是關於夢想將近滅絕時，幸而有愛人相伴的情歌。失去了夢，但迷失的人找到情人相依，就是另一個夢的開始。

短短的EP 卻很快由戀愛去到分手。第二曲〈我家樓下〉作為〈門〉的前奏，是女生和男生分手後的一手感受，「雨下過就從此不能是朋友」，黃玠的編曲加入雨聲，恍如舞台劇，亦呼喚著〈香格里拉〉的詞：「雨會下雨會停這是不變的道理」。

第三曲〈門〉，緊接著〈我家樓下〉，卻是更深的感情，魏如萱扯高嗓子唱「怕你忘了我你要忘了我」，聞者心酸。之後的〈If 〉是英文歌，像一首電影原聲曲，「if life is adrama you cry on my shoulder」……她不是很標準的英文，獨特且吸引。安慰著自己也安慰著每一個聽者。她在宣傳稿上說得好：「你們會哭，唱出這些歌的我，怎會沒有更多的痛苦？如果我們因這些共鳴，感覺被彼此祝福，那要記得，學會為更多傷口愛撫」，就這樣，她在這張EP 完結前，成為我們倚賴的女神。

最後一曲〈哪〉，落幕，是沒有歌詞的〈香格里拉〉。歌詞去了哪？情人去了哪？空洞的情感只有音樂去慰藉，亦為這張EP 打上富缺陷美的句號。

音樂容得下多少遺憾《惡人》

2011-02-09T16:24:00.005+08:00

《惡人》，除了關於善惡，更讓人深刻是遺憾。而最深刻的是，它的原聲能令你攝在電影那既真實又不真實的故事—主角祐一第一次殺人和第一次愛人，就因為前者而失去後者。

《惡人》原聲有兩首主調，其中之一是主配樂。〈焦燥〉、〈夢幻〉、〈惡見〉，若未看電影，會覺得這些歌也是分別不大。電影一開首便用上此曲，車子駛在將發生命案的公路，然後曲調再在他殺人時，殺人後出現。我才頓覺這幾首音樂，似同卻異，同一份後悔，在真正愛人後，化為不同漸大的遺憾。那一系列的深沉音樂裏，久石讓的絃樂一簡一複、一主一次地在同一首歌裏推進，宏大但無力。和電影情節對應起來，充分表達著祐一的改變——他在後段裏說，直至遇上光代（深津繪里飾）前，他不覺得自己做錯，他是被迫才殺人。到真正愛人，希望和真正愛的人一起，才明白殺人是最恐怖的不歸路—他的遺憾有很多種，遇上任性貪錢的她是一個遺憾，殺掉了她是另一個遺憾，可能牽連到家人是更深的遺憾，而遲了遇上的她，就是最大的遺憾。久石讓只做了不多的變化，卻在原聲展現到那份舉足輕重的改變。

另一主調是Your Story 的不同版本，有純音樂（如〈彷徨〉）、有福原美穗的哼唱版（Vocalise）及歌詞版。電影以最不平均的方法去劃分前後，就這首歌最鮮明被表達的時候，把電影調子一百八十度轉變。那不是殺人的前後，而是與光代分開的那刻起。為了讓她明白他是惡人，祐一嘗試用同一笨拙的箍頸方式去殺她（之前殺人也正是如此，他不惜經歷多一次殺人過程的痛苦，去讓愛他的人不再愛他），被警察拘捕時，卻是歇力要拖她的手。之後，主調淡出，換來是Your Story。

光代和他分別後，到少女遇害的地方看到其爸爸在祭祀，然後反覆告訴自己，他真是一個壞人——口不對心，螢幕出現的卻是他倆看日落的風景，Your Story 響起，我哭得眼耳口鼻也掉了下來。即使回家再細聽原聲，我都因為這首歌而愣在那片末最後一幕——祐一在日落下含著淚微笑。

遺憾未遺，惡人不惡。

翻唱之神 —— 重唱是奪權、整合還是反芻？

2011-02-09T15:53:00.005+08:00

打開收音機，翻唱歌鋪天蓋地。新人舊人拿著更舊的歌重新演繹，不只是星光大道偶像的專利。翻唱風在這幾年吹個不停，由「勁歌」翻唱為主軸，到專輯翻唱為主題，好聽就是致敬，不好聽就是食老本，分別就在於你重唱得神不神。

由專輯談起，新加坡女星陳潔儀剛推出《重譯》一碟，是今年的首張翻唱專輯。不同於同輩的藝人，這張專輯既不是標榜技術remaster，也不是有什麼主題噱頭。她自選了粵語、國語及英語經典去重唱。陳潔儀算是舊人了，比起很多同是新加坡女星，是晚來的重唱。

雙重致敬vs暗中挑戰譬如孫燕姿，當初出道兩年已推出自選翻唱專輯START，近一點，就有Olivia Ong，以重唱英文老歌為主打，去年更開始唱國語歌，在音樂會紀錄《夏夜晚風liv e》及香港的現場表演中唱起王菲及那英等的國語歌，令一向偏重oldies 的風格中更顯親和感。今次前輩陳潔儀就一於連粵語歌也包抄，選了〈浪子心聲〉、〈明星〉這類八十年代初期的粵語經典，另外還有〈追〉（張國榮版，1995）。有趣的是，後兩首本身也是翻唱熱門，而且翻唱者葉德嫻及張國榮比原唱更成功，對陳潔儀來說，這樣的選擇顯然既是雙重致敬，也是暗中挑戰。

可惜陳潔儀在唱廣東歌時，太過用力去不用力，只靠自己的聲線卻沒有樹立新曲風，令幾首歌淪為酒廊式翻唱。英文歌One of Us （Joan Osborne）及Bridge OverTroubled Water（Simon & Garfunkel）等自然兼省力的唱法也令她遇上前幾首粵語歌的問題。新加坡歌手一向是中英夾雜的代表，其雜亂無章的自選法也是最具體的反芻，但既然不是做到首首出色，四處借歌的做法就變得隨意。幸好其他國語歌如〈兄妹〉及〈你把我灌醉〉等，頗有自己風格，用深厚的聲線去唱，甚至比原唱更有男人味，為專輯挽回分數。

做一張重唱專輯，主題是重要的，否則與聽你唱Ｋ無異。雖然發燒天碟不該包含在此列，因為hi fi本身以翻唱作基點，但講到主題，也要提提復出的呂方。配合快將舉行演唱會的他，在翻唱概念上就有較統一的做法— 全選女歌手作品的Tou chingMoments 剛剛推出，清一式女歌男唱。這一安排頗有噱頭，至少DJ 也能介紹多句，感覺上也較認真。

要討好的還是新一代一張又一張、一首又一首的翻唱作品，各歌手們究竟是要坐上懷舊的搖籃，還是要證明自己唱功非凡？方大同在製作Timeless（2009）時，解釋其重唱理念來自重溫：「……讓自己永遠記得回歸起點，看見自己在每一個當下被音樂牽引的感動。」翻唱選集往往反映歌手的品味，但也是愈有音樂素養的，才能有如此效果。

不過當翻唱作品愈來愈多，自然就令人懷疑是銷量低迷期的省錢但搶鏡手段。老歌陰魂不散，做得好的不至於奪權，也可以做到跨世代——讓新舊樂迷同能欣賞傑作。

記得同在2009 年，莫文蔚出了《回蔚》一碟，網上看到一歌迷發表了有趣的評論。他起初覺得莫文蔚在擦他爸爸的鞋——唱一堆舊歌是什麼意思，又想刮一筆上一代的錢嗎? 聽畢專輯，卻覺得不得了，原來是完全的新瓶新酒，爸爸不會喜歡，莫文蔚要討好的還是自己。結語是毛澤東的一句話: 「世界是我們的，也是你們的，但終究也是你們的。」短短的網評，足以看到歌迷對翻唱者的心態——不理你是曬冷你的品味，還是根據市場的導向，總之你把歌曲處理得我心服口服，不是一味只叨原曲的光，我們就看得起你的重唱。《回蔚》一碟除了有豐富的編曲處理，莫文蔚的怪聲亦可記一功，她不是典型靚聲，卻能以獨特的聲線聽得你心痕痕，把原曲輕易轉到自己的旗下。

若說至今還是殿堂級經典、完全技術性壓倒原唱旳，就必數黃耀明的《人山人海》，除了來自明哥與原唱人相反的方法演繹，還有就是製作班底人山人海的功勞，至今仍被舉其為神。林一峰為舞台劇製作過翻唱陳百強的專輯，曰《一期一會》，找來盧凱彤及趙學而等，把陳百強的經典注入較複雜的處理，亦令人心動難忘。

手法決定一切對新人來說，更是殺入廣大市場的快票。上年，新人堆中有一李悅君，翻唱了梅姐的〈夢伴〉，俘虜了不少樂迷的耳朵，亦比她自己的作品更成功讓人留下印象。何為突圍而出？她們用的就是完全不同的處理手法，把瀟灑激昂化為悲傷無力，唱腔恰到好處，但最重要是阿正（@Rubberband）的編曲。去年新組合C Allstar 也是以重唱起家。以a cappella 或清唱跑遍校園show，觸目的就是這種主流樂壇不多見的無伴奏合唱（只是偶爾有不同歌手在慈善騷作個別表演），彰顯歌喉之餘，也讓人留下印象。去年愈唱愈紅，大家對其實力不容置疑，也就什麼歌曲都支持。今年年頭回歸重唱，選了〈時間之光〉（鄭秀文），深情動人，男聲女唱了本身是side track 的這首，讓樂迷都很受落。

我想說的就是，在重唱的範圍裏，改編手段就是一切。2009 年林敏聰舉行了《好歌．好友演唱會》，各單位翻唱了很多他早年之作，記得當時Mister翻玩了〈打開信箱〉，令人耳前一亮，比他們平時的穩陣曲風突破，這就是再編造詣的彰顯。

可是當重唱變成演唱會外的事，變為電子或新世紀音樂，甚至tune 成超級易入耳版的bossa nova，就如電影經典的翻拍潮一樣（看賀歲片就知道），永遠不怕舊，最重要是橋要新。《二十世紀少年》漫畫裏，主角健次是玩音樂的，他有一句話：「還以為又作到一首新歌，原來只是封塵在記憶裏的旋律。哈，最好的曲大概都被前人創作了！」既然大家都接受創作範疇是飽和了，歌者或樂迷都不介意消費同一堆材料，哪管只是用作勾起回憶，只要是真正的經典酒釀，搞好瓶子就是（新）創作了。

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許巍的Remix和Remake http://tributeto.blogspot.com/2011/01/remixremake.html
成功男人背後的音樂 http://tributeto.blogspot.com/2011/06/blog-post_21.html

港台兄妹檔

2011-02-01T11:54:00.005+08:00

港台兄妹檔外國有不少兄妹duo/band，The Carpenters、The WhiteStripes等是較出名的組合。去年，港台兩地也出現了矚目的兄妹檔。除了年頭推出「Showtime」及年末推出「ChristmasSong」的Benji & Lesley，港台在去年還有林一峰和林二汶 (香港) 推出【林一歌林二唱】 (九月)，鄭焙隆和鄭焙檍 (台灣)以「來吧! 焙焙!」的名義推出【無所畏懼與寬容】(一月)。

兩個組合都是以哥哥作為創作主導，林二汶全為主音，鄭培檍就多做和音或偶爾擔正歌曲主音。而他們最可愛之處，也同是有一首兄妹情主題的歌曲。林家的《三》跟鄭家的《來吧!焙焙!》都是由小談起，相比之下，《三》假手於周耀煇是有點可惜，尤其當林一峰一向是小品詞人。而《來吧!焙焙!》則由哥哥親自寫詞，視為向妹妹的家書，反斗中暖意更濃。後者的歌詞很細膩，由小時候二人的相處（明明是你很煩／我卻要跟你道歉／害我一輩子都很怕女生哭），引伸至自己的性格因由，到二人因為青春期的感情轉淡（叛逆的日子好像也是親情的考驗），延至分隔台北南二地才重新肯定親人身份（就像我在台北的時候好希望你也來這／大聲的對你說來吧焙焙），都聽得人心動。

至於《三》，問過一些兄妹朋友，妹妹覺得「二汶：他喜歡跌電話也試過跌護照／卻擔心本小姐不會生存」說穿一切，哥哥則認為「二汶：爸媽慣例縱他縱到變做皇帝／一峰：流落在外面我自有底線」是真理。這幾句固然是中心思想，但也可惜只限於此，其餘歌詞較為平凡，像周耀輝硬要找些東西塞進去，不夠《來吧！焙焙！》的材料多樣。

兩首歌當然可以說選材不同，硬要分高低是不宜，但若從這首歌擴闊到整張專輯的概念，「來吧！焙焙！」是更到位的。歌曲無論在說什麼場景，要帶出的主題只有一個，就是妹妹對哥哥的影響和重要，也是趨生這個組合的原因－　鄭焙隆一向自己有表演，但也是等了妹妹才成團，算正式有名有目。歌詞「好險現在我們一起唱歌．．．我越來越依賴你」，哥哥完全沒有「大哥款」，亦令人明白為何聽他其餘歌曲，無論親情還是愛情，都覺得有著妹妹的影子。《三》裡若能提一些一峰對妹妹唱他的作品的期望或感想，樂迷也會更了解「WhenShe Sings」的意思（When She Sings為【林一歌林一唱】的英文名），及兄妹情於音樂的威力。

許巍的Remix和Remake

2011-01-20T21:22:00.003+08:00

許巍，一個本身就像人生remix 了不知多少次的內地音樂人。香港人和他有過最近的距離，該是他獲王菲邀請寫的〈你〉（《唱遊》1998）。那時候，他還未改變。後來，因為自己的搖滾音樂仕途，令他頹廢、抑鬱。之後他不再反叛，寫的都是富希望的、溫柔的，被舊樂迷罵得翻天覆地，後來慢慢調節過來，又在08 年推出《愛如少年》，之後卻停產了。2011 年，他出《一時》，是所有冷靜歌曲的remix版，也是他remix 人生的一個態度。

經歷過種種，許巍不再寫憤怒的歌曲，甚至像王菲一樣，竟變得親和，讀起佛經來，那未必是每個樂迷都能接受到的。今次他選來的其中一首〈藍蓮花〉就很有禪意。他不再相信音樂要人頹廢或激進，現在他成了治療系，不僅對樂迷也對他自己。

平心而論，《一時》此碟的七首舊歌在新編曲下是動聽了，不知是否新鮮，還是歌曲的主題和lounge 音是絕配，為歌曲呈現了不一樣的面貌。

雖然電音明明是前衞聲音，但調慢了的歌曲令整個主題更符合他想做到的禪意。像人家提倡慢活一樣，就是另一種人生態度，一樣的詞，不一樣的編曲；滄桑感少了，對人生的希望更明顯。剛出道時的許巍很紅，不久卻患了抑鬱症，然後一人流放到旅途。回來後他轉了唱片公司，有些人批評他變了。

經歷過被人當成搖滾靈魂，也經歷過唱片公司倒閉，也經歷過天天無眠的日子，他由憤青變了一個平和的人。

這張專輯的所有歌曲都是來自後一個時期，沒有《永恆》的虛無，也沒有《浮躁》的不安，而是充滿純真、親情等主題，像溫柔的白光，和剛出道的他是多麼的不同。

主題上的remix

許巍挑的都有返老還童之感——〈小魚的理想〉、〈每一刻都是嶄新的〉、〈時光〉、〈旅行〉等都充滿冀盼。跳躍的編曲亦令其喃喃重複的主題更易入腦。當中〈少年〉的編曲用上弦樂及disco music（令人想起之前網上關於楊千嬅〈斗零踭〉前奏的討論，這種弦樂和電音配搭很會挑起神經），跳脫但華麗，帶聽眾一起回到他更早的時候，但是已是一種回望的態度去感恩。

〈星空〉則有點《鐵達尼號》主題曲的影子，令歌曲添夢幻氣息，但不是激蕩的愛情，而是細水長流，放諸其他親情和友情亦如是。

CD2 的長曲〈一時〉是純音樂，認得前奏是Erik Satie 的Gymnopé die No.1 ，黃耀明在唱〈禁色〉live 時曾多次引用。之後則是CD1 七首歌的片段串起，認不認得不重要，但作為之前全部歌曲的總結，這個十八分鐘的作品會令你明白為什麼許巍是個音樂詩人，那不只他在歌詞上的詩作成分（他的作品曾被編進現代詩集），而且在意念上和結構上，他是願意花心思的。

只要出師有名，無論名曰技術型（高級製作）或跨類型（genre），也能令rem ix 更實在。而選用什麼曲去remix，也是代表着自己的取捨。許巍的《一時》正是兩方面也恰到好處。

音樂和人生態度上的綜合

許巍把全部舊曲調慢15%，令其更合適地盛載新的編曲；放諸他的人生哲學，大概更慢更悠，也是切合他的態度。由搖滾去到大眾流行搖滾，再到這次的電音、disco music 及lounge，被很多人看成江郎才盡。許巍在一次訪問中提到：你們不知道抑鬱症多痛苦！以及他說過那曾經因為沒有演出收入而窮得飯也沒得吃的日子，就明白他不斷自我調節的必要。

《一時》的封面以至雙CD，九對一制式過於形式主義嗎？或許是的，慢15%可能是gimmick，lounge 音也可能是投機，但好的remix 本來就應是門面功夫，但我確信這樣的他是有心的，而我們也希望他能繼續走下去。藝術家不是自殺就是覺悟，我們寧願聽多點佛音，也不願它絕響。那也切合他「一時即一切」之意。

追加: 歌手齊出remix大碟

講開remix，離題一講——除了許巍，去年華語樂壇亦有幾張remix 大碟。香港方面有感性版的林子祥lamusique，台灣有舞曲版的羅志祥《舞者為王》及蔡依林（Jolin）的TAKE 2-MYSELF Dance With Me。林子祥沒有新歌專輯這麼久，remix 版挑了他的個人經典如〈分分鐘需要你〉及自選串燒〈追憶╱單車╱空凳〉等，標榜的是高級發燒製作，出來是古典音樂化的編曲，以至轉變了的唱法，甚至跨歌手作品的medley，令專輯好評如潮。至於羅志祥及Jolin 的跳舞remix，就更屬此類型，視乎個人喜好，不過將舞曲remix 不易出色也不易出事（聽過很多司機會自己買混音機，把喜歡的流行曲都mix 成飛車歌，十分過癮），要評價的話大概要進舞池。

鬆手一點去分，還可把張學友的《Private Corner 迷你音樂會》納入remix 之列。雖然不是在錄音室製作，但在一個音樂會全唱爵士編曲版本，也是remix 精神。微型爵士音樂會，大概最能表現張學友的信心，以廣東話唱jazz 是好嘗試，亦令他比起同代人永能穩守歌神神枱。他可以這樣做，亦是從他之前的成就得來。

Remix 不單是再創作，而是如何在從前作品的基點上，再添加及以意創造。

吳克羣《愛我恨我》八十後奏鳴曲

2010-12-28T10:14:00.003+08:00

之前打書釘看《80'S─80 後生存現狀及我們的三十而立》，描述內地的八十後住不起一線城市，打工儲錢的被中產外父外母看不起，一起奮鬥的又受不住大城生活雙雙搬回鄉下……也有點像香港的情況吧？這個不是社會分析專欄，但在音樂上能做得貼近社會的，就一定要推崇。

首先，真的別給吳克羣的肌肉嚇倒，骨子裏他還是那鄰家男孩，四肢發達沒有令他的頭腦簡單，從他的作品中可見他的觀察力愈見敏銳；今次新碟中更成了最具社會研究潛力的八十後代言人（他自己為最末尾的七十後）。這當然只是我一面之詞，但觀其歌詞主題，足見八十後式的貼切心聲，而且不老土不賣弄不典型。而且，他作為台灣人，也同時印證了兩岸三地的八十後局面。

《愛我恨我》專輯內最出色出位一定是《我能給的》。愛情有重重障礙，情歌泛濫的年代卻沒有人說出真問題——現代城市愛情不再是戀愛遊戲，老早已成金錢角力了，玫瑰花的浪漫跟麵包的飽肚同樣重要，《我能給的》將愛情苦況設在「見家長會」，男生沒樓沒車，不敢承諾又不想耽誤，錯就錯在他不硬撐或說謊吧。「他（女友的爸爸）問我能不能給妳一個家我愣在那」，正正就是八十後三十而立的心聲。

當謝安琪可以甜蜜地唱《第二個家》給七十後的老公聽，八十後只能打包自己回第一個家。主打《愛我恨我》是草食宅男歌曲，是《我能給的》的前傳或後篇也可以。據網上資料，草食男之所以變成草食男，除了是資訊爆炸令男生更愛宅（在《住在心裏面》也提到宅男的戀愛模樣），還是因為想逃避婚姻。吳少這趟是說服朋友「去宅化」，「行頭我借你╱台詞我給你╱草食男也有肉食的心」。

當然，到頭來社會捏破宅男的夢想，「我能給的」近乎零，就可能再循環到再次宅在家的《愛我恨我》了。

《愛我恨我序章—亂世》也容易讓八十後對號入座。生於經濟繁榮時，總覺得夢想都可以實踐，到成年時，世界卻是亂七八糟，萬事衰落。不過吳克羣還有希望吧。這張專輯，歌詞為他更鞏固了地位。他絕對不只是一般的台灣偶像。只要音樂是中規中矩，歌詞可以這樣有代言特色，就足以看到這個八十後不一樣的燦爛將來。

聚散有時 2010香港樂壇重整及重現

2010-12-21T08:43:00.001+08:00

聚有時，散有時。回望2010 年，覺得今年樂壇聚散特別多。從未試過合作的，走在一起；也有形影不離的，暫時分開。有時或許換個組合，就如歌曲換個編曲，不但感覺清新了，還能讓人更徹底地認識歌手╱音樂人。

陳奐仁愈見活躍於幕前，與其他歌手的合作更見浮面。最矚目的，當然是邀請MC Jin 合作，一場Moov Live 後，二人繼續發表歌曲。

第一首《女朋友》在他自己的網誌post 了音樂錄像，製作頹得不得了，但歌曲勝在搶耳有新意，廣東話「說」國語「唱」，新形式的說唱為今年華語樂壇下了個註腳。MCJin 也回應過，和陳奐仁特別心有靈犀，亦當對方是偶像，這種的相遇一定比和曾特首的高幾個層次呢。

專輯《買一送一》是好名，連創作產品也要用市場策略，其實也未妨是壞事。

離合為新意
買一送一，也可以被解讀成又rap 又唱。不知是否受他們影響，又或是樂壇趨勢，農夫今年的作品也注重了音樂的部分，據說是二人過去兩年學樂理的成果，真心想由rapper 進化成更完整的音樂人。《奇蹟》二人分開單獨作曲作詞，找黃秋生客串不是奇事，但分別找王菀之及龔柯允來合唱情歌，就有點驚喜。對上一次《O'Fama》成績彪炳，二人再尋突破，惟有分開創作。據他們「命裏有時分開吓」的理論，只希望大家都有個別的嘗試；二人分別的solo作品，也是唱一半rap 一半，亦算是新嘗試。

幕後人台前聚
之前曾寫過Black Box 復出，或許三人的幕後戰績，會更易讓人認得他們。為十五周年誌慶，他們推出《MyWorld》及其主題演唱會。十五周年只是個原因，對這隊才華洋溢的樂隊而言，每個成員都是現在當紅歌手的幕後策劃，怎會不心癢癢自己演出？何況九十年代Black Box 的解散，多半是因為唱片公司遷台等技術性問題，他們大概都有不甘心。

《My World》有過半是他們為別人寫的作品，包括古巨基的《第二最愛》、莫文蔚的《忽然之間》、陳奕迅的《與我常在》、孫燕姿的《懶得去管》。

重新組合，也是把歌曲拿回來重新演繹。

新曲《四十筆劃》當然是說中年如何不惑，說珍惜，說隨緣。一把年紀復出沒有說不可以，只要不是還在唱青春小子迷惘的故事，就是有意義的重整修正。

同樣在幕後幹得更出色，也是人屆中年的Swing，今年也推出了新專輯。雖說2009 年也出了《武當》（他們在2001 年出了《For Sale》後收山，其中之一的誘因是Jerald 不喜歡拍照，不習慣做幕前很多附屬的東西，於是突然說不玩了。之後Eric Kwok 亦有自己推出專輯，直至往年因為與英皇約滿，七年內不准幕前演出的條款同樣失效，Jerald 又提議再以Swing 的名義復出，真是神又係佢，鬼又係佢），但今年的《電》更見他們努力的再包裝──造型和意念一次比一次前衞，即使不是人人受落兩個中年漢在封面玩科幻，也不得不佩服他們銳意唱出港男心聲。

沒錯，沒有顧忌，就是重組的精神！

《無如果》講愛（愛到極濃）；《7》講求快感（放肆啊）；《男人不可以窮》講實際（抵死抱怨）；《愛神死了》講孤獨（沒人愛）；《隔三日見一面》最高層次，講男人都要矜持，愛情更要拖長來愛，細水長流，竟是節制換來。對中年男人而言，愛情也可以有很多細節，失戀失意也要有層次。

兩隊組合除了在「中男」的主題意義上有所啟示，也為創作人在香港樂壇的命運做了個示範──香港的創作人如何讓自己的作品於自身及別人之間取得平衡，走獨立路線是一個出路，做幕後樂人也是另一個出路，這兩條出路的先後次序，是否可以定奪創作人的知名度？還有，他們亦一再印證了樂壇由唱片公司主導的道理。

（Black Box 最先獲獨立時代唱片公司青睞，後簽至滾石旗下──亦即成為解散的導火線，今次復出的EP 則由金牌大風發行；Swing 則一向在大品牌發碟，先是EMI 及英皇，現在簽了新藝寶。）

散後如何重組？
Twins 卻是無法真正歡喜地重組。她們的分開是何其具悲劇性。

年初，Twins 舉行《人人彈起2010 演唱會》。經過三年前「艷照門」後二人分開，阿Sa 獨立發展，唱過獨自上路的《二缺一》，也唱過為嬌出氣的《生還者》，今年再沒有怨氣，也沒有不平，看來是要若無其事地迎接二人的重組。2010 年個人國語大碟《As a Sa》，甚至連從前Twins 的孩子氣都沒有，換來的是沉重囉嗦的情歌，不論是大事件的洗練，還是自然的時光流逝，阿Sa 都要長大了。

另一邊廂，阿嬌自己也推出《Move On》。明明要一洗過去，放低困窘，重新出發，卻被封面楚楚可憐的樣子出賣，那個像被欺負的造型，怎叫人接受這是復活了的你？腦海還浮現她在記者招待會上的樣子，是製作班底太沒心還是太多心？

久未出現，造型就如歌曲《放低過去》一樣，欲蓋彌彰，更叫人無法忘懷她的經歷。

誰能真正忘記過去？那對可愛的校園女生，甚至那個被毁譽的女生，那一切其實都是她們的經歷吧。就如她們在演唱會壓軸唱的《風箏與風》，其實歌詞填得真好，有遠見──阿嬌是風箏，阿Sa 是風，風背負着風箏還可以走得很遠吧，風箏，進取點，不光彩的事，就當是擦身而過的浮雲吧。

兄弟姐妹crossover

還記得首次簽了人山人海後出show，At 17 穿的是Twins 的大頭衞衣，這對「Twins」在出道八年後，首次暫時分開，嘗試各自發展及出碟，原因也很創作性──合作模式遇上了瓶頸，倒不如暫且分手，嘗試自己一人上路的取向。

二汶和哥哥一峰合作，推出專輯也舉辦演唱會。《林一歌林二唱》有些是新歌，有些是舊歌。《三》是兄妹情誼歌，是這個合力創作計劃的主題曲；《愛你枕邊暖》則是師奶太太歌，證明兩兄妹的活潑創意。但專輯除了是血脈相連之示範，在創意上仍很有發揮空間，二人都是點子多且貼近生活的人，在主題上仍有待1+1>2 的突破。

至於姐妹盧凱彤，同是要翻唱作品，選的是王菲當年的《Summer of Love》（本是Helen Hoffner 的作品）。

At17 當中，總覺得Ellen 唱得不夠多，雖然她和二汶的聲線風格不一樣，亦有過人的地方，但她總是做副手，多做和音。今年分拆發展，最驚喜其實可以見證到Ellen 個唱一整張EP。《Summer of Love》裏同名歌曲最搶耳，年輕逼人，想不到Ellen 竟然選擇這麼輕快活潑的編曲，沒有刻意show off，但短短EP 裏，只是表演了對音樂的尊重與品味，希望這只是Ellen 的solo 創作前奏。

離離合合我更覺不厭

用歡欣去看離別，用憂傷去看分開，大概都不合時宜了。

離離合合，其實在好的方面證實了如今樂壇大概要拋低形式，不斷尋找創作、表演及合唱的可能性，才是棋高一着。

無論因何事聚散，如何把過去的經歷，化為當下的靈感，才是上策。

《她的改變》濫文藝腔的共犯

2010-12-21T06:50:00.002+08:00

典型的台式文藝故事，一班文藝青年說夢說回憶，連母女的對話及街頭真實的訪問，都救不了電影的文藝腔調。無疑喜歡聽故事的文藝女子，夢想成真開了文藝咖啡店，聚集到一群文藝人，必定滿足了很多人的幻想，奈何煞有介事地說理想追尋及人生價值反思，反叫人納悶。真正的台北就是這樣嗎? 他們都只像太過幸福無事做的人。

與近期的香港電影《東風破》一樣，以個人及個別的欲望去代表一個城市的故事，以夢想和主見去包裝任性和造作，打着城市故事的旗號，卻不注重細節和實感，反而懸空了電影和城市的連繫。美麗的配樂結果同樣淪為共犯，優雅美好的音樂變為空洞唯美的催化劑，令電影和音樂都變庸俗。那是比一場不好的配樂更災難式的事。

即使雷光夏的音樂和文藝是絕配，也為電影豐富不了內容。只能為雷光夏焦急了，她的音樂不值被這樣利用。

雷光夏的音樂，本來就最適合cafe，鋼琴與大提琴，加上她的溫厚聲音，令時光以最美麗的姿勢流逝。這位台灣神隱音樂才女今次是與侯志堅（導演的長期夥伴）合作，組成雷猴樂團（BIT sound），還找來鍾興民參與配樂。雷光夏在電影裏獻唱了《第36 個故事》及《她的故事》。兩首歌詞也是雷光夏所譜，「給我我想要的生活╱面對最坦白的眼眸」加上音樂，比電影成就更強的夢想追求、理想實踐。

配樂則有爵士、探戈的類型音樂，舒服得來令人人也成為故事主角，只是我們不用把自己搬上螢幕，把文藝氣息弄得扭怩造作。

另一驚喜之作是片中出現過的日本名謠，被譜上中文歌詞後重現於原聲專輯。

故事中的咖啡店，向來以以物易物作招徠，亦成為電影的主旨。

咖啡店的主人，兩位姐妹就是在決定以物易物的交易中，反思回憶、擁有權等的價值。而其中一節，有一位日本客人（也就是剛來香港的中孝介客串）因為喜歡店裏一本童謠，但又沒有東西可以交換。於是在店裏史上首次要求用歌聲交換，在店主朵兒的同意下，他便悠悠清唱出民謠。這首歌被雷光夏填上中文歌詞，成為《故鄉》，雷光夏唱得有過之而無不及的好聽，可惜是沒有收錄中孝介的清唱版本。

真正的以物易物、文藝交流，理應如此。

主流中的潛行 Black Box

2010-12-07T17:52:00.003+08:00

時間不對。

我這個年紀，八十年代的樂隊風潮我趕不及去欣賞，即使九十年代的，開竅太慢的我，也未同步和那band sound 的國度共存過。

認識Black Box 卻是因為古巨基，一個從主流再回頭indie 的途徑。古巨基專輯裏，好聽的主打和副主打都是一個叫張佳添的人作曲，後面還包括了個「Black Box」字樣。這是我第一次接觸香港indie band；但那個時候，Black Box 其實已經解散了。

現在看回訪問，也知道他們會有不甘心，當年僅僅因為和唱片公司合不來，公司又遷移台灣發展，結果出了三張專輯後，三人就惟有潛流到幕後，為別人做「別人的歌」，由陳奕迅到黃秋生、陳慧琳到孫燕姿，都是Black Box的別人。

也是Black Box 十五周年演唱會，才驚覺除了古巨基外，張先生還為香港歌手作了不少作品，而Black Box 另外兩位成員林健華（Joannes）和陳偉剛（Alex）也是作曲人，三人在今年重組，再以幕前人台上人的姿態回來。

音樂會當晚首發的EP，收錄了作品《忽然之間》、《與我常在》、《懶得去管》、《第二最愛》的「別人的歌」，全都是新編曲，新演繹。（上周的演唱會還唱了《我的快樂時代》、《我會掛念你》及《眼睛不能沒眼淚》等，可見EP 真的不能盡錄他們的優秀作品，未知會否再出一張完整專輯？）或許被標籤為製作人的他們，唱法不是主流的那種標準好聽，但那像demo 感覺的聲線（甚至是《忽然之間》的忽然男聲演繹）、更大膽的編曲，令這張十五周年的EP 特別可貴。

流行曲，就是能在樂迷的腦袋流行許多年的歌曲。Black Box 成員的所作所為，就有這個效果。重新演繹那像已不屬於自己的作品時，其實就是重新宣布，BlackBox 在此，他們就是這些流行曲的推手。這就如My World所指—小克為他們寫下「無謂問哪一個是我……前後十五載也是你」的告白。

或許Black Box 的名字是黑色的，樂隊的命運也是黑色的，但最終我們是真的聽到你們的歌，真的聽到。那才是最重要的吧。

為電影再配樂《乘着光影旅行》

2010-11-30T17:39:00.001+08:00

當初一看《乘着光影旅行》的預告（我看的是「火車篇」，預告有分「火車篇」和「大師篇」，前者是以不同電影裏的火車片段作堆砌，重心放在人生「一去不返」的主題），咔咔聲的火車由純音樂過渡至有人聲的民族音樂，原始得來真的帶人走進光影或時光的隧道。

這是一部關於台灣攝影師李屏賓的紀錄片，片中他談攝影談電影，還有談家庭和人生，這齣紀錄片就是圍繞他密不可分的藝術和生活態度。他和侯孝賢最多合作，《童年往事》、《戀戀風塵》、《千禧曼波》、《珈琲時光》等，還有王家衛的《花樣年華》、姜文的《太陽照常升起》。這些電影的共通之處是讓人在憶起時，腦袋都會泛着那電影的光，李屏賓就是背後製造那特別色彩的人。這次他和導演都不約而同地對火車鐵路有種迷戀，那也是預告為何要有一輯火車片段旳緣故吧。

短短的預告音樂就能抓住人心。那原始的聲音是烏仁娜，她是內蒙人，用通俗的方法去介紹就是聽上去像薩頂頂一類，她喜歡用不同國家的樂器來配上自己的民族嗓音。隆隆的火車、質樸的嗓音，觸動了我們心底裏的本性，李屏賓說，火車與人生相似，過了就是過了。當他解釋了電影題材特別鍾愛火車的同時，也解釋了我們對自己本質類近東西的共鳴。原始的音樂如同我們最純樸的吶喊，電影和音樂是表達也是發洩，在烏仁娜的叫喊中，我們也看到自己的人生像李屏賓拍攝的火車一樣，直奔終站，一去不返。

紀錄片導演關本良及姜秀瓊在選音樂配樂上，特意全用大大樹音樂圖像（tree music & art）的音樂家，很多如烏仁娜這樣的民謠歌手都有亮相。那些像土話混雜着原始樂器的音樂，伴着紀錄片，甚至紀錄片裏的電影選節，例如羅思容的《孤毛頭》配《紅氣球》的幕後花絮、林生祥的《有機》配《太陽照常升起》的沙漠雪景，重新幫李屏賓的作品配樂，本來戲裏的配樂不用了，換來不再是侯孝賢或姜文的視角，而是以李屏賓重新出發，讓觀眾看着同一個片段，卻有不同的感覺。

那正正是新配樂，《乘着光影旅行》配樂的過人之處。光影、音樂、人生的火車，我們都要坐穩。

男士說唱Men's Talk

2010-11-30T16:14:00.002+08:00

《男士托Men's Talk》絕對是今年的滄海遺珠——E-kids 的Tommy（阮民安）拉攏林雪玩rap，但不怪得沒什麼迴響，因為連feature 的MC Jin（歐陽靖）在歌曲裏都話，「聽你哋rap咁耐都唔知噏乜」。幸好，歌曲以外，男兒心聲不一定含糊吞吐或沒有銷路。今次介紹的兩隊rap 組合——MC Jin 和Hanjin 聯手、農夫的陸永和C 君「拆夥」，就示範了rap 「真係可以同流行曲比賽」。

MC Jin 自家一人，本身已叫人刮目相看。有些人媚洋，有些人歸根，MC Jin 可算後一類，在美國出了頭，卻要回香港闖。第一張推出的香港專輯ABC，ABC 有指明自己被標籤、〈識聽識講唔識寫〉則道盡身處香港的尷尬，〈1997〉又重申對香港的愛。那隻專輯成功令人留下深刻印象，像是一團熱火回流發展，但又有點盲頭烏蠅，不是喝過維他奶，去過歡樂天地，就真對香港熟悉。這個地方容得下中文字都不識一隻的rapper 嗎？Rap 喎，識寫中文的都會詞窮，何況一個ABC 竹升操筆？

MC Jin Hanjin 知音與共鳴一直也為他來港發展而膽顫心驚，幸好之後他也頗有成績，不過直至他和Hanj in（陳奐仁）走在一起，才覺得他在香港得到真正的肯定——那不單是樂迷給他的，而是一個soulmate 給他的。

兩個男人講soulmates，真是有點肉麻。但在雜誌看到MC Jin 的訪問，他說很高興陳奐仁和自己真的心靈相通，就真的感受到他的興奮——那相逢恨晚的悸動。

二人的創作模式是這樣的︰MC Jin 想好主題，然後大家分頭行事，他作rap 部分，陳奐仁則作國語及音樂的部分。無論任何主題，他說陳奐仁創作的和他寫的rap 配合得天衣無縫。作為創作人，這樣的機緣可遇不可求。短短一個訪問，不是推介新專輯，而是一個真誠的告白。彼此在創作水平上的共鳴，同樣令兩位出奇。

自白或說教

MC Jin 與Hanjin 專輯《買一送一》之中，〈什麼都不做〉的宅男極致、〈安眠藥〉的男人壓力、〈女朋友〉的單戀紅顏、〈睇低你〉的消滅自卑、〈妥協〉和Happiness 的尋找出路主題，相信就是心有靈犀的代表。他們如此夾，也可能因為這些都是大部分男人的體驗。煩惱、懶散、歉疚、無奈、自我形象插水後又像打機角色的能量重新增強，也是形容男士的循環式主題。

Rap 是貼切的自白，也是很好的說教。Rap 賦予rapper 多一點的權力，rap 出來的經歷也好像多一點權威性。除了自白，也是希望給共鳴之餘，也給多一點過來人心聲，或他認為正確的態度。《希望》是勸勉式的，期望年青人埋怨過後，也從頭出發找自己的路──這也在農夫（陸永和C 君）的專輯裏見到這一個訊息。

男士Talk 共通點

在農夫《奇蹟》專輯裏，黃秋生奇迹地客串了的一首〈奇蹟〉，就甚有MC Jin 與Hanjin 專輯《買一送一》裏〈媽媽〉的衰仔心聲影子，只是〈奇蹟〉更擴大到了其他的家人。那也是成長過後的深切體驗，這個話題永無老土，因為要虧欠家人實在太容易。

另一首《買一送一》當中的成長體驗是〈慢走，再見，老朋友〉，多年不見的老友，碰面竟尷尬起來，最後還是分道揚鑣好，免得說多錯多。C 君的〈吹摯友〉就像下篇，硬和闊別多年的朋友吃飯，只會更加尷尬甚至反面，發現竟然「真的不太熟」! 這又可以引伸為男人多不維繫友情的問題，雖然那又似乎太籠統了。

農夫陸永鬥C 君

在電台聽到他們說這次要拆夥各自嘗試，連監製製作等都分開，實在佩服他們的新意。想想若軟硬天師也可以半拆半夥地一直做下去，可能歌迷也不介意，反覺得是種另類趣味。不過雖說是完全分開製作，何不想想這是探究另一種「合作」形式？表面上各自為政，但聽真點還是一個幣的兩面。

陸永的世界觀萬物皆齊，文學底子不賴。〈我要打多支〉、〈韓國勁舞權〉、〈光行紀〉、〈寂寞是最無敵〉等不是符號處處、引經據典，就是隱喻側擊，以未來諷今朝。C君則是「說故事人」。戲劇化效果令「對白」較生動之餘，「場景」也栩栩如生，歌曲不只是一個故事，還是一個劇本，〈吹摯友〉、〈阿遲〉就是很好的示範。

四「首」聯彈兩種態度

手法不同，但主題卻是呼應。當然，態度也可以不同。

就拿愛情來說，〈愛不愛我〉（陸永）和〈月老〉（C 君）一個由猜忌到避忌，另一個幸福到死……也可以把〈愛不愛我〉和〈阿遲〉（C君）放起來看，一個被playgirl 玩，一個則變了playboy。不想遍體鱗傷，那麼陸永又寫了第四類結果——就當自己是植物或太監，與人絕緣，「寂寞係食得一個人亦得」（〈寂寞是最無敵〉），不過聽上去同樣殘忍。

二人關心的，除了女人和男人，還有成人和小孩的對立。〈問題兒童〉（陸永）和〈偉大航道〉（C 君）先來一個交叉視點。前者是小孩的角度，後者是大人的角度；一個由上而下、一個由下而上。〈問題兒童〉怪責世界，也是Ｃ君的〈Good People〉後果，成人定不了好的典範，卻要小孩做這做那，他日小孩長成，又變成〈我要打多支〉（陸永）的成長期望落差，兜一圈回到〈偉大航道〉的苦心剖白，希望給後來者個準確一點的人生預告。聽者若是有心人，也可以為四首歌排一個時序不分先後。

二十一世紀少男態度？

把這些男士心聲概括，主題還可以找到相同點，但態度都截然不同。有飛人的、有被飛的；有懶散的、有積極的；有指責的、有訓勉的；愛香港覺得此地好美的、覺得香港被打垮了的……rap 從來都反映社會態度。

十幾二十年後，若要回看2010 年的香港男人態度，大概可看看這兩張大碟，可以用多元來形容吧。而這也是歌曲以外——當我想一想身邊的男士時，皆是真實世界的貼切反映和代言。

黃玠《我的高中同學》後青春的藍調

2010-11-23T16:50:00.004+08:00

作為主打亦是專輯名字，【我的高中同學】已能自成懷舊主題——人往往在失去後更在意——相信此題對已中學畢業的樂迷很有吸引力。黃玠承接了他2007 年第一張大碟【綠色的日子】的主題，那時說當兵，今次就是當兵後的時期，很有延續性。三年前質疑秩序的意義，三年後體會到列隊實在「沒有意外也沒有驚喜」。其實歌裏只以一句「讓我陪你一起玩耍就這樣」來交代高中同學的身影，但背後千絲夢縷的連帶感情，卻能帶出無限的困失。只要是離開了學校的人，誰也會對中學產生情意結。
黃玠這種未忘夢想卻知道難以實現的心態，叫人想起《五月天》（上一張碟《綠色的日子》的《香格里拉》挺像《五月天》的編曲）告別天真，但知難而進，認清難關再來第二次衝刺，正正也是後青春的氣息。不過比起阿信，黃玠的聲線沉實，總帶着一點憂鬱，無論多鼓舞的歌曲，頂多變成「laidback」，就像藍天永遠不會沒有烏雲一樣。那是黃玠予人較多真實感的地方。

也是這種天生鬱郁的氣質，讓他的文藝性高了。畢竟傷悲的情感總較百分百陽光感覺更富文藝味道，這也是台灣歌詞的典型。至於音樂方面，他也符合另一種「台灣典型」。記得香港有一獨立結他女歌手曾將木結他風分類，台灣女創作歌手是當中其中一類。而黃玠也是這一類——但只是他是個男的。這當然跟他的專輯製作人黃小楨有關，但黃玠也的確是這一系的，在編曲方面他亦刻意多加點變化，雖然仍以木結他為主軸，但周邊都加插很多不同的樂器或效果，比同系的女生沒那麼純粹，加上其沉甸甸的男聲配唱，令歌曲更踏實了。

其中慢歌像披了一層灰藍，《夢的距離》、《最害羞的情感》、《忘了》、《拾荒地圖》等就是如此，矇矇矓矓間歌聲悠悠飄出，這種藍不一定是憂鬱，但肯定不是過分雀躍，就算歌詞說着幸福的話，卻隱約有點哀傷或不安，又或來自滄桑，那是我喜歡黃玠的地方。人生從來都沒有絕對的晴天，但總要唱得快樂。

轉載: 卡夫卡焦點

2010-11-16T16:38:00.005+08:00

信報財經新聞
P45 今日焦點

2010-11-08

林煥光有禮

卡夫卡昨日在童軍總會品茗，離去時lift到八樓，進來者乃林煥光，只見他低調非常，卡記亦不便打擾，lift到地下，背對身後一班三唔識七的同?者，佢老兄並無第一時間鬆人，反而hold 住部life讓眾人出去，真係公僕精神之最佳演繹也。高官之中，卡記撞得最多者，係平叔王永平，灣仔利苑、九龍塘火車站、太古地鐵站……

素顏Causal look 一度，悠然自得，羡煞卡記。

昨晚看了「和味蘇」，有口痕友謂，乜蘇玉華從舞台走入廚房搞到咁cheap，卡記當然不甚認同，於是即call 小S 找「美女廚神」剖白一下，請留意明日《信報》副刊「今日焦點」版。至於「科技創意」版則由城大鄭淑嫻教授闡述快速檢測雌激素類污染的新技術。而「音樂洗耳」版講青春電影的配樂，作者林綸詩結語：青春是殘酷人生的預告，令卡記心頭一顫，甚堪玩味，讀者萬勿錯過。

Well，提提大家，後日起用八達通搭港鐵東涌線賞《清明上河圖》，回程記得去指定位置拍下卡，即慳三蚊。

殘酷青春的配樂

2010-11-09T10:32:00.004+08:00

黑暗殘酷的青春電影，總令人感覺真實。青春是什麼？社會錯還是父母錯的結果？近來的《告白》告訴我們，也是我們過分保護你們（青少年）的錯。青春是一首眾聲喧鬧的奏鳴曲，所有角色都在這支樂團裏奏出不安的樂章。

由《告白》談起。這是熱門的原聲碟，rock、post-meta、classical、folk，還有girlgroup，眾「聲」奏出幾段平衡的青春故事。導演是廣告出身，善於製造官能刺激，所以選曲最矚目耀耳的是Radiohead 的，我想藉此去說說選曲代表的一個錯置。由選曲及這套電影作為出發點，說說關於青春電影的音樂運用。

電影文本．歌曲語言

Last Flowers 連同如?谷毅的Milk 等以英文去唱歌，不少人會覺得有不合之處，予人堆砌之感。音樂是國際語言，但歌詞不是，習慣一個語境後，卻有另一種語言的侵入，而且是畫外音，不一定人人喜歡。而且更重要的是故事那麼符合社會性（貼近日本的獨有狀況），語言的偏離該可免則免。

反對的人必會說，我們身處的是一個滿足五官、刺激五內的時代，英文歌配日本片有何不好？不就是雙重趣味嗎？這我也沒有異議，大概只有少數人是語文偏執狂，況且導演喜愛來自In Rainbows的Last Flowers，體現自己品味之餘，也給予機會令這歌再生。若過得了不理語言分野這一關，導演可以選擇的歌又多了幾百倍。

惟美電影．實質音樂

但也正因為這個沒語言界限的「優惠」，相比之下，令我更佩服當年《青春電幻物語》（2001）的小林武史，一人包辦音樂，還發掘了Salyu（鈴木圭子）演繹戲中Lily Chou Chou 的角色。可知此戲的角色設定以王菲作原型，但他們也為她譜好日文歌，讓她唱回日文詞，切切實實做回日本人。相信不少觀眾在看《告白》的時候，也會想起這套差不多十年前的電影。由岩井俊二執導，配樂也以琴音電音來描繪那青春的躁動。

雖說覺得後者配樂較得宜，但《告白》始終在整體上較出色。《青》是看完之後，官能感覺爆棚，但對故事則沒甚感覺，結果愛原聲碟比愛電影更甚，那是惟美電影的失敗之處——只有「美」而沒有「質」。而《告白》的歌，雖然某些人會投訴英文出現過多，但其以視覺、聲音及敍事一律擊倒觀眾，無論青不青春，我們也佩服得無話可說吧。

古典音樂．沉寂青春

只拿Boris 或cokiyu 做比較（前者的にじむ?像及後者的See the sun，真的很富青春電幻的味道！），當然亦低估了《告白》，它本來可以多元刺激來合奏這張原聲。?谷慶一郎的Piano Concerto No.5（J. S. Bach）及Largo（G. Hendel），在電影中亦有很強的效果，冷靜、留白，在一幀幀近乎黑白的電影圖片外，帶出沉寂的調子。談及古典音樂的應用，不得不提近期正式上畫的《墨綠嫣紅》。香港導演張經緯本身是學院派的音樂人，在大樂團演奏十五年，拍電影當然無忘音樂。選了導演這條路，音樂就是最佳伴碟，尤其可以用到他的專業知識及慣常觸覺。第一部香港上影的電影是《KJ 音樂人生》，內容以搞音樂的青年的經歷為主，接着便是這部《墨綠嫣紅》，述說一個吸毒少女的故事。他雖是拿資助去拍警世反毒劇情片，卻能做到出色的藝術水平以至不俗套的敍事，媲美任何以青春掛帥的電影。

張經緯用上古典音樂去配合這齣短片，亦證實純音樂亦非沒有文字指涉。其中他以蕭邦的《葬禮進行曲》（ Funeral March ，降B 大調第二號鋼琴奏鳴曲，Op. 35，第三樂章）來配合一場青年的群戲，若認得曲目名字，必會理解到導演的用意。缺乏旁人關心的青春期，如同步向葬禮的路，寂靜孤獨；同步播映着的畫面裏，那群貌似快樂、互相支持的年青人，還不是只能遞上墮胎丸給朋友？真正在青春期裏需要的，其實是家人。那不也是《告白》的其中一個命題嗎？

音樂以外．青春配樂

電影配樂從來不止音樂，例如是《告》的人聲自白及《青》的鍵盤聲（網絡bbs 留言），《墨》就有誇大了的環境聲、天橋上的車行聲、廁所的沖水聲及學校的廣播聲，將吸毒後呈現的幻覺世界表現出來。所有感應都強烈了，但青春依舊是讓人麻木的真實。

歌曲和聲音交織青春的奏鳴曲，比人生任何階段都黑暗，又或是人生本來就是黑暗，青春只是開始。寫到這裏，想起《烈日當空》的主題配樂：麥浚龍的poor U。在男孩拔掉朋友的維生機一刻開始奏起，眼看着父母對兒子的昏迷互推責任，男孩便為朋友決定了生命再無可戀，「不必再望世界每日更好╱世界每日再變暗」。

青春只是殘酷人生的預告。

葉問原聲與不原聲

2010-10-26T10:20:00.003+08:00

這個時候來說葉問？只因林敏聰及陳奕迅（Eason）之過——由Eason 新專輯裏的《葉問風中轉》而起。繼《一支得掛》後，Eason 似乎想名正言順地「搞鬼」，竟然和林敏聰拿葉問宗師來搞笑。話說陳奕迅這個肥仔要拜葉問為師，二人進行一輪搞笑癡纏（陳奕迅部分）及冷臉拒絕（林敏聰部分）。以懶洋洋的聲線唱出，竟然令人想起小克漫畫的冷峻爛笑話。不過最大驚喜還是久未出聲的林敏聰大顯身手，用個人大碟如《塔里班癡線電台》的聲線來 Rap 出大師的愛理不理態度，叫人回味呢。

這首歌自然是拿一代宗師來開玩笑，歌詞中最正宗字眼可算「黐手」是也，雖然也逃不過被惡搞。就是因為半正宗半搞笑，令我好奇找了三套葉問專輯來聽聽。

先說說非正典的《葉問前傳》，它的原聲比其電影的「外傳」性更顯明，叫人聽上去確為其「非正統」尷尬，兩首主打《千尺浪》與《相思》都有借鏡其他歌曲，但擺脫不了舊作，沒甚驚喜或新意，而且聽上去還有點奇怪，大概原曲太深入民心了！張繼聰的《千尺浪》是中國民樂經典《闖將令》的變奏，在周星馳的《功夫》也出現過（亦令歌曲增添幽默感呢）。《相思》則用以英國民謠Greensleeves來改編，實在不知與中國傳統有何相承之處。反而其他純音樂傳統感較強，而且大多用中樂器，很有中國韻味。《拜入師門》一首更用上強烈節拍，似練習詠春時拍打木人樁的聲音。

至於《葉問》1 和2 的電影原聲，由川井憲次擔任創作，就大有來頭。他是《七劍》、《龍虎門》、《墨攻》等的音樂配樂；他為這些動漫型的電影配樂，亦大有淵源。他在日本動漫圈子是出名兼活躍樂人，熟悉《亂馬1/2》、《機動警察》、《攻殼機動隊》甚至《死亡筆記》的動畫迷一定認得出他的配樂，全出自他的手筆。《葉問》主題曲《一代宗師》纏繞在腦海不休，是比電影更深刻的標誌。兩張原聲都值得細味。

節拍與警察與狂迷《跳躍大搜查線》

2010-10-22T10:16:00.003+08:00

《跳躍大搜查線 Movie 3 》在香港上映在即。優先場上，片尾曲因為影評人環節而被刪，令觀眾異常鼓譟。可見電影狂迷也是音樂狂迷，而音樂於這個系列的重要性，更在咒罵聲中一目了然......還有什麼比這種憤怒更能證明電影音樂的必要性呢?

有趣的是，《跳》向來都有不少「狂迷」式罪犯，犯罪迷、動漫迷、跟蹤迷、宗教迷....而看得多他們的瘋狂，亦無減螢幕下狂迷的瘋魔。沒有了片尾曲，就猶如一個聖祭或儀式遺漏了不可或缺的程序，絕對能把人迫得更瘋。

公關姐姐被罵得不知所措後，我腦海中不由得浮現電影的片尾曲，織田裕二的《Love Somebody》.....雖然電影已是拍到第三集，但關於《跳》，大家都眷戀著電視劇的根。每次片末credits升起，那首扣人心絃的「情歌」就會徐徐播著，還記得較悲傷的結局時，還會放以「Piano Version」，簡潔的音樂更有力 -- 明明是警匪片，當中的熱誠、人性和愛，卻觸及情感深處。音樂功不可沒吧。

《跳》的電視電影版本，都有灌錄原聲專輯，原教主義版本的電視原聲《Rhythm and Police》是最「乾淨」的，沒有orgel、Jesus versions: 人物介紹時必響起《Rhythm and Police》、還有場面主題曲《C.X.》、開大會的《G-Groove》、破案成功的《Moonlight》、三位局長出場的《OTOBOKE》….音樂設定畫面和故事，一聽原聲猶如看多一次。

眾多sound tracks令人眼花繚亂，2004年就出了合輯《Rhythm and Police/The Complete File》，包含了電視版的原聲及Sound File (前者是主題音樂，後者多點小配樂)，還有Movie 1和Movie2，Movie 2 再分原聲和Sound File，當中最珍貴是bonus track收錄了青島審犯時的對話，那也討人喜愛的原聲元素 – 輯錄一些sound bites，能令原聲專輯更立體，與劇情更息息相關。其他版本百聽不厭當然還是以上說過的「主題曲」，《跳》一向除了劇情出色，場面調度以及音樂配襯都是迷魂散，眼看耳聽的官能刺激，rhythm和police，誰能逃過成為狂迷的命運? 做狂迷不要緊，將音量收細不擾人就好了。

節拍與警察 (與狂迷)

2010-10-20T09:39:00.000+08:00

《跳躍大搜查線 Movie 3 》在香港上映在即，優先場上因為片尾曲被刪，令觀眾異常鼓噪，可見電影狂迷也是音樂狂迷；而音樂於這個系列的重要性更在咒罵聲中一目瞭然……還有什麼比這種憤怒更能證明電影音樂的必要性呢？

有趣的是，《跳》之中向來都有不少「狂迷」式罪犯出現，如犯罪迷、動漫迷、跟蹤迷、宗教迷……看得多他們的瘋狂，亦無減熒幕下狂迷的瘋魔。沒有了片尾曲，猶如一個聖祭或儀式遺漏了不可或缺的程序，絕對能把人逼得更瘋。

可憐的公關姐姐被罵得不知所措後，我腦海中不由得浮現電影的片尾曲、織田裕二的Love Somebody。雖然電影已是拍到第三集，但關於《跳》，大家都眷戀着電視劇的根。每次片末credits升起，那首扣人心弦的「情歌」就會徐徐播着；還記得該電視劇一些單元有悲傷的結局時，還會放以Piano Version，簡潔的音樂更有力——明明是警匪片，當中的熱誠、人性和愛卻最觸及情感。音樂功不可沒吧。

《跳》的電視電影版本全都有灌錄原聲專輯，要說當然由最初最純的「原教旨主義」版本說起，電視原聲Rhythm and Police最乾淨，沒經過remix：人物介紹的Rhythm and Police、場面主題曲C.X.、開大會的G-Groove、破案成功的Moonlight、三位局長出場的OTOBOKE……音樂設定畫面和故事，一聽原聲大碟猶如看多一次電影。

眾多sound tracks令人眼花繚亂，2004年就出了合輯，包含了電視版的原聲及Sound File（前者是主題音樂，後者多點小配樂），還有Movie 1和Movie 2之分，Movie 2 再分原聲和Sound File，當中最珍貴是bonus track收錄了青島審犯時的對話，那也是我最喜歡的原聲元素——輯錄一些sound bites，能令原聲專輯更立體，與劇情息息相關。其他版本百聽不厭當然還是以上說過的「主題曲」，《跳》除了劇情出色，場面調度及音樂配襯都是迷魂散，具備眼看耳聽的官能刺激，誰能逃過成為狂迷的命運？其實做狂迷不要緊，將音量收細就好了。

如何為文藝配樂命名《山楂樹之戀》

2010-10-18T10:59:00.003+08:00

香港即將上影的《山楂樹之戀》由大導張藝謀執筒，「中國最駕勢」的導演拍「史上最純淨」的愛情（語出宣傳），當然是個有趣對比。至於原聲音樂，也找來同樣駕勢但以純淨古典為主的陳其鋼擔綱。和張導一樣，他也是08 北京奧運班底，再加上歌者常石磊，真的湊合了一個奧運主題曲場面了。

陳其鋼是聞名歐洲的音樂家，一直以來堅持中國元素，也是一個豪言快語但富古典氣質的音樂詩人。是次為這個多麼「中國」的故事去配曲──故事說文革時期的一段愛情，曲風方面當然把西方元素都抹掉，徹頭徹尾是中國式文藝音樂。我未看電影，單聽原聲專輯時，只覺得千篇一律；總有不少電影原聲碟差不多以同一首主題曲作變奏，但這麼感傷的歌真是多聽會生病。可是，後來在網上看到《山楂樹之戀》的首映禮，當日找了兩個舞蹈員在簡潔的山楂樹布景下翩翩起舞，播出的主題曲格外動聽，便發現這確是舞台之歌，配合藝術表演才能發揮其魔力，亦令人想起無數關於中國的劇場音樂，相信在銀幕上的電影，這些歌都會別有效果。

既然千篇一律的旋律可以是因為舞台表達形式，在音樂部分還可以說得過去，但在歌曲命名上則不太行得通。歌名《靜秋告訴媽媽老三病情》、《靜秋尋找老三》、《靜秋尋找無果陷入思念》等，都叫人看得納悶。其實文藝音樂要緊扣文藝題旨也不等於緊扣劇情，換上曖昧迂迴一點的名稱，也無傷其「純淨」度吧。國內不少文藝片的原聲都會以英文為歌曲取名，《大紅燈籠高高掛》以至《色，戒》等衝出大陸的電影如是。英文化自然是陌生化的手段，First Night with Master、Mei shan Sings、Remember Everything 等，都是把看圖作名式的名字美化，而The Se asons、Exodus、The Secret 等的單字式作法，直接譯作中文（有不少原聲也會如是，只用二三字詞語）也一樣符合文學性。中國藝術注重留白，藝術品中的原聲命名，何嘗不是該留點遐想給聽眾？

一期兩會　黃耀明x 何韻詩x 林海峰

2010-10-05T11:26:00.005+08:00

都怪我過分執着懷舊。一確認有「黃耀明x何韻詩x林海峰拉闊音樂會」的票，我第一時間找回黃耀明x林海峰的拉闊CD（1998年），盤算最希望他們重唱的歌目。那次，兩個從解散了的組合走出來的個人歌手，來了個投入的crossover，形同一次性的珍貴組合，就在十二年後的這一晚再次走近。雖然他倆也沒有太刻意地提起，但在曲目間重現了那一晚相會。

開場第一首歌是《人山人海》，與那年那晚同是開場曲，叫人振奮。之後還有《小王子》及《的士夠格》，雖然兩首歌個別地分散在不同環節，但也屬暗暗向98年那次來個呼應。除了歌曲選擇有明顯的延續，更叫人會心微笑的是精神上的延續——那就與林海峰（Jan）和黃耀明（明哥）的背景有關。

林海峰由軟硬天師而紅，黃耀明由達明一派而來，二人都是八十年代的當紅組合，雖然形象不同，但歌曲都是風格別具一幟。在98年的演唱會裏，他們做了crossover的互唱，而有趣的是，他們有刻意揀選對方的歌曲演唱時，都有注重對方在組合時期的歌，林海峰甚至選了劉以達的《晚節不保》，那並非黃耀明所唱的作品，卻是重要的回饋——他們從來肩負起的不單是自己的身份，還有不散的組合氣息，那是每一個組合音樂人都擺脫不了的。而在 2010年的這次，黃耀明以一曲For you（《車欠石更》，1991）冧倒全場，那是軟硬時代的作品了，簡直喚起大家十年前的回憶！林海峰則找來何韻詩合唱《請勿客氣》（《廣播道軟硬殺人事件》，1993）。

樂迷對歌手，從來都不是看他單一歌曲的成就，而他們歷史愈久，背景愈複雜，就更有千絲萬縷的情感瓜葛──是無盡的組合年代回憶，還是樂迷二十多年來由組合到單飛亦誓必追隨的忠誠。當然，他倆個人發展初期的歌曲，這晚也有出現，《春光乍洩》及《私人珍藏》分別由何韻詩及黃耀明唱出，令人回憶他們更完整的歌路發展。

徹頭徹尾的混合式

平心而論，撇除我抽出了以上幾首歌的次序來評論，演唱會原本的曲目鋪排是有心思的——先有大合唱，然後互唱大家的歌曲，接着是緊貼香港新聞的《導遊阿珍》（重複惡導遊阿珍精句）、《下世紀再嬉戲》（悼菲律賓人質事件）及《光榮之家》（回應樓價飆升現象）；接着是香港日常百態，以錄像字幕和不太相關的歌曲製造矛盾：《請勿客氣》配「我好掛住你囉」等靚仔靚妹用語、《給我愛過的男孩們》配「草食男」等男族標籤、《For you》配高尚品牌名字、《邊一個發明了返工》配政府宣傳語，都將歌曲賦予新的意義。

視像及音樂混合後，便來個歌者混合，三人分別合唱了不少歌曲，才再到個人表演環節。以上部分全是心思之作，可惜每個環節都太短，感覺有點散亂，效果不及音樂上的混合鋪排有驚喜，明哥和Jan的Bad Romance絕對是高潮所在，其中還混以Kraftwerk的The Model，相信Lady Gaga也會佩服。之後林海峰唱的《活着多好》混以The One You Love及Careless Whisper兩首舊歌，還有《的士夠格》與《忘情森巴舞》重疊，可見樂人的用心。林海峰還將自己的《細路哥II》前奏加到《我係邊個》前面，更中 kidult樂迷的心底話。

翻唱環節歌手上身

林海峰在個別歌曲上的編曲都很有心思；而黃耀明則在自己的環節裏給自己一個小小的主題——日本。他選了不同年代的歌曲而有對日本描述的：九十年代的《再見二丁目》（《光天化日演唱會》﹝2000年﹞也出現過）及近年的《迷失表參道》（張敬軒，2008），但最意想不到的是翻唱了周啟生的《淺草妖姬》。明哥一向有妖艷因子，卻鮮有歌唱類近嬌媚的周先生作品，這次是個重現模範。

說起妖艷，明哥跟何韻詩的《芳華絕代》都變成哥哥跟梅姐上身，亦是最有意義的一首合唱cover，因為明哥和哥哥的crossover淵源（無論是實質在《Crossover》專輯的合作，或是作為媚艷的代表），以及何韻詩與梅艷芳的師徒繼承，也令這首歌聽起來讓人更激動。

在翻唱系列裏，何韻詩還唱了Rubberband的《發現號》，但演繹Mr. Children的《しるし》則過分費勁，相比之下，她的獨唱環節在形象以至音樂編排都未算突出，有點淪為女聲配唱，那挺可惜。若在十年後要再跟林和黃會一會，她還得在運用聲線上下點工夫，把原、翻、混玩得更出神入化。

挪用歌曲方是上策

演唱會中，往往翻唱比原唱更富驚喜。選得一首好曲，已經獲得觀眾一半的滿意了。而除了翻唱別人的歌將其化為自己的另一種風格，怎樣挪用亦是神來之筆。說的就是最末一曲Go West（Pet Shop Boys），他們三人以其作樂隊介紹及打圓場，對音之餘又好玩，是為佳作，亦是當晚音樂實力的縮影─三人背後有很強的編奏音樂人，令這晚在豐富層次的音樂中得到圓滿閉幕。

非法野: http://www.tudou.com/playlist/id/10340350/

《壞蛋掌門人》Pharrell 給主角的話

2010-09-28T10:30:00.001+08:00

電影一句「這些機會不是屬於我的」，乃語出《星期日檔案》，後被網民改圖轉載，看得出它想表現的風格多貼近潮流---都是翻譯的功勞。雖然翻譯新潮，劇情出現的工具與及3D電影效果也新穎，但就如大部分的卡通片，都是帶着最傳統和基本的訊息︰仁愛、夢想、改邪歸正等等。

音樂上，這隻原聲專輯可以聽到各樣重點主題（亦即較基本的意念宣揚）的歌曲，由美國歌手Pharrell包辦，以及加了兩首老歌：Boogie Fever（The Sylvers）及You Should Be Dancing（Bee Gees），除了切合主角壞蛋Gru的年紀，也為這齣動畫帶來七十年代的動感。

Pharrell一手包辦作、唱之作品包括主題曲 Despicable Me，又憤世又無恥，句句可以做到呼應劇情，聽得人笑翻天（竟然也叫我想起本地組合農夫，這首歌如他們的自況一樣幽默到肉，但就是憤世嫉俗版）。另外Fun, Fun, Fun是暑假歌，無論是對戲中的三個小女孩，還是夏天放假進戲院的小孩，總之「No more homework, or PTA. No more lunch food, as toxic waste」，也是快樂無比。

女孩的純真活潑由Prettiest Girls延續，但今趟是由Gru出發，談談自己一路如何被她們弄得翻天覆地，卻無可避免地愛上她們，父愛還能有比此更甜蜜的表達? 而碟中最得我心是Rocket's Theme，談火箭談偷月，其實都是關於夢想及童年早就許下的願望；是最恬靜的一首，亦不得不叫人想起自身的夢想。旋律慢慢的一首歌，就如電影對夢想的描述，沒有怨恨沒有不忿，只是盡力實現。Gru小時候已愛火箭，但媽媽沒有欣賞或鼓勵他的作品，無論他多努力，也得不到一個孩子應有的讚賞，令他變得邪惡無恥，亦不懂愛身邊的人。電影沒有鋪排將母親變成壞蛋，對於Gru這樣的人，最後是受到不同人的愛來感動——三個小女孩、一堆礦工仔（礦工仔The Minions也唱了一曲 Minion Mambo，同是Pharrell的手筆，但礦工仔的卡通聲線比他更相稱）為他付出愛，如火箭燃油，讓他重拾對人生的希望。老土，但正面，而 Pharrell在這張專輯中，也為劇中每一個角色道盡了體諒和愛。

楊千嬅︰沒有路是冤枉的

2010-09-14T15:32:00.005+08:00

由為別的新娘子做「姊妹」到找到「真命天子」，楊千嬅終於有了「丁太」之實。推出新歌《斗零踭》，再加一個無綫播出的《我在東京很快樂》音樂特輯，沒有什麼比這些更好地為下月的演唱會「造勢」——且看一個新的丁太楊千嬅，怎樣繼續締造自己的明星路。

什麼鞋也穿得起，什麼路也行得到，純真地宣告，楊千嬅已經成熟。歌詞上雖然是「一個打十個」式的烈女詞，卻不同從前「心口得個『勇』字」，而是以有歷練女人的背景去走出新路。值得自豪的，不是那率真或任性，而是成熟。藍奕邦一向是自況高手，填別人的歌也能握準天時人和，他為楊千嬅填詞的《斗零踭》亦不例外。

「成熟」這兩字最近不斷出現在楊千嬅身上，先有《我在東京很快樂》的電視特輯，後有各大雜誌的訪問，那當然是配合她結婚的新聞去談。她不是刻意要換個形象，或為「老少女」找個美麗修辭，而是很自然的告訴大家，她變了，而且她滿意這個轉變——這個轉變叫成長。

《斗零踭》是宣言也是肯定
先說明星路，由A Music的「好壞參半」時期，到現在重投東亞唱片（華星）旗下，以《飲酒思源》一曲為她肯定重投華星懷抱的喜悅，卻沒有什麼為前東家A Music平反，於是楊千嬅刻意在訪問中用不少的篇幅感激黎明。對她而言，A Music的經驗是不同的嘗試，未必人人受落，但她慶幸有經歷過，「沒有路是冤枉的」，這堵了所有人的嘴巴。

上年的《原來過得很快樂》專輯是回眸之作（甚至連封面風格都似回到寶麗金年代，幸好只是包裝過了龍，歌曲內容頂多也是回帶到楊千嬅的年代而已），歌詞不斷文字互涉以後歌詞，《原來過得很快樂》對《再見二丁目》，《你幸福嗎？》對《少女的祈禱》、《我在橋上看風景》對一貫的（日本）旅行主題……不過轉公司後推出的新曲《斗零踭》，卻是另一個意思了。這歌除了讓楊千嬅在回望時肯定過去，也同樣顯示對未來挑戰的能耐；道出的不單是回憶，也是經歷，讓她成熟的經歷。穿得起斗零踭前，要經過多少雙鞋子的試練？《斗零踭》是結果，但也是對從前所有鞋子的肯定，包括A Music。

《我在東京很快樂》電視專輯中，楊千嬅說揀了東京為主題，除了因為當地風光，也為着她有許多歌曲都有日本元素（大部分是林夕填詞，夕爺也笑說是他自己的「日本系列」，千嬅是主要用家）；也因為她初出道時，其實有很刻意地參考日本曲風及造型。當時她真的經常待在唱片店翻CD，又聽又看，吸收精華。其實由她身上散發出來的東瀛效果（也是香港人潛意識或表意識很喜歡的），不單是要闢一條東洋生產線的林夕的功德，也要有楊千嬅的付出才成（插個延伸︰《再見二丁目》的作曲者于逸堯其實是中國風底子，譜上歌詞後，反而有了日本風情畫效果，是之後楊千嬅日本「系列」的開端）。

平凡是福「楊千嬅」

聽過不少關於楊千嬅的評論。有說她其實唱功很好，只是特別愛挑高難度歌曲，令人以為她技術或換氣功力不濟。又有說她的成功，全靠行內人寵她，把最好的都給她，是個幸運的女歌手。實在一點，把唱K熱潮、一出道就被指模仿鄭秀文等背景加上去，除了詞人或樂人所賦予她的，楊千嬅究竟還靠什麼一路走過來？我想起最平凡一面的楊千嬅。

記者在背後或許笑楊千嬅做作，或說她虛偽，可是不得不承認她代表的那份平凡味道是多容易令聽眾投入：由護士做起，卻成功從新秀歌唱比賽入行，唱的不是艷光四射或居高臨下的題材，而是純真的衝刺或任性、卑微的祈求或渴望等心情，一切都符合一個鄰家女孩（又或師奶）的心願。

對於是否與楊千嬅共同成長的人來說，都易對她產生共鳴，這就是《楊千嬅》一曲「你有個個也有」的宗旨。於是，由她的真實背景到音樂上的故事，無縫地湊合起來，就讓她成為一個親切的代言人。至今，她的平凡路沒有停下來，即使要結婚，楊千嬅亦不忘強調自己的「平凡」——以自身的經歷來反映香港最典型的「港女」問題——她在訪問中曾說過，丁子高對她說，一直以來大家當她是「港女」，只是她改變性格以後，人變輕鬆，更見幽默，丁先生才敢接近並追求。楊千嬅覆述的這件事，便說明了改變性格的重要。自以為對愛或愛人沒信心，又或仍有少女式的任性，通通不是失敗的藉口，也不是空唱來表達渴望或怨言就可以解決的，最終還是要實實在在去改變自己。那是行動換來的意外驚喜，也是她透過「以身試法」去提供予觀眾的一個參考。

在電視的音樂專輯中，楊千嬅曾經提到，本以為不會嫁得出了，卻想不到這個年紀還可以快快樂樂結婚去；「幸好，自己真的改變了自己」，她說。這令我想起另一紅星鄭秀文，她說宗教如何改變自己，其實那何嘗不是自願修正的一步。那是樂壇道路以至人生旅途更重要的啟示──沒有路是冤枉的，因為它們都把你成就成一個更好的人。

Olivia Ong的華語天后特質

2010-09-14T11:13:00.002+08:00

可以有至少三個方法去介紹Olivia Ong。

一、 2001年，年僅十五歲的Olivia在歌唱比賽中被日本唱片公司發掘，她於是離開家鄉新加坡，並前往日本花一年時間在日本高中學習，同時在演藝界發展，最終成為日本當紅的Bossa Nova天后。

二、被台灣方面邀請參加第五屆星光大道踢館PK賽，以Ain't No Sunshine一戰成名，亦開了台灣歌迷的耳朵。

三、還記得《無間道》裏，劉德華與梁朝偉相遇在Hi-Fi店嗎？若Oliver Ong出現在電影時空裏，可能就是音響中飄出來的聲線，而不是蔡琴了，因為她除了是偶像，也是發燒友至愛的試機天后。

近來，她推出了《夏夜晚風》音樂會的專輯，輯錄了她在2010年於台灣的一個演出。這張專輯特別迷人，是因為這位小天后第一次有這麼多首中文歌曲灌錄到CD——雖然只是三首，但對之前一直都是出英文專輯的她來說，可算個突破。

原來是唱片公司叫Olivia多聽中文歌（應該是因為她唱英文歌也唱了十年，要親近大中華市場的話，始終也要向中文歌着手，像我這樣的樂迷也是較喜歡聽她唱中文歌，畢竟英文歌唱得多好，也有太多比較了）。在那一堆「參考歌」中，她一聽《我願意》便喜歡，那時還不知道是王菲的歌，可見「天后」基因互相呼應。另外她選的是那英的《夢一場》，唱得跟原唱不相伯仲，感情拿捏亦很好。看看Olivia Ong的選擇傾向，從她的品味能看出她想營造的效果。這兩首歌以Jazz的編曲及表演方式，另有一番韻味。

不過之於我，對她最深刻的中文歌是《如燕》。這歌本為一套新加坡電視劇的主題曲，亦是迄今她唯一一首原唱中文歌；聽畢，此歌久久也沒有離開腦海。做了那麼多年英語歌手，我們實在期待她真正融入華語世界。不是要她認定身份，但聽着她可以毫不費力地在音階上爬高爬低——唱中文字正腔圓，音韻音階皆準確而不失動人，希望她可以跟華人聽眾拉近一點，多唱中文歌。

順帶一提，張信哲最新專輯《初＿》裏，有一曲《幸福的力量》，也有feature Olivia，是為另一途徑去欣賞她的華語韻味。難得難得﹗

莫文蔚單身寶貝

2010-09-07T12:39:00.004+08:00

說起莫文蔚的歌，除了想起《食神》裏面她豪邁的「情與義值千金╱高山去地獄去有何憾」之外，還有由她翻唱得極奔放鬼妹仔式的《冷雨》，又或是難忘深情的《戀一世的愛》等等。其實這都是十多年前的事了，但這可不能怪我們香港樂迷，因為那已是她最後一次出粵語大碟的時候（《戀上莫文蔚》，2001）。

有了言語差異，不得不怪我們都會走遠，何況我們在電影裏也太熟悉她，明明能說好廣東話，為何唱歌時就不理廣東話了？不過話得說回來，其實她的國語專輯可算是三年抱兩的——加上演唱會及精選。這張《寶貝》是繼上年的《如蔚》之後再推出新歌，《如蔚》是翻唱專輯，名字也起得貼切，雖是翻唱，但依然充滿莫文蔚的風格。今次《寶貝》再與張亞東合作——其中一首動人之作《完美孤獨》的懶懶拉音就很有王菲的感覺，不知與張有沒有關係？莫文蔚自己則多參與作曲部分。整隻大碟填詞人眾，雖然曲風不同，歌詞卻朝着很個人的主題去寫，全都是比較自立的立場，無論要回憶愛戀還是宣告獨立。不知是否莫文蔚要刻意營造自主女性的形象？

填詞方面除了有一直合作的李焯雄，還有林夕。李焯雄一向修辭味濃，林夕也照樣是投入去度身訂做。前者的《耳朵要解渴》、《沒有圍牆的世界》及《艾美麗愛美麗》甚有魔幻感，值得玩味。而林夕則給了莫文蔚另類的「歌者自白」：《洗澡時唱的歌》帶點輕佻卻不失誠意，洗澡是對她很好的暗喻。當然還有王海濤的《飲食男女》，遙遙與林夕為莫文蔚及其電影作品寫的《色情男女》呼應。「飲食」只是另一慾望的稱呼，莫文蔚繼續唱出都市新愛情態度。

其實平心而論，雖然莫文蔚形象前衞，而她的歌詞永遠也不會老土，但這張大碟的音樂卻不算新穎，不少音律組合像是似曾相識（不是抄襲﹗），有點像九十年代曲風，亦喚起我對莫文蔚粵語時代的回憶。看來她是妖姬不再，淡泊安定也是她的另一面。

出租天使純愛故事的配樂

2010-08-31T09:19:00.002+08:00

前陣子《出租天使》上畫，大家都說電影海報太誤導。半裸的背面，日本美女坐在床上，十分誘人；一看電影，卻是純愛到不得了的故事︰因為被強暴及被迫墮胎，女主角理央變得自私，只對幫到自己的朋友好，從不付真心，還迫朋友走上和她一樣的援交路。不過她因為遇上一位老師光輝，決心開始改變自己，並和這位年長十八年的男人譜出一個浪漫純愛故事。

說回原聲專輯，其實我想說的是專輯封面反而更配合電影。除了愛情，這套電影也關於友情，專輯封面是青草地上的青春，混着互相倚賴或利用的友誼，還有Indigo Blue、Zentaro Watanabe的音樂；而步入愛情階段，更有Love Psychedelico酷酷但動人的歌曲。這套電影如果沒有音樂的話，一定不會有如斯感染力。

電影由岩井俊二女徒弟寒竹百合執導，畫面優美，配樂尤其動聽。Indigo Blue的I'm the One及其純音樂，歌詞倔強而堅定，卻有獨撐的孤獨（註︰歌詞是標準英文，女主音的英文發音不賴）。這隊出道只有三年的組合做得相當出色，除了開場曲，之後的配樂和故事配合得宜，令人想起岩井俊二的《青春電幻物語》，裏面同樣有「自傳式」主音Salyu（鈴木圭子）為戲中歌手Lily Chou-Chou代唱。雖然這次主人翁理央不是歌手，但I'm the One這歌也貼切地唱出了理央的人生，宛如是她的主題曲。

Love Psychedelico的歌曲在電影的重要時刻都會出現，光輝與理央第一次互表愛意，第一次享受戀愛，以及結尾最難忘的一場雨——男的已經忘記她，因為那是他們的選擇，光輝要做手術去延續生命，就要負上失憶的代價。理央強忍淚水，講出他們第一次相見時的對白，這又是另一個開始。最後光輝雖然什麼也忘記了，但如《無痛失戀》一樣，他卻是注定要愛上她，回來讓這個陌生的女子抱着；此時Love Psychedelico的音樂再此奏起，亦成為這套電影的片尾曲。Love Psychedelico在專輯裏有三首歌︰Beautiful Day、Here I am、Waltz，雖然依然是以強悍聲線唱出，唱調卻比從前更柔情。Waltz是最後那一場雨的配樂，和Indigo Blue的開首曲遙遙呼應，這兩曲也是全張原聲最值得推薦之作。

MOVIE: http://v.youku.com/v_show/id_XMTc0NTU1ODM2.html

陳奕迅的終極音樂理想 —為DUO Live平反

2010-08-25T11:25:00.002+08:00

陳奕迅是大眾，但他的演唱會一定是小眾——實在太難買票了。記得四個月前，關於《DUO陳奕迅2010 Concert Live》，負面新聞比讚賞多，一是陳奕迅抱恙在身，二是他選了不少別人的歌作DUO的主題發揮。不是觀眾拿他與原唱相比，而是大家對他的選曲沒大感覺。這陣子，是次演唱會終於發行CD、DVD及卡拉OK，不是死硬的陳奕迅粉絲，首次接觸這演唱會，反而能欣賞他的DUO意念。或許，愈執著喜歡他，反而愈難看到跨歌手的好歌湊貼意圖。

不過，以Duo作歌曲配對的表演方式，實在難叫人即場看得出結構，所以這或許是最適合在家觀賞的陳奕迅演唱會了。無論如何，這次演唱會的曲目安排，以至其互涉瓜葛含義，都值得一聽再聽，再三賞析。

Eason曾向傳媒說，Duo除了有二重唱之意，還有雙重性格，甚至分裂的意思。但放諸是次演唱會的歌曲次序，其實補足的意義比對立的大。演唱會的前半部也是以一曲自己的歌、一曲別人的歌曲推進。兩首歌除了互相補充，不少亦有曲評曲的作用，而陳奕迅也沒有固定安排自己的歌先行還是別人的歌放後，令他所選的一對對更顯出他的價值觀了。

對對Duo結構

開場一曲是Eason自己的《今天等我來》，「就讓這遊子的心寫出好題材」，開宗明義點明這個主題實驗，接著是羅文的《好歌獻給你》，名副其實是以歌而喻，亦打開「Duo」的序幕。

若以CD去分，Duo的環節是CD1，這兩首歌也為這隻CD揭幕。點明題旨後，便是一輪對失去、逝去、孤寂、守望、苦戀主題，也正是陳奕迅一向最觸動人的共鳴點，最後以破曉及夕陽的兩面人生觀作結。

《落花流水》配《囍帖街》（謝安琪），驟耳聽來像是以「花」串連，（歌詞都出現了幾次「花」的意象），前者以水和花比喻愛人的註定別離，後者以人和街說囍帖街的逝去，兩首歌都談分別，而最終也是關於放手。要分開，卻心有依戀，放低之餘卻不是守護的終結，接的《七百年後》及《約定》（王菲）便是關於守望和愛護。在Duo之後的時段，陳奕迅說過曾想把陳百強的《等》放於這一對，但相比下來《約定》較有希望，那怕是七百年後，始終是一個既定的約會，不是白等嘛。（亦由此看出Eason心思，他可不是胡亂配的。）由分開到寄望重遇，始終有一段距離。他以無比孤獨去形容這段真空期，接選曲《寂寞夜晚》（張國榮）及《浮誇》，是第一次以別人的歌開首Duo。那陣子是張國榮的死忌，把《寂寞夜晚》排先除了是對哥哥致敬，也大概因為《寂》是一首有對象的歌，有思念的元素，而《浮》則是對象模糊的發狂，孤獨得令人失去焦點。他再以《禁色》（黃耀明）及《無人之境》配對，唱的可以是禁戀，也是愛情最孤獨之處，相愛不能愛，卻愛得不能分開，比回復單身更難受。

最後，Eason以《破曉》（林憶蓮）及《夕陽無限好》作結。一首日出，一首日落，卻都是說一切最終會灰飛煙滅，前者重堅持，後者是及時行樂，亦為Eason這次的用心劃上完滿的句號。（註）我要說的不只是他對配對有心，而是他並非隨便想起有什麼歌曲相似，有個「伴侶」便敲定該歌，而是做到循環一個流程去解釋什麼音樂對自己深刻。

二五的Duo

官方的Duo環節完成，但這樣的編排精神在接下來還是有可尋。他選了男人四部曲（《人車誌》、《陀飛輪》、《沙龍》及《葡萄成熟時》，是為詞人黃偉文自己界定的男人系列），加上《裙下之臣》，作為男人心頭好的五回。當時，場館是吊著「Vanity」、「Pain」、「Fame」、「Ego」及「Jealousy」的字，也可被視為男人擺脫不了的「感覺特色」。接著另一個五，則由五首別人的快歌（《熱辣辣》（張國榮）、《反斗星》（譚詠麟）、《頭髮亂了》（張學友）、《好戲在後頭》（草蜢）、《芳華絕代》（張國榮╱梅艷芳）)，把氣氛推高。

陳奕迅實踐音樂的可能

之前曾經寫過，陳奕迅是一個很紅，但還有很多東西想嘗試的歌手。這是很難得的。畢竟，人愈受歡迎，其實可以做的愈少。所以他會去唱《一支得掛》（改編自《一絲不掛》的惡搞戒煙歌），他也會在演唱會中唱很多別人的歌，實驗一下自己的配對——就這樣把自己更宏大的志願滲進符合主流的音樂人生，把自己的音樂版圖實踐在更多可能性上。

無論是以惡搞去重玩自己的歌，還是以自己的歌去重配別人的歌，畫的是一個更大的音樂版圖，亦證明了廣東（話）歌的承接性和文學性。對於演唱會這一個試驗，有不少歌迷呻悶，加上他自己帶病演出，大家更覺得今非昔比。但其實換個角度去說，陳奕迅對音樂或歌手的能力極限，是不斷進行探討和肯定（今次還有以日文唱出《愈想愈無謂》的原曲《Mr. Lonely》，那是勇氣，也是徹頭徹尾的向本源致敬）。即使要歌迷如伴他唱K又何妨，因為他實在不單是一個K歌之王，而很明顯，陳奕迅想爭取到的，不是歌迷對他的肯定，而是香港人對音樂的肯定。

（註）在非錄音版的其他場次，他有唱《Mr Lonely》配《我甚麼都沒有》，後來則放在encore。他還有將《The End of the World》和《我的世界末日》放在一起，他說這些是有選但沒有練的歌，在最後一場則清唱。

Track Review の雌雄反串

2010-08-24T15:14:00.003+08:00

《瑪利亞的心》歌浴森

不知與蘇打綠有沒有關係，男聲女唱似乎前途無限，相反亦然。歌浴森是內地新人，評論稱他為華語樂壇男歌手高音奇蹟（很大陸式的追捧讚賞），或曰「高音龍」（與首次主打歌曲「龍」有關）及「爆破音王子」，音域闊得驚人。首張EP有四首不同風格的歌，是歌喉及風格的曬冷。香港人應該最受落《瑪利亞的心》，沒有勉強的中國風加電子混音，也沒有鄉土味濃的獨白，也是他最男兒腔之作。

《The Last Radio Show》查可欣

要數香港的反串聲線，陳浩峰及何韻詩都是代表。不過華語樂壇中，女兒身男兒腔好像較多，陳珊妮、周筆暢、李宇春都有陽剛聲線或形象。查可欣也是這類路線的大陸新秀，聲線厚且實，本身是DJ的她，確實以「磁性」壓倒，播音和唱歌皆動人。此曲為同名專輯的主打，也是自己做DJ的心聲。雖然唱著《last》，這張專輯卻是她首張個人概念大碟，是為另一反串。

Uniform Motion 以催眠作衝擊

2010-08-24T11:27:00.005+08:00

說Uniform Motion的音樂有催眠作用，並無貶意，只因acoustic加交疊男聲效果，令Uniform Motion成了催眠大師，讓人把思緒都拋諸腦後。空白了我們的腦袋後，歌曲就可有很多東西填進來了。

Uniform Motion的作品感覺有點像聖詩班，和聲亦然，如同在今年推出的專輯Hark The Herons一樣，就是舒服得像上了雲霄。Uniform Motion有多一點的民謠感，第二張專輯Life有一個哲學式的名字，就連歌詞也像傳道，而其主題的貫徹，亦值得聽者仔細參透，因為他們的理念是圓滿而持續的。

Uniform Motion的名字是指人生像一條平衡的直線向前進行，除非有人或事擊中我們的生命線才有所改變。雖然他們的音樂輕快暖心，但曲目內容都富宗教色彩的生命探討，halo（光環）、holy（神聖）等字眼常常出現於歌詞。Roll Over是成仙之路，慢慢升上天空，抵達月球，神化自己，(「roll over」的動作更是和他們「uniform motion」的意念來個突破。自己選一個動作，然後瓦解自己的uniform motion。)Back up your soul則是反叛式，像對宗教（甚至邪教？）的質疑。但最有「Life」意味的則必數The Black Box，黑盒是棺材，棺中老人應是歌者的爸爸，由他的眼神唱到親友及自己的哭紅雙眼，描述的是逝去的生命其實是對其他生命的最大重擊。

他們的歌除了要聽者的靈魂好好地去體驗含義，其中Storm Eye及Dry Eyes更像連續劇互有連貫。前者講風暴將到，後者講風暴過後如何面對。這場風暴與他們的樂隊信念很相似，也是要破壞uniform motion的。改變有外有內，在這兩首歌裏的衝擊則由這場「風暴」而起，各位不妨細聽當中意義。

聽歌以外，這隊法國英文樂隊的背景其實比他們的音樂更有趣。uniform motion由Andy Richards和Renaud Foresti組成，但後者是不參與音樂的，只負責畫畫。初出道，他們兩人在網上發表作品，Richards作曲演唱，Foresti為其配上動畫，製成音樂錄像。在這張專輯或其網頁（http://www.uniformmotion.net/）都可以看到他的畫作。如果有機會看他們的現場演出，還可以欣賞到Foresti即席畫圖的表演方法。他們就是這樣打出名堂的了。

兩首推薦歌:

Track Review の最後晚餐

2010-08-19T16:59:00.002+08:00

最後晚餐 Supper Moment

聲線固然好聽，音樂固然吸引，但最叫人深刻都是有人把此曲和《冲天救兵》剪在一起。不知道是否真的因為這套卡通片而寫，就像《太空奇兵．威E》和陳奕迅的《七百年後》。歌曲講關於一對老人家如何走到生命盡頭，由這隊年輕的新人樂隊去唱，沒有不相襯，只有滿心的預見，誰若要愛到一生，都是經歷一起、珍惜及放手。

如煙如夢的愛情等待《志明與春嬌》

2010-08-17T10:51:00.002+08:00

因為《潛行凶間》，大家都忽爾愛夢論夢起來。於是又說起《戀愛夢遊中》。記得當年《戀》（2006）的電影原聲，名副其實是dreamy得很。《志明與春嬌》的原聲就叫人更記起《戀》的原聲專輯，不單音樂夢幻，還有舒服得像打瞌睡的男女聲……不過這張專輯當然不是以夢為題，而和電影一樣，怎也要抱着「吸煙」的主題。

以電影來說，無論初戀、禁戀、相遇、相愛都要和抽煙扯上關係，當然太過主題先行。但原聲緊抱煙、愛、夢，就是很自然地圓滿了一輯音樂。製作依然由彭浩翔電影向來的原聲班底去做——黃艾倫和翁瑋盈（也是《AV》、《公主復仇記》原聲的音樂創作人）。雖然班底是百分百香港人，但滲着法式情懷，《法蘭西》、《法國人惹的禍》及Sweet Truth Waltz等，不過煙或愛或夢，都是跨國界的吧。

用上志明與春嬌這兩個名字，除了和五月天的飲歌有關，也是代表「任何人」——故事可以發生在這個煙城裏的這個男或那個女。而原聲碟裏也有自己的志明與春嬌。今次請來《超級巨聲》的鄺柏廉唱出《如煙》，同一首曲目的英文版Why couldn't be together everyday? 就是由翁瑋盈哼出，沒有什麼歌詞只有「da da da」，但同樣纏繞懾人。原聲碟裏這首《如煙》也令人想起五月天的同名歌曲，湊巧還是刻意確是說不清。戲名和歌名也正中五月天曲目了。

全碟有吉他、有bossa nova、有點waltz，聽上去全是舒服及夢幻。歌曲Can't Stop Smoking及Dream Smoker叫人想起無數不單是《志明與春嬌》裏出現過的吸煙場景。不過與其說是些煙圈或煙霧的歌，不如說是夢想愛情的主題曲──到街邊吞雲吐霧、圍着煙缸談談話，大概都是愛情引子，是給予一個相逢及想像的空間，音樂也是一樣。而原聲專輯也應該提供這樣一個空間，這是我向來對一張好原聲的定義——除了令人想起電影，也可以為聽者提供一個空間，為任何關於那個主題的東西去配樂。《志》的原聲，就是要為那隨時在下一個轉角等待我們的愛情而配樂。

暗中作樂 ——關於失去的寓言

2010-08-10T14:45:00.004+08:00

「黑暗中的聲樂會」，本以為是噱頭，原來是寓言。在漆黑一片中，我們和表演者一同經歷失去、挑戰、尋找和珍惜。進入黑暗，到重見光明，這不只是一個音樂旅程。

Concert in the Dark是人山人海和黑暗中對話的合作，透過黑暗和音樂，讓人感受到盲人所感。但這個經驗當然不只於此，而是一個極度圓滿的──不只是官能上的，更是要觀眾走過由失缺到尋找到目標的過程。由進場說起，工作人員遞上繩索，原來大家只能以繩作牽引，進入完全黑暗的表演場地。要人在黑暗中欣賞節目，當然有很多方法，戴眼罩、進場後關燈等，但大會卻安排這個「摸黑」的進入方法，既叫人驚心，又深切體會到盲人的感覺。而當我們都依賴一位視障人士帶領進場，更表示正在進入一個完全相反的空間，這不再是一個看得見的世界，而是一個靠聽覺、觸覺及語言的國度。

因為缺失，所以完美

經歷一輪「不安全感」進入場館，主持帶大家玩了一個溝通及集體遊戲，以證大家不是孤單。聲樂會以Stand by Me揭幕，是安慰的第二步。因為有了恐懼，才須要依賴，也所以「Stand by Me」來得易生共鳴。

由At 17唱陳奕迅的《大開眼戒》，緊接黃耀明的《黑房》，兩曲也是以視覺暫時失效作背景，前者道明愛情的自卑、禁區，後者則歌頌愛的純粹和存在。這其實才為黑暗下了最曖昧的定義，常人可利用黑暗做藉口或避難所，甚至成為短暫的天堂（黑房為沒有俗例的淨土）；黑暗是可以讓其他感官放大的異域──因為看不到，所以能接受包容更多，甚至令我們愛得更深，至少在這裏，黑暗令大家都更專心。

關於失去，聯繫，還有……黑暗中，導航者着大家和身邊那看不到的身影說話。黑暗中，有些是自己的朋友，有些是陌生人。關掉了視覺，經歷過無助，便到互相關心的時候。I Just Called to Say I Love You 講主動溝通、愛意表達。之後以Shall We Talk? 去提醒觀眾，我們自己生疏了的感情。盲了眼睛，還不如搞垮了關係，是由眼盲而延伸的主題。這首歌是察覺將去，而到《下落不明》時更是失去聯絡。接着《色盲》是完全迷途，《自言自語》更是絕對的孤獨。

但人山人海是「pretty happy and gay」，疏離不能是終結。選了《這麼遠那麼近》，可以聽成是對陌路人的隨想，但也描述了人與人是這麼近，若真的肯迎接，便伸手可及吧。

最後，這個寓言以希望作結，勉勵式的Hey Jude 亦圓滿地證實整個曲目編排絕不盲目。還有每首歌之間則由不同人說出對黑暗、人際、溝通等的感想，也是副曲目。而聲樂編曲裏很多的自然聲，包括風鈴、水滴，甚至觸感的輕風，以及嗅覺的氣油味，及其中一個鍵琴（李昇），都是由盲人負責，俗套地去說，就是他們圓滿了這個經歷。

潛行黑暗空間

在傳達黑暗的意義上，所選歌曲和穿插的歌星╱名人關於黑暗或溝通的格言，可讓全體觀眾感受人與人、人與世界的關係；而在音樂意義上，視覺與溝通主題植在音樂表演之上，是種挑戰，也是種說明──音樂就是我們另一雙眼睛，另一種感官，音樂給我們看到的正正就是另一世界，一個我們看不到但鮮明存在的世界。

而就人山人海這個品牌的意義去說，今次可以算是引起不少對他們舊日演出的回憶。《黑房》是2002年明哥在龔志成舞台劇《M園》裏發表的作品，八年後竟然可以在一個真的「黑房」重現。前者是舞台上的故事，今次卻是整個館觀眾的經歷，令這首歌真正體現了「有你故我在」的那句歌詞。

回憶不是夢。過往他們演出過的曲目，也令今次的歌曲有多一種意義。王菲原唱的《色盲》在2001年《黃耀明沿途監督獨樂樂人山人海音樂會》首度被梁基爵和梁翹柏來個二重唱，雖然不太到音，但意境難忘。今次配以交通燈的聲音，由陳浩峰演唱，我們期待着另一把男聲的加入，他卻獨自完成了。陳浩峰的聲線本身已帶點淒楚的粵曲味，對照之下更是孤身隻影。在整個曲目編排中，就點明了寂寞的迷失。

Technasia 電音聯繫

2010-08-10T14:43:00.003+08:00

五年沒有出過大碟，Technasia一復出，竟然那樣討好香港電迷——專輯名字是《中環》（Central），封面圖片也是我們的中環地鐵紅磚銀字字樣。Technasia DJ Charles Siegling曾說：「電子音樂是最棒的語言。沒有詞彙，只有共鳴、情感與節奏。」今次的共鳴，大概來自香港的車廂沙甸魚市民了。

Central 自然是針對香港樂迷。但也叫人想起，中環除了是屬於香港，也屬於世界，令人意會到Seigling的用心。看放在網上的「音樂錄像」，全都是用中環的照片拼成，紅磚、箭嘴、扶手等，都是中環鐵路的符號。鐵路帶來聯繫，亦和他對電音的寄望相符而合。樂迷不妨走到中環站，戴上耳筒自己闖蕩，配合地鐵本身的廣播及列車的聲音，就更有味道了。

不過當聽到Jaya一曲，就可能有所矛盾——這是難得有語言的曲目，女聲喃喃說着「Time does not exist... what's the hurry」令人想起地鐵從來標榜時間準繩，卻被這首歌反了意義，也算一個浪遊地鐵的趣味。我自己則最愛Heaven is 100m Away，旋律好聽，若真的加上地鐵聲的「下一站是……」就叫人想起下一站天國吧。這一來就成了升離城市，在高空中的哲理冥想。

除了香港鐵路配樂，Central 的其他曲目都很有城市感。歌曲有城市夜景Music to Watch the City Lights Late at Night 極具港色，但也是任何都市夜幕的最佳配樂，電音如歌名一樣富詩意；Tu Isla說的是西班牙巴利阿里海灘，而Aries則是芝加哥市郊的舞廳。全碟用電音一向的留白方式，只是在歌名點明主題，然後由聽者和創作者一齊發揮，閉上眼睛，可以想像一幅幅城市畫面。

電音有時像睡覺時聽收音機，一點點white noise反令思緒更集中。不少人視電音為Party必備，卻有人喜歡以電音陪伴工作或入眠，這就是它的靈活性。Siegling則以共鳴、情感、節奏去概括，又是另一個欣賞方法。Technasia源自Seigling（巴黎）及Amil Khan（香港）的組合，後來Khan退出，現剩Seigling闖天下，但仍維持電音奇才的傳奇。

試聽: http://species-records.blogspot.com/2010/06/technasia-2010-new-albumcentral.html

Remember Me九十年代成長曲

2010-08-04T09:14:00.003+08:00

The Twilight Saga: Eclipse在暑假繼續大放異彩，代言人兼男主角Robert Pattinson早前另一套電影《驚動了愛情》（Remember Me）則不是太受歡迎，可幸是其電影原聲比電影本身吸引。

電影講述一個青年如何經歷成長：和爸爸的矛盾、與妹妹的感情、跟愛人的追逐，還有對文學、神話等的探索……意圖當然是誠心之作，但出來的效果卻太刻意堆砌，不過最叫人接受不了還是片末以 911災難作完結——青年人葬身雙子塔中。不過對電影音樂來說，這個911的結局有另一種標誌意義——那就是年份2001了。

電影設定以 2001完結，亦表示着主角的成長年代以九十年代為始及終。原聲碟差不多一半歌曲由九十年代專輯而來——Alien Lover（Luscious Jackson）、Why Did We Ever Meet（The Promise Ring）、You Can See Me （Supergrass）、Parasol （The Sea And Cake）、Kandles （National Skyline）。其中不乏久久沒有出碟的歌手了，他們在電影中或電影以外，也反映了九十年代年輕人的口味。

至於要反映男主角的反叛，除了這些九十年代潮流音樂， Hanging With The Wrong Crowd （Ed Harcourt）更是道明一切，唱出男主角自覺不屬於任何人或群體的心聲，甚至比電影也到位。成長中總要帶着另類、獨特的傲氣。電影推出時的另一熱話便是套用Sigur Ros的歌曲。Andvari是由他們2005的專輯Takk而來，是品位的顯示。不過到電影出來後，堆砌的效果明顯，連Sigur Ros也被冠上「俗套」的罪名……還是在原聲才能回復潮流身份。

Track Review の似曾相識

2010-07-27T11:56:00.001+08:00

《夏花秋葉》梁詠琪

久違了的梁詠琪呀！即使不是久違，《再見二丁目》作曲人于逸堯加梁小姐，也叫非歌迷期待。不過今次林夕更是焦點所在——歌名已叫人想起《四季歌》，同樣是林夕作品，一聽之下，歌詞更來個文本互涉提「四季歌」，是不是指明哥的《四季歌》已不重要，梁詠琪唱得也有純真也有感慨，很有懷舊味道。

《屈尾十》Hotcha

這首數字歌講數字魔法，三位少女唱由一唱到十，數字雖然不一定代表數目（也可以是歌詞裏的香港名勝八達嶺或港九……），但最終都是代表加起來的十。可以嫌我老屈，但實令人記起《十個救火的少年》，由十走剩三。不過《屈尾十》無傷大雅，數上還是數落，Hotcha 都是開心唱，那怕我老屈，都是數字遊戲而已。

Hanson 長青少男組

2010-07-27T11:52:00.002+08:00

當年由Mmmbop！紅起來的三子，轉眼已長大成人、有兒有女。他們不算紅遍全球，但也算破了Boy Band的壽命——1994年出道，今年推出第十五張大碟，這三兄弟仍舊流行，也算一個傳奇了。

想當年，有Backstreet Boys、N'Sync，喜歡Hanson的話會被人笑孌童。不過他們賣牛奶廣告的樣子仍然記憶猶新，鄰家到不得了，那是前兩隊男子組合也付不起的青春。若果你是英美通殺，Boyzone、Westlife更會令Hanson恍如無物。

不過經過十多年，還在舞台上唱歌的，就只剩Hanson，真叫人慨歎時移世易。其他人都各奔前程，有些甚至過世了，有些則當上經理人，有些離開娛樂圈。成就當然無分高低，Hanson的「長壽」，卻也不多不少標示了boy band式的韌力。

長青，可能真的是因為他們早投身樂壇。當年只有十二、十四、十七歲的Hanson兄弟唱無伴奏合唱團（capella）出道，三人也同樣是彈琴好手（此張專輯第一首Waiting for This就是「琴鍵」主導編曲的作品，是三人的拿手之作），其後各執一樂器，組起band來。玩的是美國最pop的那種流行樂，這張專輯一樣沒變，但可喜是編曲複雜了一點，雖然仍舊是一份90s的感覺。

叫人想起S Club 7的跳舞曲Give a Little、100%適合band迷的And I Waited，典型boyband情歌Use Me Up、主流版R&B Thinking 'Bout Somethin，絕對是很Hanson——還是那個青春熟悉的感覺。

Me, Myself and I算是壓軸的驚喜，有點神來之筆。雖然英文語法裏這三個「自己」是常見玩法，但套用在Hanson身上，更是三位兄弟的形容。三為一體，「When I'm alone in a cold, dark room, well╱There's still someone╱That I can tell my troubles to」，而不斷對舊日及逝去的快樂而感觸，更有Hanson時代意義——他們不是沒有危機感，作為Boy Band，他們大部分的歌迷都是尖叫女生，餘下的音樂路繼續美式「pop」，可以走多遠？固然，現已婚有子的三人，在歌詞方面是有顯示成長。而在自己獨立品牌下能夠出第三張大碟，其實也算是有成績。十多年來樹立了一個傳奇，要保持下去，就要用多一倍努力。

Track Review の嬌嬌女聲

2010-07-27T11:40:00.003+08:00

《畫外音》王菀之

一向不喜歡王菀之竭斯底里地唱歌，《畫外音》來自音樂劇EP《Octave》，是全碟的唯一solo 慢板，聲線比用力大唱的《開籠雀》更易入耳，歌詞亦比與電台熱播的《高八度》說音律主題低調。歌曲靜恬又舒服，要她大叫，只會聽到她的雞仔聲，在這樣的前提下，《畫外音》更令人珍惜Ivana 這種唱腔，百聽不厭。

《星期三的信》周筆暢

周筆暢，嬌，不是吧？一向唱得硬淨的周筆暢，擁有較男性化的歌喉，有點陳珊妮的影子，怎能嬌？但當陳珊妮都可以唱柔歌，她一樣可以為周筆暢寫首像催眠曲的《星期三的信》。全碟最慢亦最寧神，像起時伸伸懶腰的清晨。這歌雖然與星期三真的沒甚關係，但可看成星期三的周中小休吧。

Sex and the City 2 經典典型

2010-07-27T11:27:00.003+08:00

Sex and the City 四女的城市節拍，無論在城市還是異域，當然都是保持動力非凡。之所以在曼克頓，還是阿布扎比，都有精選音樂陪襯。說真的，看電影時，最大驚喜是Bewitched, Bothered and Bewildered（當Miranda邊吻邊講電話）。歌曲是百老匯老歌，不久以前看了英國電影History Boys，男學生邊彈邊唱，幽幽的簡直懾人靈魂，在SATC 2（ Sex and the City 2）裏，效果大大不同，但依舊動人，看到這首曲的多變及靈活。

原聲專輯不但有百老匯經典，也有中東風情，更少不了抵死歌曲—— I Am Woman（四人唱卡拉OK：Sarah Jessica Parker、Kim Cattrall、Kristin Davis及Cynthia Nixon）及Ev'ry Time We Say Goodbye（應該是歌手 Liza Minnelli唱給戲內外的工作人員聽，錄音十分粗糙），都意想不到地收錄於原聲專輯。

雖然不少人可能覺得這樣的組合很蕪雜，既有經典歌，又有異國情調，又包抄演員歌唱版（連電影裏婚禮的合唱團都有三首作品！史稱「The Sex and the City Men's Choir」——真是令人有點汗顏），但也實在反映了電影的幾個面向：經典的歌如片中的黑白電影，象徵最傳統的愛情及婚姻；異國情懷屬於新時代及不安本分的放蕩玩樂；演員的歌唱版也算給觀眾真實感──那也是電影或電視劇一直要做到的吧。

SATC一向以Carrie的獨白為主軸，三位朋友其實也是陪襯的另外範例。今次專注說婚姻，她反思究竟有沒有自訂的婚姻模式？最終，在她給機票錢印度管家飛回印度便可知一二──雖說印度管家幾個月見一次太太，跟她自己與Big的一星期一天不見，都可以是另類婚姻模式，但其實，最好的婚姻都是最傳統的天天相見，才算最成功及甜蜜。她所追求的刺激，被前度男友一吻瓦解。她畢竟都是中女了，還能玩小女生的「分手說愛你」嗎？電影最後一首配樂True Colors，和Big送贈Carrie的黑鑽一起上場，既然他看到自己的獨特顏色，所有「刺激」其實就在婚姻本身吧。

不少評論都批評電影，但其實她們都是都市女性的典型，又或是大家心底裏不想承認的典型。用經典去配樂，加點反叛，加點實況，終有一天會被認為經典吧。

男人的歌唱累了

2010-07-27T11:22:00.004+08:00

註：題目語出歌曲《男人唱的歌》（安琥）

與其說是「男人的歌」，不如說是「男人苦歌」。所謂最有男人味（又或麻甩味）的歌，可借以下歌詞來概括：「我不能帶你去遠行╱如果想我了就看天邊最亮的星星╱我只是遺憾」（《會有天使替我去愛你》，安琥），而那大多都因為自己不夠好。用英文的話，則可以簡潔一點：「male guilt」。二字點明那種耳熟能詳的歌路——英國的Tindersticks、Black Heart Procession，陳昇、周華健、齊秦等等，以最歉疚的聲調唱出男人最痛。

這些很有年代性的主題，隨著不同的社會背景，都會衍生異貌同質的男人之苦。就香港來說，王傑一向是代表，可能也與他的仕途有關，真正是滄桑之聲。但其他人當然不盡傷痛，可能香港的歌手都不甘只做「內疚人」，不願做清一色苦男人。畢竟，香港的男人頂多只願認是弱男，要做全心奉獻又沒愛可戀的話，實在太老套。

反之台灣及內地就很喜歡這份帶著哀傷和偉大的苦情。例如在的士上，就常常聽到司機播著這類國語慘情歌，令人不得不想像司機背後為工奔走而犧牲愛情的故事。當然，即使這是客人多餘的幻想，在香港成長的人，總有一兩個求愛不遂的男性朋友，喜歡在酒樓又或K房大唱特唱此類歌曲。

孫楠、安琥　年齡的錯位

長篇大論說這種「男人最痛」是因為近來留意到兩位憂鬱男人出碟，放在一起便成苦男之聲系列。孫楠及安琥，兩位在中國內地現在都大紫大紅。孫楠差不多是中國代言歌手了，無論奧運還是世博，皆有份演唱推廣曲。而安琥則是著名主持人，還是歌影兩棲的藝人。有趣的是，這兩個相差五歲的歌手（出道年份則相差七年）剛推出的大碟，都是走差不多的男人歌路。

孫楠《活得美好》和安琥《男人的歌》都有憂鬱男標誌：默默的守護、痛苦的失去、對永恒的寄願、對往事的追憶。雖然也不盡是，但大部分都是寂寞心傷之歌。不過令人驚訝的是老一點的孫楠唱的竟然傾向較兩小無猜，而安琥則刻意用沉實的聲線，唱更老更滄桑的經歷。老孫的《戀愛物語》及《小小的幸福》，天真得像男孩少年夢多於男人心底話。反觀安琥的《男人唱的歌》及《寂寞活該》，以男人身份又說累又說債，不像他本人的活力小子性格。

二人形成有趣的錯位對倒。

淡化的苦男情懷

其實有意或無意的錯位，不難看出是要淡化苦男心跡。與其要轉進苦男人愛女人的死胡同，不如拿些不相符的主題，開發更多男士心曲的可能性。今次二人也有拿「朋友」的主題來歌唱，孫的《兄弟一場》談男人情誼的豪情，安的《再見朋友》則道盡肝膽相照後感性的拜別，安還有另一首《男人天生活受罪》，更為一眾麻甩男人唱出更全面的宿命。

其實安琥有點任賢齊的影子，既是唱得苦情歌，也有跳脫的小男人歌路。今次的《醉紅顏》巧妙用潘金蓮來說愛的執著，旋律又如主題一樣充滿中國風，中西古今並重，真正叫更人留下印象。至於孫楠，較活潑的有Happy Hours，是花天酒地的一夜情懷，和「潘金蓮」一樣，帶著禁忌卻歡天喜地。二人都分別如放下傳統苦男一面，笑迎愛情及歡樂，有點像港式的及時行樂，但還保留中國式的唱法和旋律，苦男人可能真的要絕種了。

其實這陣子還有一個男人情歌代言人出碟，就是台灣的陳昇。不過這位殿堂級的苦男這次完完全全離開憂鬱。剛推出的《P.S. 是的，我在台北。》，把深情自白擴闊到描繪台北的大小人物，少了傷痛，多了親切感，放開男人浪子之苦，踏入另一階段，也是叫一眾昇迷開始踏入化景，輕鬆笑看身邊事吧。不知道等多久，孫楠和安琥會來個「突破憂鬱」？看他們愈來愈淡化單一苦男形象，可能這個改變也不遠矣。

Kick-Ass 為惡搞正義配樂

2010-07-06T10:10:00.001+08:00

惡搞，但有效——這是電影Kick-Ass的主旨兼魅力。個個發達社會人人自危，街頭和議事廳的暴力、老闆和大財團的勢力，市民無力無助，政府則無策無能。不是個個可以做Watchmen，但Kick-Ass精神卻是人人扛得起。這可能也是條出路吧?

傻小子沒有錢沒有勢，因看不過街頭欺凌及殺戮，自己買件比萬聖節服裝更醜的綠色套裝，手無武器走去打壞人。引發一段段笑話也引得真武士出洞——Big Daddy與Hit Girl，但兩人背後為母復仇理念就不及Kick-Ass的為民請命偉大啦。

原聲如電影般振奮人心。音樂差不多首首由對白引入，酷斃，還突出了精警對話及歌曲歌詞的關聯性。就拿兩首trailer歌來說，Prodigy的Stand Up及The Dickies的cover version Banana Splits又型又好玩，配合抵死畫面，是理所當然的主題曲。

前者雖然沒有歌詞，但歌名道明一切，用的是旁人與Kick-Ass小子在其出場時的對話作引子（Who are you? / I'm Kick-Ass.），在片中亦貫穿整套電影。後者則是打女Hit Girl的御用配樂，在trailer中則為Hit Girl的好身手的伴奏，帶點淘氣。歌詞本身是香蕉飛來飛去的胡鬧歌，而專輯則找來其中一句她最「惡搞」的對白去做歌曲前奏。Kick-Ass被她救了後，問怎樣能聯絡她，她認真地叫他用市長的訊號燈打向天空，還補充說燈號的形狀是一支大陽具（挪用了Big Daddy扮的蝙蝠俠橋段）。那當然只是笑話，但歌曲沒有剪入他爸爸的更正，便直接跳進Banana Splits的旋律。其實香蕉配陽具笑話，比起配她的打鬥格更恰當。

這張原聲碟不單聰明在於引入對白，更重要是選擇對白時，不僅配合歌曲氣氛和歌詞，還全面地概括電影的多種關係：We're All In Love配Kick-Ass與女友的互相挑逗、Omen配Kick-Ass回應以死捍衞陌生人的對白、This Town Ain't Big Enough For the Both of Us雖沒有配什麼，但歌名已一矢中的地描述了Kick-Ass與亦敵亦友Red Mist的關係。情人、同路人、友敵人，都若明若暗地出現在OST，令專輯即使不是囊括所有歌曲，但在另一意義上完整無漏。

聽畢全碟，覺得簡直是重sell電影一次——沒有看過的話，聽完一定會心癢癢去看看那些對白的背景。只要看過電影的，一定會覺得對白跟音樂配合得無懈可擊！

Track Review の一個人的途上

2010-07-06T09:59:00.001+08:00

《英雄勇》周國賢

周國賢曾雄心壯志要重組Zarahn，一年後，夾band 夢碎，回歸個人發展，他和歌迷都像發一場夢。唱《英雄勇》不單是熱血紮醒，更重要是肯定重新上路的勇氣。他在訪問中曾表示不怪少爺仔隊友，人人有本難念的經，夾band 難以填肚，又或養妻活兒，所以「未富翁∕我跟你也都想有用∕望太空∕哪一個看得通」一定是已有三女的他，嗌得最歇斯底里的歌詞。

《二缺一》蔡卓妍

專輯名字《As a Sa》是個貼切的形容。重點是中間的「a」，真的只剩她一個，若然Twins 還未有復合消息，就更有獨自上路的意味。《二缺一》令人想起Spice Girls《Two become one》，只是意義相反。可能因為有廣東話已唱得太多，在這張國語專輯就放得很後。比《英雄勇》，這是陰柔的哀愁，歌詞全是寂寞傷感，幸好歌曲以外 Twins 於今年會復出，否則多爽快的旋律節奏都掩蓋不了孤獨。

轉載: 父權、馴服

2010-06-30T11:47:00.005+08:00

C09 新園地斷章寫義
By 愛瑪 2010-06-16

他愈對她不好，她卻愈想得到他的認同。除非直至她有另一個爸爸，就如母親改嫁了一樣……妹妹盡力伸出手的形象，和兒子的決絕態度形成強烈對比。妹妹仍希望建立連繫；媽媽完全把連繫轉到另外一個人，兒子則是奮力剪斷連繫，卻逃不過父親的照顧……把權力用於來保護兒女，實是父權的另一面。受落的兒子最後在“九一一”裏死亡，似告示一切表面安好，卻是末日來臨……完全被馴服的兒子，一死以謝天下，卻無減父權所帶來的傷害……而片末妹妹拖著父親的手，不是幸福未來的預示，更似一個女孩逃不過注定要被馴養的命運。

【〈《驚動了愛情》驚動恐父情結〉，林綸詩/影評，《信報》，二○一○年六月十日】影評有時候比電影還好看。不在於評論者是否準確解讀了電影的語言，而在於評論者本身的社會視野，她/他所關注的現實問題是什麼。

如果沒有影評人的延伸，大部分人可能只會把這部影片視為“親情與愛情”的探討，一個“強人父親愛護家人卻不獲理解，最終落得妻離子散”的老套故事。而引入了 “父權”，這個可以追溯到希臘神話的古老權威作為解讀元素，話題就變得很有社會性和文化性——如果每個人心裡都帶著受到父權的保護/傷害的陰影，來自個體的情懷匯聚到社會上時，會出現什麼狀況？

八○後、九○後的相繼躁動，當中有多少人是影片中的“兒子”？他們在成長的過程中，面對強權冷漠的 “父親”，覺得做什麼也是徒然，如今奮力要剪斷連繫、掙扎著不被馴服。又有多少人是“妹妹”，就算被不禮貌的對待，承受著傷害力不比體罰輕的冷暴力，仍然變著法兒要引起“父親”的注意，希望最終能得到他的認同？又有多少是“母親”，以為換一個“父親”，就可以換來一個希望？當然，不少人最終靠向父權，遵循千古不變的馴養定律。

我們的身上，都有著馴服和被馴服的遺傳因子，每個人的成長過程，都是馴服和被馴服的搏鬥。

re: 《驚動了愛情》驚動恐父情結

The Anatomy of Timo Raisanen 剖析瑞典出品

2010-06-29T12:27:00.002+08:00

瑞典品牌在國際市場愈見厲害，單看IKEA和H&M，便可知一二。小小的國家，卻是多產的出口國。不過成功的零售策略歸策略，它們的設計並不是驚天地泣鬼神。要衝出國際，其實只是用了最平庸和普及的手法去做。

故此，瑞典獨立音樂人Timo Raisanen反而有點另類驚喜。關於Timo的崛起，也與H&M有點同步。不過除第一張大碟，較引起話題的作品，其實要到2008年的翻唱專輯 ...And Then There Was Timo。當中大集燴全通殺，由Whitney到Mariah，AC/DC到Radiohead的作品皆存。別介意他濫，結果也獲好評，是走向國際的第一步。

今次回歸自己作品，卻隱約還見「致敬」之跡：頭炮Cocaine令人想起Eric Clapton之作，同樣以Cocaine擬人化。但當中提到的White Lines更是Grandmaster Flash的名作。不過以上兩首一首歌頌一首警告，不能憑此而知Raisanen對可卡因的定向。不過瑞典作為極度反毒的國家，也不難想像國際化的他要離經叛道，細嚼歌詞後，其實除了有點點羞愧之心，都是關於舒服的感覺。對於嚴打毒品的瑞典（在西歐是出名注重），這首歌可算超出底線，卻也可看成挑戰瑞典式穩當，真正以獨特性殺出國際。

可卡因是邊緣主題，另外Outcast 一曲同樣遠離俗世。不過，想必每位愛音樂之人，閉門聽歌，或塞上耳筒時，誰不是當自己是outcast一名？進入自己和歌者的空間，有點孤獨兼無人了解，卻令人沉醉其中。「a voice has always told me where to go」絕對是「耳筒人」心聲，而「who's gonna take me home?」更滿足了遊街浪人心聲，是為我全碟的樂迷至愛。

從來覺得獨立歌手製作的音樂，都容易聽得到咬字讀音，不知是否與獨立精神的簡約或未加工（raw）的傾向有關。聽Raisanen的英文，總覺得清晰，字字聽得出意思，有點像香港人唱英文，往往能讓我這個香港樂迷領悟到九成。一半印度、一半瑞典血統的他，其實是以英語為母語，只是英文單純簡潔。有點像我們的Ketchup。他第一首solo作品（及後發展至專輯名稱）Lovers are Lonely，就很有Ketchup味道。碰巧這張新專輯壓尾歌 We Are All Gonna Die，歌名也很有茄汁味。大概Lovely Smile（Ketchup, 2001）都教我太深刻。覺得他是非英式的英文歌，其實是想對比香港的英文歌，這種熟悉感也可能只是一廂情願吧。他的易聽及非正宗英語特色，其實才是感動無國界樂迷的必殺技。

Track Review の音樂為何

2010-06-28T15:50:00.002+08:00

Rap Along Song 農夫

繼O'FAMA專輯後，農夫似乎對自己寫歌不寫歌、得不得到認同的主題窮追不捨。這類「理想自白」歌，是陸永C君的拿手好戲。當年一首《456Wing》打響名堂，農夫亦從此成為自己最佳的代言人；O'FAMA可被視為當紅後重新回顧，但《Rap Along Song 》又繼續差不多的吟吟自唱，就是重複了。幸而形式方面有唱有rap，當是聽多一點歌喉。希望他們不再重複，是因為知道他們有能力和創意做得更好，別墮進創作人的窮胡同。

Fool's Day Blur
其實重複不是問題，農夫大概可以以另一角度去表達寫歌熱誠。繼2003年，英國樂隊Blur終於再走在一起。事隔七年，沒有攬頭攬頸說重聚，也沒有滄桑感嘆說唏噓，更沒有太過刻意說理想。主音Damon淡淡寫來英倫典型生活——麥皮弄好，湊仔返學，騎上單車，再由一幅幅倫敦風景﹕Woolworth's 、Ladbroke Grove、subway，移到文化場地、劇場，最後以他們自己的studio為終點。很「english」的過渡，以景說情。世界萬物回到音樂為動力，加上既懶惰又富節奏感的音樂，好美！

歌者的自白與顛覆

2010-06-23T15:53:00.004+08:00

緣起小克在《東TOUCH》創作了《一絲不掛》的惡搞版——《一支得》，原唱者陳奕迅看到漫畫後，竟然嚷要唱。小克改編歌詞不是新事，陳奕迅也是好玩之人，此舉特別是在於為何陳先生會選擇這首歌。不是《2001太空落油》（原曲《2001太空漫遊》），也不是《沙蟲》（原曲《沙龍》），更不是其他小克改編過的佳作，而偏偏是此時此刻的《一支得》。以他這樣身價地位的歌手，翻唱一首山寨歌曲，在電台節目「雲妮鍾情」只唱一次，不為名也不為利，為的可能是替自己的純愛歌路形象加一點社會注腳。

受室內禁煙的影響（還有電影《志明與春嬌》的效應），吸煙與不吸煙不算全城話題，也算社會共鳴。《一支得》是關於一個煙民的故事，以吸煙者寂寞痛苦及被追打的過程，間接勸人戒煙。雲妮在電台節目說小克想過以此曲為癌病基金籌款，可知歌曲雖過癮好笑，但背後意圖是有多善意。而這正是陳奕迅親身演唱的意義——他不是挑從前小克填過的什麼改編歌，而在陳也未必自知的情況下，選擇以惡搞去關懷社會，這也正是他對自己形象的顛覆。

自白非「自白」

那陳奕迅的形象是什麼？大概可以說成是歌唱事業的「自白」。或許「自白」這個形容太自我，陳奕迅在樂迷認知裏的「自白」，也就是市場策略的定位。陳奕迅當然是情歌王子，歌聲好聽，唱出戀人心聲，卻不致於首首K歌。愛迷樂迷有口難唱，惟有靠Eason代言那最窩心的滄桑及深情。不過儘管他是如此走紅，陳奕迅卻是志不止如此。在現今樂壇，他的聲線無可替代地成為情歌的最佳代表，但也因為近二十年香港樂壇以情歌主導，「好聲」反而規範了他的歌路——除了情歌，他無路可逃。不過，他選擇顛覆，正是在樂壇以外、一切市場定位的遊戲規則以外。聽他的訪問便知道，他自己的性格與情深似海或傷春悲秋相反，其中他很喜歡的一首歌《最後今晚》，關於新郎婚前的最後一晚，他說最愛一句「最後今晚明晚只得冷飯」正正顯示了他是「深情」的相反，而且還帶點刻薄，他認為這才算「一矢中的」。這就是真的陳奕迅——至少是陳奕迅其中一面，其中一個很少在他的歌路中出現的一面。

這就是歌者自白的矛盾之處了。自己想唱什麼主題、傾向什麼價值觀，在香港樂壇往往是市場決定，而非自己。從前，Beyond還可以唱種族歧視，黃耀明還可以唱同性或禁戀，但現在社會性或小眾話題少了，謝安琪和RubberBand還是被人當小品。

正經╱惡搞誰夠資格？

除了社會意識較強的主題，歌者的自白經歷從前也廣為樂迷認同——樂壇在主題上是更開放和多元，當然也必是來自殿堂級人馬。張國榮勇敢地唱《我》：「多麼高興在琉璃屋中快樂生活╱對世界說什麼是光明磊落」，但現在泳兒唱《無緣罪》：「回家歸隱更好嗎？離開風吹雨打」，總是覺得不夠份量，更遑論資格；關楚耀唱《一年》也不會像羅文的《幾許風雨》，不是一年和十年的問題，只是關真的沒有「一個我默然承擔起一切怕什麼」，而羅的「看透世態每種風雨」至少是不容置疑。如今歌手少了獨特氣質，同時也只像挪用一部分的明星經歷作為「另類」主題，實際是其實他們都扛不起這樣的「我口唱我心」的題材。

陳奕迅其實也明白這個道理，在如今什麼都講求輕巧的年代，即使他步向殿堂或宗師地位，他也從不拉嗓子唱滄桑：在非情歌還未能成大勢時，他更沒有選擇刻意背棄深情路線，真正想唱出自己的態度或赤裸地表達一下社會意識。他倒不如走「法律罅」，假手於人，再拿來翻唱。於是他是非正式地唱《一支得》（絕對只限電台節目播出，甚至連籌款歌曲也不做，雲妮一再強調只是作最簡單的一次式播出──當然，YouTube上的點播率其實也早比得上一隻單曲發表）。他笑言若自己不唱，就會被王祖藍拿去了。這也證明Eason即使不是有意識地，也算是刻意地以惡搞精神，顛覆了自己本身的固有形象。而這第一次與深情形象正面衝擊的，就是對禁煙戒煙的社會性關心。在當代樂壇，他可是第一人。

延伸:

Track Review の世盃Special

2010-06-14T09:24:00.001+08:00

《細街盃》 RubberBand

主音及填詞六號說，香港真的有不少人以為非洲是一個國家。

從來，世界盃或奧運及其衍生版都是振興國家/城市經濟及名聲的機會。所以當南非舉行世界盃，而（立法）首都又在開普敦的時候，那麼大家一定可以推斷南非是一個國家（不知會否令人好奇一查，南非也是全世界唯一有三個首都的國家）。當開幕前已有搶掠不斷，香港可是更好的觀賞距離。但眼望遠方，卻大多忘了身邊的非洲朋友。RubberBand唱的卻不是遠遠的南非，而是聲東擊西，由世盃拉回來香港版圖，歌曲不單不只說南非，而是從非洲這塊大土地所來的居港非洲人。由從喀麥隆來的搬貨工人，到鄉下「加納某海邊／現專收手機與電池」的街頭黑人，踢波如搏命，一隊非洲球隊在香港如何混？只聽歌曲不足夠，不妨看看誠意 MV，非洲土產風俗及動物（例牌African images！）crossover香港的非洲人，音樂錄像頓成紀錄片，反映現實的意圖，在流行文化圈實屬真誠。

非洲人在香港

不妨借題發揮，同時受歌曲響應關心下本地非洲人。除了安庶庇街（MV中的大坑、銅鑼灣地段），更易被標籤的非洲人集中地熱點就是尖沙嘴。在重慶大廈內有香港少見的非洲菜，老闆說是為非洲生意人（包括烈日當空收舊手機的他們）而設，因為在香港太少非洲正宗菜。地面層還有一間賣街頭服飾，闊tee還有非洲大小國的國旗。世界盃前夕，店主入了球衣，自己則是支持法國隊。就像菲律賓人支持西班牙和美國隊，香港人支持英國隊，殖民者最大的收穫原來是世界盃多了很多支持者。然後世界各地殖民者與被殖過者都一起歡呼。「願望每個鄉里／今天覺得完美」，世界盃期間，鄉里更多，更給個原因和機會，讓人了解足球場以外的萬國旗。

《驚動了愛情》驚動恐父情結

2010-06-11T14:31:00.003+08:00

可能會令一些「情」迷失望，《驚動了愛情》驚動的不是觀眾的愛情神經，而是那不少人無法磨滅的恐父情結。

低角度遠攝，再加男主角自覺的擺姿弄態，畫面上的美學都太刻意，幸好不是每個鏡頭如是。再有希臘神話的參照、甘地的名言，以及Sigur Ros的音樂，刻奇到不得了。其實沒有文藝、甚至愛情的包裝，單單是電影對父親形象的探討，已是足夠令人深刻。太多的枝節，反而有點吃力不討好。

以自殺弒父

逝去了的哥哥一直是父親的罪證，受不了嚴父的期望和壓力，自殺去了，只剩下弟弟讓仇恨延續下去。哥哥曾經留下希臘神話一書，像是遺言，伊底帕斯的故事更給弟妹作個暗殺密令—我們都要刺死父親。以為英文片名Remember Me是如Tyler （羅拔柏迪臣飾）胸口前的紋身，要念記哥哥Michael，誰知到最後竟是Tyler一死以謝天下，Remember Me是這位和哥哥同死在二十一歲的弟弟，希望對家人、愛人和觀眾說的：我接受爸爸那一刻，正是我要死之時—這亦是異貌同質的弒父結局。

電影以他的自白就更顯得適合。他每一句說話、獨白，都是要為自己留一點痕迹。他引用甘地的話：「人生中你做的任何事將會是不重要的，但最重要是你一定要做。」（Whatever you do in life will be insignificant. But it's very important that you do it.），那是他的人生宣言，起初只認同前半，後來慢慢明白後半，卻是與逐漸認同父親同步。強權冷漠的父親（皮雅斯布士南飾）令他覺得做什麼也是徒然，對血緣親人的憎恨，化為對自己的頹然，令他消極地過日子。暴躁、被動、逃避，直至爸爸為妹妹緊張，更實質浮面地做爸爸，卻令他最後死在爸爸的辦公室裏。

妹妹Caroline剛好相反，同樣缺乏父親的愛，導演用另一套影響套在女孩子身上。當然不能籠統地把這二分為男女不同的反應，但妹妹的態度也正是媽媽的雛形（妻子從來對丈夫也有戀父的情結）。無論父親如何對她沒禮貌，癡癡地問為何爸爸不愛她。她還傻傻的希望爸爸會看她的畫。他愈對她不好，她卻愈想得到他的認同。除非直至她有另一個爸爸，就如母親改嫁了一樣。

希臘神話宿命論

妹妹盡力伸出手的形象，和兒子的決絕態度形成強烈對比。妹妹仍希望建立連繫；媽媽完全把連繫轉到另外一人，兒子則是奮力剪斷連繫，卻逃不過父親的照顧（以律師身份幫他保釋）。電影極力把這條線與希臘神話的宿命論扯上關係，其實卻不如另一條故事線有力： Ally （艾美莉迪韋雲飾）的父親是個警察，媽媽卻在她的眼前被匪徒活生生用槍打死。父親的控制和佔有欲來自因保護不了母親的內疚感，卻造成宿命式的結果。 Tyler父親的律師職業，跟Ally父親的警察職業，成為對兒女緊箍的魔咒。

最後父親以專業身份的資格及權力，令欺負妹妹的同學被迫遷校。像神一般地降臨，兄妹都受落了。把權力用於來保護兒女，實是父權的另一面。受落的兒子最後在「九一一」裏死亡，似告示一切表面安好，卻是末日來臨。臨死前，Tyler發現父親電腦有他們兒時的相片，大大感動，卻原來成為他人生最後看到的安慰。完全被馴服的兒子，一死以謝天下，卻無減父權所帶來的傷害。若父親從小至大，都是以這樣的態度去對待親人，那幾張相片算不了什麼。而片末妹妹拖着父親的手，不是幸福未來的預示，更似一個女孩逃不過註定要被馴養的命運。

An Education的非傳統「教育」

2010-06-11T14:05:00.003+08:00

電影An Education以1960年倫敦近郊作背景，原聲歌曲貫徹電影主題，可以說是值得獲很高評價的電影配樂——選曲和敘事配合得天衣無縫，不造作但挪用得極致。絕不限是互相利用。

電影講述十六歲的女主角，因邂逅三十多歲的男人，已得到截然不同的眼界，也就是不一樣的教育。傳統學校教育、追求入讀名牌大學的理想，與有錢給她物質和文化視野的男人、和做他妻子的另一種未來形成先後對比。男主角David以金錢為她買來的文化藝術經驗，也與她在學校得到的互為矛盾。她作為女孩和女人之間的階段，也正是六十年代baby boomers解放前後的代表。於是音樂不單是那一代baby boomer的「飲歌」，更成為她獲啟蒙的象徵。

英倫近郊，本身就有着偏離中心的意義，歌曲雖多是舊曲，但不用較典型的做法——不以當時反映青年偏鋒的R & B或搖滾，而是找來soul jazz：Tell The Truth （Ray Charles）、Sweet Nothin's （Brenda Lee）、Comin' Home Baby （Mel Torme）等，伴着Jenny接觸社會、受到衝擊的過程。用上這麼詩意的表現手法，也大概與她本身的品味有關——渴望長大、接受啟蒙的她熱愛法國文化，對其奔放及自由充滿幻想。故Juliette Greco的歌曲也來得恰到好處，在電影裏更是必要之作。第一次Sous Le Ciel De Paris的出現，是Jenny巧遇David之後，回房間開大音響邊聽邊唱，爸爸立刻拍門，說那不是「課程」的一部分（Jenny父母望子成龍，要她一定要考好高考），要她停止聆聽。這首歌成為父母原本期望的障礙。第二次Sur Les Quais Du Vieux Paris則是Jenny與David一起後，他歷史性地帶她到夢寐以求的巴黎，而此時Jenny的父母已完全接受David，並為她和他一起而沾沾自喜，父母的期望一百八十度改變。至於女主角，Juliette兩首巴黎之曲緊扣着她的夢想——不只是法國文化，更是David作為視野及愛情的第一扇門。

到最後，Jenny發現一切都是謊言。她努力回到校園，重返原本的理想，全都變為純音樂。直到最後一首片尾曲，是Duffy的Smoke Without Fire。每一句都是為Jenny而唱，「You never loved me you were never true. There's no smoke without fire, baby, baby you're a liar. 」音樂、歌詞重新成為Jenny的一部分，但意義大不如前，不再是關於夢想、愛情、美麗大世界，而是被騙的感情、永不磨滅的傷口，從此她平實地繼續活下去。

由宿命共鳴去說五月天

2010-06-01T13:50:00.003+08:00

五月天一年一度又於5月份空降香港。台上依舊青春親切，台下如常熱情光藍。其實五月天的演唱會很有宗教色彩——那當然是藍色。今年如以往一樣，歌迷由頭唱到尾，沒有一首休息過，難聽到阿信獨唱，是我一點點的遺憾。阿信在聖祭台上，還是有叫大家拖手，還是有叫大家拿電話出來做閃亮星星，但歌迷們都不願放開他們的藍色螢光棒。這樣的膜拜和忠誠，幾乎是獨一無二的。

阿信和五月天所栽種的種子，在歌迷心中牢不可移。從五迷如何熟背歌詞，而且字字深情鏗鏘，我們可以知道，五月天最厲害的，是對城市人宿命的描述和態度所引起的共鳴，此所以我說他們是宗教式的。

自己就是夢想的敵人

Mayday教條不是說道，而是以人人必會遇到的命運為主題，那幾乎能擊中任何一個人的心坎：由成長的代價、愛情的傷口、磨蝕的心靈，到獨立的自主、永恒的青春、後悔的洗滌，還有近年愈見明顯的自我肯定、重新開始、尋回主權。他們每年的medley都可以不同，但亦不難組合，因為主題核心都一樣。

十多年來，不難看到阿信所填的都是同一個態度，隨手拈來DNA可以是《人生海海》的延展（奪回自主權），《離開地球表面》是《瘋狂世界》的後篇（逃離煩擾通規俗條），而阿信每次新寫，都加一點點變奏，這並非用詞和包裝上，而是態度上會有點發展，認命、應對、希望、轉化，十多年來是進行式的一直靜靜滲進歌詞。例如近年會加上多一點怯懦，反映出後青春遇到的制約（今次演唱會播DNA錄像時，有一句「自己就是夢想的敵人」，就是這種走多一步的深思）。

青春和後青春

今次演唱會，阿信問了一個很有趣的問題。他說知道近兩年才有人喜歡五月天，叫他們不要害羞請舉手，然後打趣說讓大家一同嘲笑╱歡迎他們。他自己口講亦心知，這班人是「上了年紀」。作為五月天的主填詞人，他不僅明白人生的遊戲規則，更重要是明白引起共鳴的規則，把前者應用到後者。在這個城市人宿命的主題裏，他不斷演化，卻從不離開城市通病、普遍情感的範圍。

這樣五月天的火箭不單可以一直載夢想的烈士，而且還不斷令人加入。

每次近距離的面向五月天、一個場館內的同步吶喊，熱血沸騰到頂時，時光像會在剎那間停低，然後可以看到身邊的人，如何忘我，如何投入，如何拖手大合唱，彷彿不知道時間已經靜止了。

大家為他們這麼瘋狂，不單是為那鼓勵你不斷向上的勵志歌詞，更到肉是那道出對失去的傷痛、對成長的無奈、對社會的迷惘，像《你不是真正的快樂》，一歌道破百樣後青春的悵然。

距離的美

五月天是在最適合的距離，那是他們的成功之道。一當然是地理上的距離——他們從不紮根香港，但也從不忘記香港。

其實不太懂國語的香港，是他們的一個是家不是家的home sweet home，卻令香港樂迷更珍惜他們，久不久還可以買張機票去朝聖。

但更有趣是青春概念上的距離——對很多喜歡他們十年以上的，他們是青春的印證，但對更多人來說，到投身社會才被他們「啟蒙」的，必愛得更熱烈，因為他們唱的是《後青春期的詩》（2008年專輯，後來更成為九把刀小說的靈感）。那種永遠和青春有距離，但又不斷把它重提、回憶、反芻，正中每一位其實早已失去青春的人的共鳴。

放諸香港，為何「後青春」是重點，或引用五迷用語：是穿透靈魂？中學去情感消費這種音樂，是因為五月天為他們填上青春的顏色。

但是，對早已長大成人的後青春一族來說，脫離校園後才愛上五月天，是因為五月天能為他們唱出後青春的無奈，夢想的追尋是理想一籌莫展的變奏，任性的保留是對社會僅可以的控訴。而且可憐的香港人，大都是脫離那恐怖的考試生涯，才能回顧夢想，才有閒暇去想清楚。

五月天是個神話，在台灣是，在香港更甚。每年他們來香港，都是像聖祭一樣，而且必定爆滿。無論在台灣他們是不是被其他樂隊蓋過風頭，也無損他們在此的地位。

歌迷的年紀跨世代（也可能後青春的人其實才能更深切體會歌詞所言的無奈、希望和擊破）。他們以台式深情，再加上節奏拍子、青春夢想、打破孤獨，更重要是五月天命題裏那種積極的看透，卻同時有理想的肯定。歌加詞的力量，像味精一樣，一聽即擊中感蕾（亦此所以有人說他們並非搖滾，而是普普流行曲，但這都是題外話了），令人一聽振奮，二聽難忘，永遠忠誠。

絲襪小姐十步一景的驚喜

2010-06-01T13:48:00.004+08:00

絲襪小姐《就等故事都經過》

絲襪小姐賣弄的不是性感。這可叫人失望。這是自2003年出道以來的第一張大碟，不用絲襪騷腿，當然也值得大家留意。台灣實力樂隊加上鄰家女孩聲線，儲夠實打的Live經驗，才養精蓄銳出碟，以為又是太過意料之內的台灣樂隊公式？他們卻給你不一樣的驚喜。

剛來香港首演的甜梅號，其中一個成員小白也是絲襪小姐的吉他手。純熟的技巧自然是保證。甫出道，有人形容他們的音樂為醇熟，醇厚且熟香，像可以做紅酒的葡萄，不免少了歐陸式想像，更與Lorna比擬，讓你未聞其聲也會大約猜到他們的味道。作為香港人，我卻聽得一步一驚心，明明遠在寶島，卻有小時候的似曾相識感覺。差不多聽了一半，竟然想起903 DJ Mini出的《豁達崇拜音樂明信片》（請來的音樂人有林一峰、李端嫻、亞里安、王雙峻等等，是以環境音樂為題），他們的音樂同樣帶點dream pop，加上雨聲、環境音、電子樂……這是第一個親切的驚喜。

那些小提琴，還有口琴還是手風琴，可能都是關於較個人的回憶。但客觀來說，他們的編曲是很細心。這不一定與樂器多寡有關，而是樂隊對每件樂器的尊重，讓每一首歌都聽到他們的存在、不同的角色。Run Away With Me的影像感、《我會在那裏跟你說再見》的哀傷、《去旅行》的忘不了，由小號、琴鍵、木結他悠悠帶出，電子音樂只在適合的地方出現，不過火……這是第二個恰到好處的驚喜。

無論女孩用多麼不同的調子去說故事，始終她還是她（主音是個擁有男兒頭別名的女孩，小龜）。有層次的編曲讓人期待有層次的和音。聽畢九首，在第十首《我家也有綠油精》竟然在聽者的夢裏出現了一把男聲——另一個寶島兒子的聲音。歌曲是離家打拚的年輕人唱給家人的歌，即使住在沒有城鄉之分的香港，聽者也一定感傷。這是最後（給我）的驚喜。

而所謂十步一景，就是每一個歌曲故事，確是截然不同的風景。雖然都是出自主音小龜的手筆，但每一首曲風都有特色。慢歌每一首也動人，沉靜的、冷嘲的、哀怨的，反令逢Live必唱的打band歌《下雨的墾丁》成為最行貨之作。

Track Review の 80、90年代曲

2010-05-31T16:56:00.003+08:00

八十後時代曲 C AllStar
以80 至90 年代的《430 穿梭機》、《輪流傳》、《夏日寒風》、《今天應該很高興》融入一○年代的流行曲。不夠熱鬧還可找來鍾舒漫的《八十後的情書》，把大時代與個人成長同放在「80s」的時空框裏共冶一爐，七至八至九十後不妨同在K房吶喊。用這觸目的詞去命名歌曲，還不是要說八十後青年火紅的今天，正是回顧與他們咁高咁大的歌曲之時了。適逢譚詠麟近來為演唱會宣傳，也着歌迷以他的八十年代曲回想個人的經歷，廿幾年前的音樂，廿幾年後來重現，是宣傳手段，也是順應這拖長了、足三十年的懷舊熱。

《90 年代曲》 KZ
KZ 緊接這一堆歌曲而生成的《90 年代曲》專輯的概念，實屬雷同，確真的延續了這一浪懷舊潮。無法把曲目抽出對比，皆因全是90 年代的最佳代表：壯麗的驕陽似火的《紅日》、《海闊天空》，深情深刻的《容易受傷的女人》、《明天我要嫁給你》，還有不知不覺原來已12 歲的《頭髮亂了》，全以hip hop 及新詞包裝，但竟然有更窩心真摯的感情。回望之餘，更重要是重塑及挪用，顛覆了命名和標籤。
KZ 本身為七十後，如填《八十後時代曲》的小克一樣，是以自己的青春回憶寫下八、九十年代的流行面相，值得細味。

Track Review の歌詞刺點

2010-05-27T11:43:00.005+08:00

心足王梓軒

美好的旋律、押韻的歌詞，第一次聽沒有細嚼意思，被歌詞「人間一粒米」劃破流暢。以為自己聽錯，真的是米？量詞真是一粒？就如陳奕迅的《陀飛輪》，第一次聽不清楚歌詞，就只是聽到「多買一隻表」。也許跟量詞無關，但全首流暢的書面語加插口語化的量詞，卻實令人震一震。《心足》說的是白粥，愛人在病倒時送上簡單的白粥，足叫心足。病到暈暈但又甜蜜蜜，自然眼裏只有粥中米，什麼也不能代替。這是一粒米帶來的滿足。

■http://t.sina.com.cn/jonwongzixuan
http://www.littleoslo.com/lyc/home/?p=5723

珊瑚島官恩娜

同樣出自林若寧手筆，「我亦努力製造這一客飯」同樣帶來lyrical shock。一人被困荒島，但用心經營裝飾、環境和自己，沒有朋友沒有伴侶。《珊瑚島》作為獨身的比喻，是自己對自己的要求與責任。一樣的心足，卻是來自另一種幸福。這一客飯不為誰做，也不是誰送來的烹品，只是簡簡單單做好自己的證明。一客飯帶來的滿足，可以跟一粒米帶來的遙遙對應。

■http://lyric.musichk.org/unrelease/1548.htm
http://www.youtube.com/watch?v=rW8po7wzauw

縱貫線的南北意象

2010-05-25T11:58:00.002+08:00

四人跨代台灣樂隊縱貫線上年巡迴世界，更推出《北上列車》EP。羅大佑、李宗盛、周華健、張震嶽，實有一個適合你口味；加上四人的創作魅力，新組合卻同是老懷舊，演唱會自然賣個滿堂紅。在香港的年頭年尾兩場我也有赴會，第一場注重交叉合作，第二場則較多分開演唱，同樣吸引。

演唱會精彩，EP銷路也自然得益，但原來《北上列車》「北上」算是失敗了。說的並非銷量，而是其中歌曲《亡命之徒》被「和諧」了！歌曲過不了文化部，所有黑幫社團、手槍板機、上帝神明、小偷小鳥（性器官）都被河蟹，換成無關痛癢的沉悶版。想不到四人除了顯示了跨世代的美，還證實了跨地域的美。大陸以外的歌迷，能嘗到那真正顛沛流離的滄桑感，原來多麼幸運。

整個系列：《北上列車》、《南下專線》及還未發行的《全線通車》，散發無可抹殺的政治意味。《北上列車》的《亡命之徒》草去，完全切合北上的意境，今次南下則是遙距「感應」，表面上說的是環保，卻脫不了政治涵意。一句「和諧就從我們身邊的人開始」讓人會心微笑。北征過後，南下歸來，對國內的歌迷，寄予充滿密碼的歌詞：大陸被喻作大地、母親，「誠意是金有心人會聽╱無論隔得多遠都能夠感應」。以前大陸對港台來說，是被流放的異域。今天則是要有所感應、要「跨越疏離」的同根。細聽歌詞，他們要唱的是拋低偏見，成就一個更好的未來。

樂隊有羅大佑，自然不放過政治的隱喻。碟中另一首《握手》，出自他手筆，以男女寄寓二地握手後便成就了的共同節奏。當他貫徹隱晦的政治描寫，李宗盛也保留他的輕鬆愛情歌路，《愛　欲　浮世繪》以溫泉比喻戀愛，為政治隱喻打個平衡點，可愛直接，正宗台式幽默。泡妞與泡湯，同樣是無底深潭，我們對縱貫線的愛又何嘗不是？但願我們可以再泡久一點。

Dear John OST

2010-05-18T10:33:00.003+08:00

太行的電影，太行的封面，卻有不太行的原聲。

當然，愛情片首打是合唱曲確是行事，但Paperweight男女伴唱卻有着鬼魅的獨特性。女聲做主，男聲為副，像鬼一樣的跟着，歌曲在電影The Last Kiss亦曾作原聲曲。甜蜜的床戲由Joshua Radin 及 Schuyler Fisk唱出。和專輯另一首男女合唱歌You Take My Troubles Away映襯，一頭一尾，都是男女籟聲的同步之作——整首歌貫疊男女聲，沒有分開，親密纏綿。後者是日本美國混血兒Rachel Yamagata及Dan Wilson的作品。

電影原聲是合輯，每一首也有特色，也有叫人想起不同的電影片段。311、The Donkeys、Wailing Souls都是快板情調。Fink唱得溫柔，以色列歌手Rosi Golan則不被Amanda比下去。而電影播得最深刻的主題曲Dear John Theme，在每一畫面的配襯下，竟有點宮崎駿、久石讓的味道。

不過最具話題之作，自然是Bonus Track。看來是徇眾要求收錄的。Set The Fire To The Third Bar，是Snow Patrol ft. Martha Wainwright四年前的作品，很多人誤會歌詞「I'm miles from where you are」是歌名，其實只因這是甚易入腦的歌詞。這首關於long distance、觸不到的愛情歌曲，早前更被多部電影例如Twilight的樂迷剪做音樂錄像。更早一點，記得Snow Patrol在巡迴音樂會也和Lisa Hannigan合唱，感染力比原唱更驚人。今次電影的trailer以此作伴奏，相信也影響了不少人入場。音樂和歌詞令Dear John更窩心（也所以預告片比電影更澎湃）。

來自Mama Mia！的Amanda Seyfied，也是電影的女主角，自然也有一展歌喉。聲線動人唱出Little House ，歌詞已猶如一套有影像的小電影，小美人在小屋裏自彈自唱……但我更期望原聲專輯收錄她讀信的獨白，「Dear John, Two weeks together, that's all it took......」，原聲不止是音樂，像當年《男人四十》的林嘉欣，稚嫩的聲線讀着角色的作文，收錄在專輯叫人隨時能回味那份詩意。Dear John既然以文書為主軸，原聲碟若有Amanda Seyfied的獨白聲線，就更為珍貴。

Track Review の Once a Show Time

2010-05-17T09:25:00.008+08:00

紅色跑車 /Crystal /每一句說話 Mr. X Joey Tang X 雷有輝

上年拉闊音樂擂台陣Mr. X Rubberband，兩隊唱完「馬路天使」還有「別人的歌」，台下70、80後的歌迷樂透。80年隊樂隊風潮重現眼前，更重要是也預示著10年年代香港主流樂隊的重現。亦因為Mr.也標示著樂隊的回歸，今趟Mr.第一次紅館演出，太極的出現更具意義。「紅色跑車」是太極大熱，「Crystal」是對唱經典，也是Mr.繼承了的風格－－純熟的搖滾音樂，簡約的粵式歌詞，而「每一句說話」實叫人想起Mr.的「尋找一千遍」，都是關於戀人絮語，只是後者有更好的一個結局。

太陽陳綺貞
《太陽巡迴演唱會》沒有天下無雙的合作歌曲，只有自家一人的rock show，也就是結他與她的風格。最深刻當然是主題曲「太陽」--身為主題，它作為了一首描寫偶像歌迷關係的歌，「我是你夜裡的太陽，也是你，影子裡的悲傷。」彼此就是對方的代言人。若樂人與樂迷之間的愛，如歌詞所說是「信仰」，那演唱會就是聖祭，一台之隔，那雙向的認同和信念油然而生。「我是我...一碰就碎的太陽」，則在演唱會裡成為演唱會本身最好的指涉---live show就是最剛剛好的接觸距離。

Track Review の浪漫對唱

2010-05-11T11:19:00.001+08:00

Le refuge （ Isabelle Carré, Louis-Ronan Choisy ）

有什麼能讓觀眾捨不得離開電影院？電影《孕茫茫》未算懾人，卻有此主題兼片尾曲縈繞不休，法文加音樂加男女聲多重柔疊，帶出一切塵埃落定過後的滄桑感。MV 比電影簡單但出色，此曲不單是電影的幸運，也是樂迷的幸運。受Leonard Cohen 影響深遠的Choisy 與頌唱靚聲Carré，天衣無縫。

Way Back into Love （衞蘭、李治廷）

香港歌手翻唱英文歌未必人人受落。但《冧歌有情人》的這首主題歌是真的容易入耳，是easylistening 的極致。之前曾有國語版、韓語版，甚至巴西版。如今兩位番書仔番書妹唱出香港版，但堅持是英文原版，總比生砌廣東話好。李治廷的《歲月輕狂》剛奪金像獎最佳原創電影歌曲，這首同樣是電影之歌在衞蘭的協作下，更顯他的吸引力。

Ketchup Ken - One Man Band 一個人的簡單風格

2010-05-09T10:26:00.006+08:00

明報 P15 | 歌舞昇平 | 殘響音牆 | 2010-05-09

2001 年認識Ketchup，第一次見證何謂真正的One-man-band。不單音樂上自學自彈自唱，還有自家設計自己灌錄自資推出首張專輯。十年前，已經覺得他一支茄醬好厲害。十年後，他找來一幅自己十年前拍的沖繩小孩相片，畫一個番茄在他的肚皮，再選了三十多首歌，一枝獨秀弄個十周年音樂會，連票務也自己落手落腳弄郵購。果然還是one man band 的風格。

Ketchup 本是三人樂隊，但那是比十年前更遠的事了。這十年來，Ken 自己經營Ketchup，轉眼也讓這個趣怪的名字變為自己的名字。「Ketchup 作品的主題就像我的日記、周記，大部分都是關於自己的。我已經習慣一個人創作，雖然有點孤獨，但也是享受的。偶然會和朋友夾夾band，是另一種樂趣，可讓大家重拾青春」。

這個十年，正職做Graphic Designer 的Ken 製作過七張專輯，魄力不錯，有沒有想過做全職音樂人？「從來沒有。我是不能為了生活去創作音樂的，我沒有這種能力」。和他的音樂一樣，答案是如此簡單和直接。

單看他的專輯名字： Sweet-Smelling、The Village Man、Old-fashioned Blue Sky、Sweet Dream Is Over、In LoveAgain、The Beautiful Things、His master's voice，不難看到他浪漫中帶點踏實，「我會用簡單、原始去形容自己的音樂，但其實沒有一種特有風格，最基本是要自己喜歡和有感覺的音樂」。喜歡The Beatles，喜歡Nirvana，他可是徹頭徹尾地崇尚簡單。「若要選一首最影響我的歌，一定是Nirvana 的《Come as You are》，它令我明白到就算是簡單和基本的元素，亦可以製造出強大的威力。至於The Beatles，我從未認識過不喜歡他們的人」。

隱居圍村的外國人？
熱愛simple music，也是偏愛simple English。一直以來，他沒有作過中文歌，只是用最簡單的英文去唱作。「對於我來說，無論中文、英文或其他語言的歌曲，其實都只是一種聲音，只要好聽就ok。我喜歡用英文是因為中文詞比較難填，尤其是廣東話，我曾經嘗試去寫，但始終未夠功力。其實我最喜歡是創作純音樂，不過香港很少人會買純音樂唱片的。」

雖然用的是英文，但聽上去Ketchup 的作品總是有點香江味。大概是因為他的第一張大碟有《KCR》又有《Long KeBeach》。「有人更以為我住在圍村，很有趣，可能是我其中一張唱片The Village Man令人誤會我呢。我從小在沙田長大，也是新界吧。自十九歲自己搬出來後，便一直住村屋。雖然不算郊區，但始終較寧靜，窗外可看到樹和山。我想，對於創作是有幫助的，起碼不是對大廈的喉管或鄰居的廚房」。記得從前他的訪問裏，他還是自稱「鄉下佬」的！

他的Freaky 音樂會
「這次音樂會就是要跟老朋友來個快快樂樂的聚會。我希望可以重遇十年前的觀眾，一段關係維持十年是不容易的，總算是一起成長」。差不多在每張唱片也加入「freak」一字的他，不忘在音樂會名中加進「Freaky」，貫徹他的風格。那麼實質而言，他有幾freaky？「每次錄音或演出前，我喜歡刷牙和漱口，感覺像清潔了喉嚨」。他笑說可算是個怪癖了。

十周年，當然要回顧及反思，他又覺得自己有什麼轉變呢？「其實每天都在轉變，但又好像沒有太大的轉變。世界實在變得太快了，感覺有點麻木」。那麼感覺音樂環境或樂壇又怎樣？「我很久沒有接觸香港樂壇了，對於香港的樂壇我還停留在八十年代。現在的樂壇比較接近生活，是可以接觸的，不再是高不可攀的。當然有好亦有壞，好的是人人都可以做音樂，但好像不會再有巨星了」。

而我們幸好還有小小的一瓶Ketchup。舒服、耐聽，就像Ken 自己喜歡的音樂一樣。

KETCHUP 10th ANNIVERSARYANOTHER FREAKY SHOW 2010
日期：2010 年5 月14 日（五）8:30pm
地點：蒲吧（香港西灣河聖十字徑2號協青社）
票價：150 元
門票現已開始發售：
24 小時郵購服務（只限5 月10 日前）請先電郵到iamketchup@gmail.com 訂票門票會於3 日內寄出
WORKnPLAY / 周一至六1 至9pm觀塘興業街19-21 號明生工業大廈11/F 後座2793 2512蒲吧（只限當日即場）www.youthoutreach.org.hk

伊能靜的詩意人生

2010-05-04T13:38:00.001+08:00

不同歌手都有自己的歌域，像陳怡文的怪聲可以在比賽中脫穎，張柏芝的鵝公喉也可以很有韻味。伊能靜的雞仔聲卻在灰色地帶。不過不能否認，她對音樂的認真往往幫了她一把──每每找來不同音樂人合作，發掘各樣可能性。就如今次主打〈春暖花開〉她聲線與電音所混出來的奇幻效果，電子編曲應記一功。

伊能靜2001的大碟《關不住》，整張也是走電音路線，當年引來一點話題。其中一曲由香港人山人海班底製作，對香港人特別有親切感。歌曲〈分裂〉由蔡德才編寫，歌曲關於精神/性格分裂，編曲用上多聲重疊及迴音，全首以電音混成，很適合伊能靜的聲線，為她豎立了個人風格。今次〈春暖花開〉也是用上這樣的電音迴聲，若拿同碟的〈愛的練習本〉來比較，就更顯電音可以為她做的過人效果。〈春暖花開〉是風格，〈愛的練習本〉是平庸，前者簡直是化缺憾為完整是，幕後推手F.I.R的陳建寧功不可沒，新鮮之餘，也是延續《關不住》的電音風格，相信這也是他最喜歡的伊能靜風格了。

這張細碟除了有她的創作詞，還包含了她的寫真歌詞集。看她的封面，別以為她還在賣純情騷身材，《關不住》和《春暖花開》有整整十年的差距。前者是新婚之時，後者是離婚之後。飽經滄桑的伊能靜也大概看到大家的焦點所在，巧妙地以他人之字來回應──歌詞：「春暖花開，面朝大海」實是來自《海子的詩意人生》的詩詞。就如她自己在網誌所言：「書寫的狀態並不代表現實生活的狀態，事實上很多看來哀傷的文字都是在心情很安穩的時刻寫出來的」，輕輕以詩意回應不必要的目光。

Track Review の城市之歌

2010-05-03T12:16:00.005+08:00

紙箱國( 麥浚龍)

麥浚龍的歌總有點畸畸怪怪，但這種另類觀卻能令他唱出城市或人性的另一面。《紙箱國》是污糟邋遢的流浪漢之歌，為世不容且不沾俗世，怪物小王子化身「犀利哥」，卻仍然保留童話式的奇幻，加上于逸堯的中國風與其輕快口哨的編曲，成就了一個中國現代成人童話。

小孫公園( 孫耀威)

太難記起孫耀威是香港人，

新一代對他的印象還停留於他在寶島的星途。回歸之作《圍城故鄉》力證香港之子的身份。《小孫公園》更把自己的姓氏與香港的公共空間交接，更是「香港仔」的宣言聲明。一句「看報見到公園封鎖回頭便拆了麼」更參與保育潮，原來也來自小克的身影。

把悲傷都留給Tindersticks

2010-04-15T09:31:00.003+08:00

@ London O₂ Shepherds Bush Empire

「This is the last song, it's like a dream isn't it?」Stuart Staples連說最後 (也差不多是唯一)一句話，聲音也如像唱歌時一樣沉吟。這位主音歌聲獨特，幽怨低沉的男聲簡直成為滄桑雄聲的代名詞。看亞洲評論怎樣把他與陳坤及井上陽水並論便可知一二。他lounge jazz的吟唱是夜半歌聲，是歌聲魅影…..總之就是能在黑夜裡攝了你的靈魂一樣，那不指是歌唱的聲線，還有吟唱的部分，歌曲如「No man in the world」頭段朗讀的部分，就像讀詩會的一樣有懾人的魅力－尤其當你在現場聆聽。

不過我想說的是，除了這樣重signature的主音，他們更過人的地方是整隊樂隊的層次感。除了有管弦樂的味道，還有整齊但豐富的編曲，令每一首歌都獨立起來。沉吟的歌聲很易會有千篇一律的感覺，但Tindersticks有強大的樂器隊支撐，令苦澀的雄聲更多發揮空間。新成員David Kitt在今次的live唱了不少和音，他本身是愛爾蘭歌手，有自己的專輯，他美麗的聲線配上Stuart傾向單一的聲調，聽起來就更富層次，尤如多了一種顏色。

黑夜裡的一道彩虹

或許以「色彩」來形容Tindersticks確是不恰當，但那是2010年之前的事。新碟《Falling down a Mountain》有從前不會與Tindersticks拉上關係的元素。單單是「Harmony around my Table」就很跳脫。雖然在播Tindersticks的夜裡你可能嫌它太突兀，但在live house它確是把大家重新拉聚起來，否則一個個靈魂都飄得太遠了。

「Peanuts」也是那種在新碟中嚇你一跳的歌，不斷聽他唱「Peanuts」一字確實太沒有詩意。但是接著全碟最芭蕾式的「Factory Girls」去演唱，叫人把竊笑都火速收起。這首歌在唱機上聽時已成為我的最愛，在現場更令人完全沉醉在音樂裡，大家像中了咒一樣，是唯一一首沒有人走去添啤酒的歌。彩虹過後，不是晴天，而是更令人心碎的寧靜。

城市中的一個破洞

是晚穿上西裝的Tindersticks，在具一百年歷史的Shepherds Bush Empire音樂劇院演出，十分配合他們作為「經典」的形象。可以肯定說，他們已逐漸被英國人認為國寶。出道接近二十年，期間雖然不斷重組，但主要以Stuart為重心及品牌。今年適逢他們推出新專輯，以為是多唱新曲的一晚，結果沒有讓三十歲以上(亦即差不多全場)的歌迷失望。第三首已跳到經典「Sometimes It Hurts」，當然還有「Marbles」、「Bathtime」、「Dying Slowly」、「Can We Start Again?」等等。第二次encore更唱了「City Sickness」和「Raindrops」--兩首不聽不走的經典，何謂Tindersticks的經典? 他們那種帶點罪疚感，唱出在城市裡破破爛爛的關係，都是他們恆久兼到肉的主題。

他們表演的這個星期，碰巧波蘭一個劇團也在倫敦演出「4.48 Psychosis」的舞台劇，其對白及意念也正是Tindersticks借用過來作詞的同名歌曲。但他們當晚就沒有演奏此歌，對希望可以同時感受這套關於精神病人劇目的觀眾來說，就有點失望了。

「狐狸先生」的修煉之路

2010-04-07T14:46:00.004+08:00

《狐狸先生無得頂》絕對可以被說成是一套關於修煉的電影——如何戒去欲望、拒絕引誘、反本性而行……沒錯，原著是一部給小孩子的冒險故事書，導演卻能把它成為成人的寓言。改編者╱導演Wes Anderson以「狐狸偷雞」的本性延伸至成長的責任問題，甚至比原著更有教育意義——絕不是說教式的，而是以狐狸先生的獸性作補充的隱喻。

導演力求豐富故事和主題

是否言重了？若有看過原著，就會明白導演是加了多少心血去豐富故事和主題。原著裏，狐狸一家都愛偷。電影裏，卻是以狐狸太太希望丈夫戒偷開始。前者是眾志成城，後者卻是孤身作戰，可惜是為自己欲望而戰。雖然原作者Roald Dahl曾說這是他最平衡的作品，但頂多只是狐狸冒險的故事（當然亦加插了偷東西合不合乎道德的一場討論），而電影則把狐狸先生塑造得很有人性──那些人性的缺點：戒掉所謂「愛偷」的本性後，他執筆寫專欄，但一直心癮難耐。他把偷東西的快感轉移到對物質的虛榮，渴望搬到地面去住，所以摒棄地洞買了樹洞，過着優質的生活。這些都是原作沒有的，雖然像是豐富了笑料，但更實質是鋪排了他的「必須修煉」之路。

因為不聽太太勸告，再次偷竊，於是才引起農夫的不滿，決定殺牠全家，更禍及整個山頭的動物。不像書中那樣，只是一般的偷竊，而化成冒險故事，這可是背着罪名，頻出計去大冒險，可是要將功補過啊。狐狸先生由fantastic變了累人全家，這個重大的改變加上之前不能改邪的背景，正好說明導演帶出「修身歸正」的重要。狐狸先生一直以自己是野獸為藉口，以及希望得到其他人的讚美為榮，於是瞞着太太偷偷到農莊偷竊。不單是背叛了妻子的信任，也離棄了做父親的責任，令一家人陷入險境。他方才後悔，其實擁有快樂的一家、穩定的生活，應該已給他最大的滿足感了。這個由「自己」出發，才慢慢看見「他人」的過程，是每一個孩子所經歷的「成長」，但更是一個（成人）凡夫俗子如何願意戒去欲望，珍惜眼前所有的修道。

參透一家人齊整的重要

偷東西的時候，狐狸先生不斷說自己什麼都行，但就是有「恐狼症」。人家一提「狼」，他便毛管直豎，全身發抖。這都是導演細心的安排。到最後，他捨身把兒子及朋友從重圍救出，參透一家人齊齊整整的重要時，魔幻一刻便出現了。就如練功得道，看到神仙一樣。一個雪地的境界出現眼前，一隻黑狼站在上面，但狐狸先生竟然不害怕。他還突然覺得這種動物很漂亮，恐狼的陰霾再也沒有了。這一幕就更說明他只要放下自己，便能連自己的恐懼也一併放開。那個雪地慢慢退去的意境，我認為是整套電影最動人的一幕。

電影還加了一條「外甥」的故事線，呼應狐狸先生「道」的主線。由書中的四個兒子變為一個，另外加了這個來暫住的外甥——而他正正就是「修煉」的代表。外甥不單會冥想會功夫，而且有一份沉着的冷靜。但他的最大作用不單是展示修煉正身，而是把他傳給狐狸先生的兒子Ash。Ash一向希望成為傑出的運動員，雖然爸爸以前是全校第一，但似乎沒有把運動細胞遺傳給他。直至最後，當外甥教了他如何透過冥想去告訴自己很輕很輕，他就立刻便成了運動健將。而其「忘我」的步驟就能呼應他爸爸要練成的無私境界——之前他一直不能做到運動項目的目標，只因是為自己的榮辱而努力，一味要突出自己，但最後能夠成為健將，是因為他要拯救家人逃出重圍。所謂要進入「忘我」境界，正正就是放低自己，成就他人的隱喻。